オーケストラ |

ギリシャの orxestra から – 古代劇場の丸い、後に半円形のプラットフォームで、リズミカルな動きをして、悲劇と喜劇の合唱がそれぞれのパートを歌った orxeomai から – 私は踊る

音楽作品の共同演奏を目的としたさまざまな楽器を演奏するミュージシャンのグループ。

サーまで。 18世紀の「ああ」という言葉。 古代に理解されました。 それを音楽家の居場所に関連付ける (Walther, Lexikon, 1732)。 I.マテソンの作品「再発見されたオーケストラ」（「Das neu-eröffnete Orchestre」、1713年）でのみ、「O」という言葉があります。 古い意味とともに、新しい意味を獲得しました。 現代では、JJ Rousseau によって音楽辞書 (Dictionnaire de la musique, 1767) で最初に定義されました。

O.の分類原則はいくつかあります。主なものは、インストルメントによる O.の分割です。 構成。 異なるグループの楽器 (交響曲 O.、estr. O.) を含む混合構成と、均質 (弦楽オーケストラ、ブラスバンド、O. 打楽器など) を区別します。 均質な構成には、独自の区分があります。 風 O. では、均一な構成が区別されます - 銅の構成 (「ギャング」) または混合され、木管楽器、時にはパーカッションが追加されます。 博士 O. の分類の原則は、ミューズの任命から始まります。 練習。 たとえば、軍事バンド、エストがあります。 O. O. の特別なタイプは多数で表されます。 ナット。 アンサンブルとO. Nar。 構成が均一な楽器（domrovy O.）と混合された楽器（特に、マンドリンとギター、タラフで構成されるナポリのオーケストラ）。 それらのいくつかはプロになりました（VV Andreevによって作成されたGreat Russian Orchestra、AI Petrosyantsによって組織されたO. Uzbekの民族楽器など）。 O. natの場合。 アフリカとインドネシアの楽器は、たとえば打楽器が優勢な構成が特徴です。 ガムラン、O. ドラム、O. 木琴。 ヨーロッパ諸国では​​、共同インストルメントの最高の形態。 パフォーマンスはシンフォニックになりました。 O.、弓、管楽器、打楽器で構成されています。 すべての弦楽パートはシンフォニーで演奏されます。 O.グループ全体（少なくともXNUMX人のミュージシャン）; この O. は instr とは異なります。 各ミュージシャンが otd を演奏するアンサンブル。 パーティ。

交響曲の歴史。 O.は16世紀から17世紀の変わり目にさかのぼります。 古代、中世、ルネッサンス時代には、大規模なツール集団が以前から存在していました。 15〜16世紀。 お祝いに。 ケースは前もって収集されました。 アンサンブル、to-rye にはすべての楽器ファミリーが含まれていました。 ただし、17世紀まで。 定期的に活動するアンサンブルはありませんでした。 音楽の演奏は、お祭りやその他のイベントに合わせて行われました。 O.のモダンな姿。 この言葉の意味は、16 世紀から 17 世紀にかけての出現に関連しています。 オペラ、オラトリオ、ソロ・ウォックなどの新しいジャンルの同音異義語音楽。 O.が声の伴奏の機能を果たし始めたコンサート。 同時に、O. などの集団はしばしば別の名前を持ちました。 はい、イタリア語です。 作曲家コン。 16 – お願いします。 17世紀には、ほとんどの場合、「コンサート」（たとえば、「Concerti di voci e di stromenti」y M. Galliano）、「chapel」、「choir」などの用語で示されていました。

O.の開発は多くの人によって決定されました。 素材と芸術。 要因。 その中で最も重要な 3 つは、オークの進化です。 楽器（新しいものの発明、古いものの改良、音楽の練習からの時代遅れの楽器の消失）、オークの開発。 パフォーマンス（新しい演奏方法、ステージまたはオークピットでのミュージシャンの配置、Oの管理）、オーク自体の歴史がつながっています。 集団、そして最後に、オークの変化。 作曲家の心。 このように、O. の歴史の中で、素材と音楽の美学は密接に絡み合っています。 コンポーネント。 したがって、O.の運命を考えるとき、楽器やオークの歴史はあまり意味しません。 スタイル、O.の開発の材料コンポーネントの数。 この点に関するO.の歴史は、条件付きで1600つの期間に分けられます.O.は約1750年から2年までです。 A. 18階です。 20 – お願いします。 1世紀（第一次世界大戦1914-18の開始のほぼ前）; O. 20世紀（第一次世界大戦後）。

O. 17 期 – 1 階。 18世紀ルネッサンスから、O.は音色とテッシチュラの選択に関して豊富な楽器を継承しました。 オークの分類の最も重要な原則。 17 世紀初頭のツールは次のとおりでした。 1) 物理的なツールの分割。 A.アガザリとM.プレトリウスによって提案された、弦と風への響きの体の性質。 後者もドラムを選び出しました。 しかし、プレトリウスによれば、たとえば弦楽器の関連には、音色や音の生成がどれほど異なっていても、「弦が張られた」すべての楽器が含まれます – ヴィオール、バイオリン、竪琴、リュート、ハープ、トランペット、モノコード、クラヴィコード、チェンバロなど。 このようにして、人間の声 (ソプラノ、アルト、テナー、ベース) に対応する、通常は 2 つ、時にはそれ以上の種類のテシトゥーラを含む均質な楽器のファミリーが生まれました。 それらは、「音楽科学のコード」のパート 4 (「Syntagma musicum」、パート II、2 年) の楽器の表に示されています。 1618世紀から16世紀にかけての作曲家。 したがって、彼らは弦楽器、管楽器、打楽器の枝分かれしたファミリーを持っていました。 弦楽ファミリーの中では、ヴィオール（トレブル、アルト、ラージベース、コントラバス、特別な種類 – ヴィオル・ダムール、バリトン、ヴィオラ・バスタード）、竪琴（ダ・ブラッチョを含む）、ヴァイオリン（17弦トレブル、テナー、バス、 4 弦フレンチ – ポシェット、3 度高くチューニングされたスモールトレブル)、リュート (リュート、テオルボ、アーキリュートなど)。 フルート楽器 (縦フルートのファミリー) は、管楽器の中で一般的でした。 ダブルリードの楽器：フルート（低音ポンマーから高音パイプまでのボンバードのグループ）、曲がったホーン - クルムホルン。 アンブシュア楽器：木と骨のジンク、トロンボーンのデコンプ。 サイズ、パイプ; パーカッション（ティンパニ、ベルのセットなど）。 中華鍋17世紀の作曲家たちの考え方は、テシトゥーラの原則にしっかりと基づいています。 高音テシトゥラのすべての声と楽器、およびアルト、テナー、バステシトゥラの楽器が一斉に組み合わされました（それらのパートはXNUMX行に録音されました）。

16〜17世紀の危機に瀕している最も重要な特徴。 ホモフォニックスタイル、およびホモフォニックポリフォニック。 文字 (JS バッハ、GF ヘンデル、その他の作曲家)、バッソ コンティニュー (一般的なベースを参照) になりました。 この点で、旋律とともに。 いわゆる声と楽器（バイオリン、ビオラ、さまざまな管楽器）が登場しました。 コンティニューグループ。 ツールの構成は変更されましたが、その機能 (ベースとそれに付随する多角形のハーモニーの実行) は変わりませんでした。 オペラの発展の初期段階 (たとえば、イタリアのオペラ学校) では、通奏低音グループにはオルガン、チェンバロ、リュート、テオルボ、ハープが含まれていました。 2階にあります。 17世紀 その中の道具の数は激減しました。 バッハ、ヘンデル、フランスの作曲家の時代。 古典主義は、鍵盤楽器 (教会音楽ではオルガン、チェンバロと交互に、世俗的なジャンルでは XNUMX つまたは XNUMX つのチェンバロ、オペラではテオルボ) とベース - チェロ、コントラバス (ヴィオロノ) に限定されます。ファゴット。

O.1階用。 17世紀は、多くの理由によって引き起こされる構成の不安定さが特徴です。 それらの18つは、楽器の選択とグループ化におけるルネッサンスの伝統の改訂です。 インストルメンテーションは根本的に更新されました。 彼らは音楽を残しました。 リュート、ヴィオールの練習、ヴァイオリンに取って代わられる – より強い音色の楽器。 砲撃は最終的に、低音ポンマーから開発されたファゴットと高音パイプから再構築されたオーボエに道を譲りました。 亜鉛がなくなった。 縦フルートは、横フルートに置き換えられ、音響パワーでそれらを上回ります。 テッシチュラの品種数は減少しています。 しかし、このプロセスは XNUMX 世紀になっても終わりませんでした。 たとえば、バッハのオーケストラには、ヴァイオリン ピッコロ、ヴィオロンチェロ ピッコロ、リュート、ヴィオラ ダ ガンバ、ヴィオル ダムールなどの弦楽器がよく登場します。

Dr. コンポジションが不安定な理由は、adv でのツールのランダムな選択です。 オペラハウスや大聖堂。 原則として、作曲家は、一般的に受け入れられている安定した構成ではなく、定義された O. の構成のために音楽を書きました。 劇場またはプライベート。 チャペル。 最初に。 17 世紀にはスコアのタイトル ページに「buone da cantare et suonare」（「歌と演奏に適している」）という碑文がしばしば作成されました。 モンテヴェルディが宮廷のために書いたオペラ オルフェオ (1607) の楽譜の場合のように、楽譜やタイトル ページで、この劇場に存在する構成が修正されることがありました。 マントヴァの劇場。

新しい美学に関連するツールの変更。 要求、内部の変更に貢献しました。 組織 O.オークの段階的な安定化。 作曲は主に現代の起源の線に沿って行われました。 オークの概念。 音色とダイナミックに関連する楽器を組み合わせたグループ。 プロパティ。 音色が均一な弓弦グループ (サイズの異なるヴァイオリン) の区別は、主に演奏の練習で発生しました (1610 年のパリの弓弦オペラ「王の 24 のヴァイオリン」で初めて)。 1660 年から 85 年にかけて、チャールズ 24 世のロイヤル チャペルがパリのモデル (XNUMX 個のバイオリンからなる楽器) に従ってロンドンに組織されました。

ヴァイオリンとリュートのない弦楽グループ (ヴァイオリン、ヴィオラ、チェロ、コントラバス) の結晶化は、主にオペラの創造性に反映された 17 世紀のオペラの最も重要な征服でした。 パーセルのオペラ「ディドとアエネアス」（1689）は、通奏低音付きのハープのために書かれました。 管楽器のトリオの追加–リュリーによるカドモスとハーマイオニー（1673）。 クラリネット (フルート、オーボエ、ファゴット) に加えて、主要な木管楽器のすべてがすでに O に導入されていますが、木管楽器と金管楽器のグループはバロック正統派ではまだ形成されていません。多くの場合、2 つのオーボエ (または 2 つのフルート) とファゴットがリストされます。F. ラモーのオペラ (「Castor and Pollux」、1737 年) では、フルート、オーボエ、ファゴットなどの木管楽器の不完全なグループがあります。 バッハのオーケストラでは、17 世紀の楽器に固有の魅力があります。 管楽器の選択にも影響を与えました。オーボエの古い品種であるオーボエ ダモーレ、オーボエ ダ カッチャ (現代のイングリッシュ ホルンの原型) は、ファゴットまたは 2 つのフルートとファゴットと組み合わせて使用​​されます。 金管楽器の組み合わせは、ルネッサンス型のアンサンブル (たとえば、シャイトのコンチェルトス サクリのジンクと 3 つのトロンボーン) から地元の金管打楽器グループ (バッハのマニフィカトの 3 つのトランペットとティンパニ、彼自身のカンタータのティンパニとホーンの 3 つのトランペット) に発展します。 No. 205)。 量。 O. の構成は、その時点ではまだ形になっていませんでした。 弦。 グループは時々小さくて不完全でしたが、管楽器の選択はしばしばランダムでした（表1を参照）.

1階から。 18世紀の分割が行われました。 音楽の社会的機能、演奏場所、聴衆に関連する作品。 教会、オペラ、コンサートへの作曲の分割は、教会、オペラ、室内楽のスタイルの概念にも関連していました。 各作品の楽器の選択と数は、依然として大きく変動していました。 それにもかかわらず、オペラオペラ（ヘンデルのオラトリオもオペラハウスで上演されました）は、コンサートよりも管楽器で飽和することがよくありました。 違いに関連して。 プロットの状況では、弦楽器、フルート、オーボエ、トランペット、ティンパニとともに、トロンボーンがしばしば登場しました（モンテヴェルディのオルフェウスの地獄のシーンでは、亜鉛とトロンボーンのアンサンブルが使用されました）。 時折、小さなフルートが導入されました (ヘンデルの「リナルド」)。 17世紀の最後の21分のXNUMX。 角が出ます。 教会へ。 O. 必然的にオルガンが含まれていました（通奏低音グループまたはコンサート楽器として）。 教会へ。 O. in op。 バッハは、弦楽器、木管楽器（フルート、オーボエ）、時にはティンパニ、ホルン、トロンボーンを備えたパイプ、合唱団の声を倍増させるもの（カンタータ第XNUMX番）とともに、しばしば提示されます。 教会のように、オペラの O. 生き物のように。 その役割は、ヴァイオリン、チェロ、フルート、オーボエなどの独唱を伴う義務的な（義務を参照）楽器によって演じられました。

Oのコンサート構成は、音楽を演奏する場所と性質に完全に依存していました。 お祝いに。 アドバンテージバロック様式の儀式（戴冠式、結婚式）、大聖堂での典礼。 音楽はインストルメントを鳴らしました。 宮廷によるコンサートやファンファーレ。 ミュージシャン。

世俗的な私的。 コンサートは、オペラハウスと屋外の両方で開催されました。仮面舞踏会、行列、花火、「水上」、そして家族の城や宮殿のホールで。 これらすべてのタイプのコンサートには27月が必要です。 作曲O.と出演者の数。 1749 年 56 月 9 日にロンドンのグリーン パークで演奏されたヘンデルの「花火のための音楽」では、管楽器と打楽器のみ (最小 9 の楽器)。 24か月後にファウンドリング病院で行われたコンサートバージョンでは、作曲家は、12つのトランペット、6つのホルン、1721のオーボエ、XNUMXのファゴット、パーカッションに加えて、弦楽器も使用しました。 実際のconcの開発中。 O. コンチェルト・グロッソ、ソロ・コンチェルト、オークなどのバロック時代のジャンルが最大の役割を果たしました。 スイート。 利用可能な (通常は小さい) 構成への作曲家の依存は、ここでも顕著です。 それにもかかわらず、この枠組みの中でさえ、作曲家は、ホモフォニック-ポリフォニックコンサートの室内楽スタイルに関連する特別な巨匠と音色のタスクを設定することがよくありました。 基本。 これらは、バッハ (XNUMX 年) の XNUMX つのブランデンブルク協奏曲であり、それぞれがバッハによって正確にリストされたソリスト - 演奏者の個別の構成を持っています。 場合によっては、作曲家が decomp を示しました。 自由に組成の変種（A. Vivaldi）。

クリーチャー。 バロック時代のオーケストラの構造は、多合唱音楽のステレオフォニック (現代的な意味での) 原理の影響を受けました。 音の空間的な並置のアイデアは、17世紀に採用されました。 合唱団から。 16世紀の多声交響曲。 いくつかの合唱団の場所。 とインストルメント。 大きな大聖堂の合唱団の礼拝堂は、響きの空間分割の効果を生み出しました。 この慣行は、G.ガブリエリが働いていたヴェネツィアのサンマルコ大聖堂で広く使用され始めました。彼女は、彼と一緒に勉強したG.シュッツや、S.シャイトや他の作曲家にも精通していました。 マルチクワイア・ウォック・インストの伝統の極端な表現。 この手紙は、1628年にザルツブルク大聖堂でO.ベネヴォリによって祝祭ミサで演奏され、8つの合唱団が必要でした（同時代の人によると、12人もいました）。 マルチ合唱のコンセプトの影響は、カルトのポリフォニックだけに反映されたわけではありません。 音楽 (バッハのマタイ受難曲は 2 つの合唱団と 2 つのオペラのために書かれました) だけでなく、世俗的なジャンルでもあります。 コンチェルト グロッソの原則は、デコンプを実行する XNUMX つの等しくないグループにパフォーマー全体を分割することです。 機能: コンサーティーノ – ソリストのグループとコンチェルト グロッソ (大きなコンチェルト) – 付随するグループで、オラトリオ、オペラ (ヘンデル) でも使用されました。

1600 年から 1750 年の期間の O. 音楽家の気質は、上記のすべての傾向を反映していました。 18 世紀の理論家によって与えられた図と彫刻から判断できる限り、O. ミュージシャンの位置は、後に使用された位置とは著しく異なっていました。 オペラハウスでのミュージシャンの宿泊施設、conc。 ホールまたは大聖堂には、個別のソリューションが必要でした。 オペラ オペラの中心は、バンドマスターのシャンバロと、その近くに配置された弦楽器のチェロとコントラバスでした。 バンドマスターの右側には弦がありました。 左側の楽器 – 管楽器 (木管楽器とホルン)、XNUMX 番目の近くに収集され、チェンバロを伴います。 弦もここにありました。 ベース、テオルボ、ファゴットで構成され、XNUMX 番目のチェンバロと共に通奏低音グループを形成します。

18 世紀のオペラ オーケストラのミュージシャンの位置。 (本から: Quantz J., Versuch einer Anweisung, die Flöte traversiere zu spielen, Berlin, p. 134)。

奥行き（右側）には、パイプとティンパニを配置できました。 コンサートの構成では、ソリストはバンドマスターの近くの前景にあり、ソノリティのバランスに貢献しました。 このような座席配置の特異性は、いくつかの空間的に分離された音の複合体を形成する楽器の機能的な組み合わせでした: 2 つの通奏低音グループ、協奏曲のコンチェルティーノ グループ、時にはオペラ、2 つのチェンバロの周りの 2 つの大きな対照的なグループ (弦楽器、木製のもの) . このような構造には、多段階の管理が必要でした。 パフォーマーの一部は、付随するチャンバロに従い、O. 全体として、バンドマスターのチャンバロに従いました。 二重制御の方法も広く使用されています (伝導を参照)。

A. 2階です。 18 – お願いします。 20世紀O.この時期、そのような分解をカバーしています。 ウィーンの古典派、ロマンチシズム、ロマン主義の克服などの文体現象。 トレンド、印象派とは似ても似つかぬものも多く、それぞれ独自のものを持っていました。 ただし、国立学校の進化は、単一の共通プロセスによって特徴付けられます。 これはオークの開発です。 この装置は、同音高調波に基づいて垂直方向にテクスチャを明確に分割することと密接に関連しています。 考え。 それはオークの機能構造に表現されています。 ファブリック（メロディー、ベース、サステインハーモニー、オークペダル、カウンターポイント、フィギュレーションの機能を強調）。 このプロセスの基礎は、ウィーンのミューズの時代に築かれました。 古典。 それの終わりまでに、オークが作成されました。 装置（楽器の構成と内部機能組織の両方の観点から）は、いわば、ロシアのロマン派と作曲家のさらなる発展の出発点になりました。 学校。

成熟の最も重要な兆候は同音倍音です。 オークのトレンド。 音楽的思考 – 第 3 クォーターで萎縮。 18世紀の通奏低音グループ チェンバロとオルガンの付随する機能は、オーク固有の役割の増大と対立するようになりました。 調和。 ますます多くのエイリアン オーク。 同時代の人々はまた、ハープシコードの音色が鳴ることを想像していました。 それにもかかわらず、交響曲という新しいジャンルでは、通奏低音 (chembalo) 機能を実行する鍵盤楽器がまだ非常に一般的です。 J.ハイドンの交響曲。 教会へ。 音楽では、通奏低音機能は 90 年代まで存続しました。 18世紀（モーツァルトのレクイエム、ハイドンのミサ曲）。

ウィーンの古典の作曲家の作品で。 学校は、Oの教会、劇場、部屋構成への分割を最初から再考しています。 19世紀の用語「教会O」。 実際に使われなくなった。 「チャンバー」という言葉は、オークとは対照的に、アンサンブルに適用され始めました。 パフォーマンス。 同時に、オペラのオペラアンサンブルとコンサートアンサンブルの違いが非常に重要になりました。 オペラ O. の構成がすでに 18 世紀である場合。 ツールの完全性と多様性、そして実際のコンクによって区別されます。 作曲は、交響曲とソロ協奏曲自体のジャンルと同様に、初期段階にあり、L. ベートーベンだけで終わりました。

O.の作曲の結晶化は、楽器の更新と並行して進行しました。 2階にあります。 美学の変化による18世紀。 音楽からの理想。 慣習がなくなった。 楽器 – テオルボ、ヴィオール、オーボエ ダモーレ、縦フルート。 Oの音色とテシトゥラ音階を豊かにする新しい楽器が設計されました.80年代のオペラの遍在. 18 世紀には、I. Denner によって設計された (1690 年頃) クラリネットが贈られました。 交響曲へのクラリネットの導入。 O. は最初に終了しました。 19世紀の木造精神の形成。 グループ。 クラリネットのアルト バリエーションであるバセット ホルン (corno di bassetto) は、短期間の繁栄を生き延びました。 低い精神を求めて。 バスの作曲家はコントラファゴット (ハイドンのオラトリオ) に目を向けました。

2階にあります。 18 世紀の作曲家は、利用可能な O の構成に直接依存していました。通常は、初期のクラシックの構成です。 O. 1760-70年代。 オーボエ2本、ホルン2本、ストリングスに減りました。 ヨーロッパでは統一されませんでした。 O. と弦内の楽器の数。 グループ。 アドバンテージO.、クロムには12本以上の弦がありました。 楽器は、大きいと考えられていました。 とはいえ、2階です。 音楽の民主化に関連して18世紀。 人生、O.の安定した組成物の必要性が高まりました。 このとき、新しい定数 O., pl. 後に広く知られるようになったのは、パリのO.「スピリチュアルコンサート」（コンサートスピリチュエル）、ライプツィヒのO.ゲヴァントハウス（1781年）、パリの音楽院のO.オブヴァコンサート（1828年）です。 (表 2 参照)

ロシアでは、Oの作成の最初のステップは後半にのみ行われました。 2世紀 17年、advの作成に関連して。 モスクワへのt-raは外国人に招待されました。 ミュージシャン。 最初に。 1672 世紀のピョートル 18 世はロシアに連隊音楽を導入しました (軍事音楽を参照)。 30代。 ロシア語で18世紀 劇場とコンサートの生活は中庭で発展します。 1731 年、サンクトペテルブルクに最初の法廷が設置されました。 O.、外国人からなる。 ミュージシャン（彼と一緒にロシアの学生がいました）。 オーケストラには、ストリングス、フルート、ファゴット、トロンボーンなしのブラス グループ、ティンパニ、クラビ シャンバロ (合計 40 人まで) が含まれていました。 1735年、イタリア人がサンクトペテルブルクに招待されました。 F.アラヤが率いるオペラ劇団、ロシア人はO. advで演奏しました。 ミュージシャン。 2階にあります。 18世紀の前身。 O.は「最初のOのカメラミュージシャン」の2つのグループに分けられました。 （州によると、1791-47人、伴奏者K.カノッビオ）および「43番目のO.ミュージシャンは同じボールルームです」（43人、伴奏者VAパシュケビッチ）。 最初の O. はほぼ完全に外国人で構成され、XNUMX 番目の O. はロシア人でした。 ミュージシャン。 農奴は広く普及していました。 それらのいくつかは非常に専門的でした。 NPシェレメテフのオーケストラ（オスタンキノとクスコボの地所、XNUMX人のミュージシャン）は大きな名声を得ました。

シンフォで。 L.ベートーベンの作品は、交響曲の「古典的」または「ベートーベン的」構成を最終的に結晶化させました。 A: 弦楽器、木管楽器のペア編成 (フルート 2 本、オーボエ 2 本、クラリネット 2 本、バスーン 2 本)、ホルン 2 本 (3 または 4 本)、トランペット 2 本、ティンパニ 2 本 (2 世紀後半には小楽器に分類された)組成記号 O.)。 第 19 交響曲 (9 年) で、ベートーベンは交響曲の大規模な (現代的な意味での) 構成の基礎を築きました。 A: 弦楽器、木管楽器と追加の楽器 (フルート 1824 本と小さなフルート 2 本、オーボエ 2 本、クラリネット 2 本、ファゴット 2 本とコントラバスーン)、ホルン 4 本、トランペット 2 本、トロンボーン 3 本 (交響曲第 5 番のフィナーレで初めて使用)、ティンパニ、トライアングル、シンバル、バスドラム。 ほぼ同時に。 (1822) F. シューベルトの「未完の交響曲」でも 3 つのトロンボーンが使用されました。 18世紀のオペラオペラで。 ステージの状況に関連して、コンクに含まれていない楽器が含まれていました。 シンボルAの構成：ピッコロ、コントラファゴット。 打楽器群では、ティンパニのほか、リズミックを担当。 バスドラム、シンバル、トライアングル、時にはスネアドラム（Gluckによる「TaurisのIphigenia」、「Theモーツァルト「後宮からの誘拐」）。 部門内 場合によっては、ベル (Glcckenspiel、モーツァルトの魔笛)、タムトム (Gosseca の Mirabeau の死のための葬儀行進曲、1791 年) が表示されます。

19世紀の最初の数十年。 精神の根本的な改善によって特徴付けられます。 誤ったイントネーション、クロマチックの欠如などの欠点を排除した楽器。 金管楽器のスケール。 フルート、そして後に他の木製のスピリット。 楽器にはバルブ機構（T.ベームの発明）が装備され、天然のホーンとパイプにはバルブ機構が装備されていたため、スケールがクロマチックになりました。 30代。 A. サックスはバスクラリネットを改良し、新しい楽器 (サックスホーン、サックス) を設計しました。

O.の開発への新たな推進力は、ロマン主義によって与えられました。 番組音楽、風景、幻想の隆盛とともに。 オペラの要素、オークの検索が前面に出ました。 色とドラマ。 音色の表現力。 同時に、作曲家（KM Weber、P. Mendelssohn、P. Schubert）は当初、オペラのペア構成の枠内にとどまりました（オペラでは、さまざまな種類が関与しています：小さなフルート、イングリッシュホルンなど）。 O. のリソースを経済的に使用することは、MI Glinka に固有のものです。 彼の O. の豊かな彩色は、文字列に基づいて実現されます。 管楽器のグループとペア（追加の楽器を含む）; 彼はホーンとパイプにトロンボーンを取り付けます（3、めったに1）。 G. ベルリオーズは、O. の新しい可能性を利用する決定的な一歩を踏み出しました. 劇的な音のスケールに対する需要の増加を提示して、ベルリオーズは O の構成を大幅に拡大しました. 幻想的な交響曲 (1830) では、彼は弦を増やしました. スコア内の演奏者の数を正確に示します: 少なくとも 15 人の第 15 ヴァイオリンと 10 人の第 11 ヴァイオリン、9 人のヴィオラ、2 人のチェロ、4 つのコントラバス。 このopで。 彼の強調されたプログラム可能性に関連して、作曲家は以前のオペラとコンサートの厳密な区別から離れました。 記号を入力して構成します。 O. とても特徴的な色です。 ツールを英語で計画します。 ホルン、小さなクラリネット、ハープ (2)、ベル。 銅グループのサイズは増加し、3 つのホーン、2 つのトランペット、2 つのトロンボーンに加えて、XNUMX つのコルネット ア ピストンと XNUMX つのオフィクレイド (後にチューバに置き換えられました) が含まれていました。

R. ワーグナーの作品は、O. コロリスティックの歴史の中で画期的なものとなりました。 すでにローエングリンにあるテクスチャの密度を探して努力した結果、オークが増加しました。 トリプルコンポジションまで（通常、フルート3本またはフルート2本と小さなフルート、オーボエ3本またはオーボエ2本とイングリッシュホルン、クラリネット3本またはクラリネット2本とバスクラリネット、ファゴット3本またはファゴット2本とコントラファゴット、ホルン4本、トランペット3本、 3 トロンボーン、バスチューバ、ドラム、ストリングス)。 1840 年代に近代の形成を完了しました。 4 つのホルン、2 ～ 3 のトランペット、3 つのトロンボーン、チューバを含む銅のグループ (ファウスト序曲とオペラ タンホイザーでワーグナーによって最初に導入された)。 「ニーベルングの指環」で、O. はミューズの最も重要なメンバーになりました。 ドラマ。 ライトモチーフの特徴とドラマの探求における音色の主役。 表現とダイナミクス。 音の力により、作曲家は O. に排他的に差別化された音色スケールを導入するようになりました (木製の管楽器とパイプの tessitura の種類を追加することによって)。 したがって、Oの組成はXNUMX倍に増加しました。 ワーグナーは、彼の注文に合わせて設計されたフレンチ ホルン (または「ワーグナー」) チューバのカルテットで銅グループを強化しました (チューバを参照)。 ヴィルトゥオーゾ オーク テクニックに対する作曲家の要求は急激に高まっています。 ミュージシャン。

ワーグナーによって概説された道 (交響曲のジャンルで A. ブルックナーによって部分的に続けられた) は唯一のものではありませんでした。 ロシアの作曲家の中で、I. ブラームス、J. ビゼー、S. フランク、G. ヴェルディの作品で同時に。 学校はオーケストレーションの「クラシック」ラインをさらに発展させ、多くのロマンティックを再考していました. トレンド。 PIチャイコフスキーのオーケストラでは、心理学の探求。 音色の表現力は、オークの非常に経済的な使用と組み合わされました。 資金。 拡張オークを拒否します。 交響曲の装置（ペア構成、しばしば3本のフルートを含む）、作曲家はプログラム作品のみ、後のオペラとバレエでは補数に転向しました。 オークの色。 パレット (例: イングリッシュ ホルン、バス クラリネット、ハープ、くるみ割り人形のチェレスタ)。 NA Rimsky-Korsakov の作品では、他のタスクも素晴らしいものです。 カラーリング、ビジュアルにより、作曲家は（ペアトリプルおよびトリプル構成を超えずに）O. Kサプリメントのメインおよび特徴的な音色の両方を広く使用するようになりました。 小さなクラリネット、フルートとトランペットのアルトが楽器に追加され、装飾機能と装飾機能を備えた打楽器の数が増え、キーボードが導入されました（グリンカの伝統によると、fp.とオルガン）。 ロシア人が採用したNAリムスキー・コルサコフによるオーケストラの解釈。 若い世代の作曲家 (AK Glazunov、AK Lyadov、創作初期の IF Stravinsky) は、オークの分野に影響を与えました。 色と西ヨーロッパの作品について。 作曲家 – O.レスピーギ、M.ラヴェル。

20世紀の音色思考の発展における主要な役割。 C.ドビュッシーのオーケストラが演奏しました。 色への注目が高まるにつれて、テーマの機能が別のものに移されました。 動機またはテクスチャ背景と色彩。 ファブリックの要素、およびフォニックスの理解。 フォームファクターとしてのサイド O。 これらの傾向は、オークの微妙な差別化を決定しました。 請求書。

ワーグナー的傾向のさらなる発展は、19 世紀から 20 世紀の瀬戸際につながりました。 多くの作曲家 (G. マーラー、R. シュトラウス、『ムラーダ』のリムスキー＝コルサコフ、AN スクリャービン、『春の祭典』のストラヴィンスキー) の作品における、いわゆるスーパー オーケストラの編成に、 O. マーラーとスクリャービンの 8 重構成は、彼らの世界観を表現するために壮大なオーケストラ構成に訴えました。 概念。 このトレンドの頂点はパフォーマーでした。 マーラーの第 8 交響曲の構成 (2 ソリスト、XNUMX 混成合唱団、少年合唱団、補強された弦、多数の打楽器と装飾楽器、およびオルガンを備えた大規模な交響曲 O. の XNUMX つの構成)。

19世紀の打楽器は、安定した協会を形成していませんでした。 20 世紀初頭にかけて、打楽器を装飾するグループは著しく拡大しました。 ティンパニに加えて、大太鼓とスネアドラム、タンバリン、シンバル、トライアングル、カスタネット、トムトム、ベル、グロッケンシュピール、シロフォンが含まれていました。 ハープ (1 と 2)、チェレスタ、ピアノフォルテ、およびオルガンは、多くの場合、大きな O. に含まれていました。 と詐欺。 19世紀の新しいオークが形成され続けています. アンサンブル: ニューヨーク・フィルハーモニー管弦楽団 (1842); パリのオーケストラコラム（1873）。 バイロイトのワーグナー音楽祭管弦楽団 (1876); ボストン管弦楽団 (1881); パリのラムルー管弦楽団（1881年）。 サンクトペテルブルクの宮廷管弦楽団 (「宮廷音楽合唱団」) (1882 年、現在は O. レニングラード フィルハーモニー管弦楽団のアカデミック シンフォニー)。

19 世紀の O. では、バロック時代の O. とは対照的に、モノクワイアリズムが優勢です。 しかし、ベルリオーズの音楽では、多合唱団が再び用途を見つけました。 ベルリオーズの「レクイエム」からチューバ ミラムで、大規模な交響曲の拡大セットのために書かれました。 O.、演奏者は交響曲の5つのグループに分けられます。 O. と寺院の隅にある銅製の楽器の 4 つのグループ。 オペラ（モーツァルトのドン・ジョヴァンニから始まる）では、そのような傾向も現れました。 ソロ「舞台裏」または「XNUMX階」（ワーグナー）。 空間の多様性。 演奏者の配置は、G. マーラーのオーケストラで発展を遂げました。

2階のミュージシャンO.の座席配置。 18世紀、さらには19世紀。 部分的に保存されているのは、バロックOの特徴である音色複合体の解体と分離です。しかし、すでに1775年にIF Reichardtは、音色の混合と融合を本質とする座席の新しい原則を提唱しました。 第19ヴァイオリンと第1ヴァイオリンは指揮者の左右に一列に並べられ、ヴィオラは20つのパートに分けられて次の列であるスピリットを構成していました。 ツールはそれらの後ろに深く配置されました。 これに基づいて、オークの場所が後で発生しました。 XNUMX階とXNUMX階に広がったミュージシャン。 XNUMX世紀以降、「ヨーロッパ」の座席配置の名前が付けられました。最初のヴァイオリン – 指揮者の左側、XNUMX番目 – 右側、ビオラとチェロ – その後ろ、木管楽器 – 指揮者の左側、真鍮– 右側 (オペラでは) または XNUMX 行: 最初は木製、その後ろ – 銅 (コンサートでは)、後ろ – ドラム、コントラバス (上の図を参照)。

O. 20世紀。 （第一次世界大戦後、1年から1914年）。

20世紀は新しい形のパフォーマンスを提唱しました。 Oを練習してください。伝統と一緒に。 ラジオとテレビのオペラとスタジオ オペラは、オペラとコンサート コンサートとして登場しました。 ただし、機能的なものに加えて、ラジオとオペラのオペラと交響曲のコンサートの違いは、ミュージシャンの座席配置だけにあります。 交響曲。 世界の大都市の都市はほぼ完全に統一されています。 そして、スコアは Op. 小さいオ、大きな交響曲で演奏することもできます。 O. 20 世紀には、80 ～ 100 人 (場合によってはそれ以上) のミュージシャンのチームが関与します。

20 世紀には、O 組成の進化の 2 つの経路が組み合わされています。 そのうちの1938つは、伝統のさらなる発展に関連しています。 大きなシンボル。 A. 作曲家はペア構成に目を向け続けています (P. Hindemith, "Artist Mathis", 15; DD Shostakovich, Symphony No. 1972, 1925)。 大きな場所はトリプルコンポジションで占められていましたが、追加により拡張されることがよくありました。 楽器 (M. ラヴェル、オペラ「子供と魔法」、1940 年; SV ラフマニノフ、「シンフォニック ダンス」、6 年; SS プロコフィエフ、交響曲第 1947 番、10 年; DD ショスタコーヴィチ、交響曲第 1953 番、2 年; V. ルトスラフスキー、交響曲第 1967 号、1925 年）。 多くの場合、作曲家は 1967 重構成 (A. ベルク、オペラ ヴォツェック、2 年; D. リゲティ、ロンターノ、1967 年; BA チャイコフスキー、交響曲第 XNUMX 番、XNUMX 年) に目を向けます。

同時に、20 世紀初頭の新しいイデオロギーと文体の傾向に関連して、室内楽団が出現しました。 多くの症状で。 と wok.-symp。 作曲は、大きな交響曲の構成の一部のみを使用します。 O. – いわゆる。 Oの非規範的、または個別化された構成。たとえば、ストラヴィンスキーの「詩篇の交響曲」（1930）では、伝統的なものから。 クラリネット、バイオリン、ビオラは大量に没収されます。

20 世紀のパーカッション グループの急速な発展は特徴的であり、to-rye は本格的なオークとしての地位を宣言しました。 協会。 20～30代。 打つ。 楽器は、リズミカルで色彩豊かなだけでなく、テーマにも委ねられ始めました。 機能; それらはテクスチャの重要な構成要素になりました。 この点で、ドラムグループは初めて独立しました。 シンボルの意味. O.、最初は非規範的およびチャンバー構成のO.で。 例としては、ストラヴィンスキーの「兵士の物語」(1918 年)、バルトークの「弦楽、打楽器、チェレスタのための音楽」(1936 年) があります。 パーカッションが優勢な、またはパーカッション専用のコンポジションが登場しました。 ヴァレーズの「イオナイゼーション」（1923 年）は、打楽器（4 人の演奏者）だけのために書かれました。 パーカッショングループは、未定義の楽器が支配的です。 ピッチ、その中には同じタイプの異なる楽器（大きなドラムまたはシンバル、ゴング、ウッドブロックなどのセット）が広まっています. すべての R.、特に 6 階。 1931世紀のヒット。 このグループは、規範的なもの（メシアンによる「トゥランガリラ」、13-2年）とOの非規範的な構成（オルフによる「アンティゴネ」、20年;「色の色」）の両方で、弦楽器と管楽器のグループと同等の位置を占めました。ピアノソロ、1946つのクラリネット、48つのシロフォン、金属打楽器のためのメシアンによるヘブンリーシティ」、1949年;ペンデレツキによるルークパッション、3年）。 部門ではパーカッショングループ自体も増えました。 3年、ストラスブールでスペシャルが開催されました。 パーカッション アンサンブル (1963 の楽器とさまざまなサウンド オブジェクト)。

O.の音色スケールを豊かにしたいという欲求は、エピソードにつながりました。 シンボルに含まれます。 O.電動工具。 1928 年に構築された「マルテノ波」 (A. Honegger、「危機に瀕したジャンヌダルク」、1938 年; O. Messiaen、「Turangalila」)、エレクトロニウム (K. Stockhausen、「Prozession」、1967 年)、イオニクス ( B.ティシチェンコ、交響曲第1番、1961年）。 Oにジャズの作曲を含める試みが行われています.. 60〜70年代. テープ録音は、音の構成要素の1964つとしてOの装置に導入され始めました（EV Denisov、The Sun of the Incas、1964）。 K. Stockhausen (Mixtur, 1) は、O. の構成のこのような拡張を「ライブ エレクトロニクス」と定義しました。 交響曲の音色の更新への渇望とともに。 O. ツールや otd の復活に向かう傾向があります。 O.バロックの原則。 20世紀第20四半期より オーボエ・ダモーレ（C.ドビュッシー「春の踊り」、M.ラヴェル「ボレロ」）、バセットホルン（R.シュトラウス「エレクトラ」）、ヴィオル・ダムール（G.プッチーニ、 「ちお～ちおさん」、SSプロコフィエフ、「ロミオとジュリエット」）。 15世紀の修復に関連して。 ルネッサンスの音楽ツールと 16 ～ 1966 世紀のツールは見過ごされませんでした。 （M.カーゲル、「ルネッサンス楽器のための音楽」、23年; 1976人の演奏者が参加、A.ペルト、「ティンティナブリ」、20年）。 O. 1908世紀。 反射と分散合成の原理を見つけました。 Ch。 アイブスは、劇「答えられなかった質問」（4）で、Oの構成の一部を変更しました。 L. Kupkovich の Ozveny では、スコアによって規定された O. グループ内での構成の自由な選択が提供されています。 Oの立体音響の概念はさらに発展しました。 O. の空間分割における最初の実験は、Ives に属します (「The Question Left Unanswered」、第 70 交響曲)。 3年代。 複数の音源はｄｉｆｆによって実現される。 方法。 オーク全体の分割。 いくつかの「合唱団」または「グループ」（以前とは異なる - 音色ではなく空間的な意味で）ごとのミサ数は、K.シュトックハウゼンによって使用されています（「グループ」は1957 O.、4年、「Kappe」は1960 O.およびコーラス用） 、109）。 O.「グループ」（3人）の構成は、U字型に配置された1967つの同一の複合体（それぞれに独自の指揮者がいます）に分割されています。 聴衆の席は、オーケストラの間に形成された空間にあります。 1966. オペラ The Last Shot (88 年、BA Lavrenyov の物語 The Forty-First に基づく) の Mattus は、オークにある 1970 つの O. を使用しました。 ピット、観客の後ろ、ステージの後ろ。 J. Xenakis は「Terretektor」(2 年) で、大規模な交響楽団の 1972 人のミュージシャンを、指揮者を中心に光線のように配置しました。 聴衆は O. の周りだけでなく、コンソールの間にも立ち、ミュージシャンと混ざり合っています。 「ムービングステレオフォニー」（演奏中に楽器を持ったミュージシャンの動き）は、M.カーゲルの「クラングヴェーア」（XNUMX年）とAGシュニトケの交響曲第XNUMX番（XNUMX年）で使用されています。

表3。

使用時には、O. ミュージシャンの個別の座席配置が使用されます。 op。 非規範的な構成; このような場合、作曲者はスコアに適切な指示を加えます。 1階の単一のモノコリックコンプレックスとしてのO.の通常の使用中。 20 世紀には、前述の「ヨーロッパ式」の座席配置が存在していました。 1945年以来、L.ストコフスキーによって導入されたいわゆる「いわゆる」システムが広く導入され始めました。 アメール。 座席。 指揮者の左側に第1ヴァイオリンと第2ヴァイオリン、右側にチェロとヴィオラ、その後ろにコントラバス、中央に管楽器、弦の後ろにドラム、ピアノ奏者がいます。左。

高音域「アメル」の弦の音に厚みを持たせます。 一部の指揮者の意見では、座席の配置がないわけではなく、否定されています。 側面 (たとえば、互いに離れた場所にあるチェロとコントラバスの機能的な接触を弱める)。 この点で、「ヨーロッパ」のミュージシャンの場所を復元する傾向があります O. 交響曲の作品. O. スタジオの条件（ラジオ、テレビ、録音）では、多くの詳細が提案されています。 座席要件。 この場合、音のバランスは指揮者だけでなく、トーンマスターによっても調整されます。

20 世紀に O. が経験した変化の急進性は、彼がまだ創造性の生きた道具であることを証明しています。 作曲家の意志であり、その規範的な構成と更新された（非規範的な）構成の両方で実りある発展を続けています。

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