基礎学習

音楽理論で最も複雑な概念の XNUMX つは、音楽のポリフォニーです。 ただし、これは最も重要なカテゴリの XNUMX つでもあり、それがなければ、オーケストラ音楽を理解することも、本格的な音楽伴奏で複雑なメロディーの美しいデュエットを歌うことも、単純なトラックを録音してミキシングすることさえも不可能です。 、 ボイスに加えて、ギター、ベース、ドラムのサウンド。

だから始めましょう。

行動計画が明確になったので、さあ始めましょう！

ポリフォニーの概念

「ポリフォニー」という言葉 ラテン語の polyphonia から派生したもので、poly は「多くの」を意味し、phonia は「音」を意味します。 ポリフォニーとは、機能的同等性に基づいて音（声とメロディー）を追加する原理を意味します。

これは、いわゆるポリフォニー、つまり XNUMX つ以上のメロディーやボイスが同時に鳴ることです。 ポリフォニーとは、いくつかの独立した声やメロディーが XNUMX つの音楽に調和的に融合することを意味します。

さらに、同名の「ポリフォニー」の分野は、作曲家の芸術と音楽学の学部と学科の音楽教育機関で教えられています。

ロシア語の外国語ポリフォニアは、ラテン語の代わりにキリル文字で書くことを除いて、大きな変化を遂げていません。 そして、「聞こえるように書かれる」という規則に従っているようです。 ニュアンスは、この用語の聞き方は人によって異なり、ストレスの配置も異なるということです。

そのため、1847年に帝国科学アカデミーが発行した「教会スラヴ語とロシア語の辞書」では、「ポリフォニー」という単語の3番目の「o」と単語の1847番目の「and」を強調するように規定されています。 「ポリフォニック」[辞書、V.XNUMX、XNUMX]。 これがどのように見えるかです この版のページ:

20 世紀半ばから今日に至るまで、ロシア語では、最後の「o」と 2004 番目の文字「i」の XNUMX つの強勢が平和に共存しています。 そのため、「大ソビエト百科事典」では、最後の「o」に重点を置くことが提案されています [V. フラエノフ、XNUMX]。 ここ TSB ページのスクリーンショット:

言語学者セルゲイ・クズネツォフが編纂した解説辞典では、「ポリフォニー」という言葉の中で、2000番目の文字「i」が強調されている[S. クズネツォフ、XNUMX]。 「ポリフォニック」という言葉では、文字「and」が強調されています。 以前の版と同様:

Google 翻訳は後者のオプションをサポートしていることに注意してください。翻訳欄に「ポリフォニー」という単語を入力してスピーカー アイコンをクリックすると、最後の文字「and」のアクセントがはっきりと聞こえます。 スピーカー アイコン 写真の赤丸：

一般に、ポリフォニーとは何か、この単語を正しく発音する方法を理解したので、トピックを掘り下げることができます。

ポリフォニーの起源と発展

ポリフォニーは、音楽におけるかなり複雑な現象であり、さまざまな文化で独自の特徴を持っています。 そのため、東洋の国々では、ポリフォニーは当初、主に楽器の基礎を持っていました。 つまり、多弦楽器、弦楽アンサンブル、歌の弦伴奏が普及していたのです。 西洋諸国では、ポリフォニーはより頻繁にボーカルでした。 アカペラ（伴奏なし）を含む合唱でした。

初期段階でのポリフォニーの発達は、通常「ヘテロフォニー」、つまり不協和音と呼ばれます。 そのため、7 世紀にはコラールの音に XNUMX つ、XNUMX つ、またはそれ以上の声を追加する練習、つまり典礼の歌が採用されました。

中世とルネッサンスの時代に、モテットが広まりました – 多声のボーカル。 それはコラールに加えて、最も純粋な形の声の上部構造ではありませんでした。 コラールの要素が非常に目立ちますが、これはすでにより複雑なボーカル作品でした。 一般に、モテットは、教会歌唱と世俗歌唱の伝統を吸収したハイブリッドな音楽形式になっています。

教会の歌も技術的に進歩しました。 そのため、中世には、いわゆるカトリックのミサが広まりました。 それはソロと合唱の部分の交互に基づいていました。 一般に、15世紀から16世紀のミサ曲とモテットは、ポリフォニーのすべての武器をかなり積極的に使用していました。 ムードは、音の密度の増減、高い声と低い声のさまざまな組み合わせ、個々の声または声のグループの段階的な包含によって作成されました。

もっぱら世俗的な歌の伝統も発展しました。 そのため、16世紀には、マンドリガルなどの歌の形式が人気を博しています。 これは、原則として、愛の叙情的な内容の14声または16声の作品です。 この歌文化の始まりは 17 世紀にさかのぼりますが、当時はあまり発展していませんでした。 XNUMX世紀からXNUMX世紀のマドリガルは、さまざまなリズム、自由な声のリード、変調の使用（作品の終わりに別のキーへの移行）が特徴です。

「richecar」という用語は、「検索」を意味するフランス語の rechercher に由来し (有名な Cherchez la femme を覚えていますか?)、音楽に関連して、さまざまな方法で解釈できます。 当初、この用語はイントネーションの検索を意​​味していましたが、後には動機の検索と開発を意味していました。 リシュカールの最も有名な形式は、クラヴィーアのための作品、器楽または声楽と楽器のアンサンブルのための作品です。

最も古いリチェカーは、1540 年にベネチアで出版された戯曲集の中に発見されました。 4 年に出版された作曲家ジローラモ カヴァッツォーニの作品集には、クラヴィーアのための別の 1543 つの小品が含まれています。

ボーカルポリフォニーのスタイルとメロディーは、すでにその年にテキストと密接に関連していたことに注意してください。 したがって、叙情的なテキストの場合はチャントが特徴的であり、短いフレーズの場合は朗読です。 原則として、ポリフォニーの伝統の発展は、XNUMX つのポリフォニーの傾向に還元することができます。

中世の多声傾向：

前のレッスンでフレットについて学んだので、今何が問題なのか理解できました。 これは、ポリフォニーの伝統の発展に関する最も一般的な情報です。 さまざまな文化におけるポリフォニーの形成の歴史とポリフォニーの傾向に関する詳細は、コース「ポリフォニー」[T. ミュラー、1989]。 そこには中世の音楽の楽譜もあり、興味があれば声楽や楽器のパートを学ぶこともできます。 ちなみに、まだ歌い方がわからないけど学びたいという方は、「声とスピーチの発達」コースを勉強することで、声の習得への第一歩を踏み出すことができます。

ポリフォニーが単一のメロディーにどのように形成されるかをより明確に理解するために、ポリフォニーのテクニックに移りましょう。

ポリフォニックテクニック

どのポリフォニー トレーニング コースでも、対位法のような用語を見つけることができます。 これは、「点と点」を意味するラテン語の punctum contra punctum に由来します。 あるいは、音楽に関して言えば、「ノート対ノート」「メロディー対メロディー」。

これは、「対位法」という用語がいくつかの異なる意味を持っているという事実を変えるものではありません. それでは、ポリフォニーの基本的なテクニックをいくつか見てみましょう。

模造

模倣とは、最初のモノフォニック サウンドに XNUMX 番目の (模倣する) 声がしばらくしてから加わることで、以前に鳴らされたパッセージが同じ音または異なる音で繰り返されます。 概略的には次のようになります 次のようにします。

図で使用されている「反対側」という用語は、多声メロディーの別の声に付随する声であることを明確にしましょう。 ハーモニックな協和音は、追加のリズム、旋律パターンの変更など、さまざまなテクニックを使用して実現されます。

正規の模倣

正統的で、それは連続的な模倣でもあります。これは、以前に鳴らされたパッセージが繰り返されるだけでなく、逆の追加も行われる、より複雑な手法です。 そういうわけです 回路図のように見えます:

図に表示されている「リンク」という用語は、正規の模倣の繰り返し部分を指しています。 上の図では、最初の声の 3 つの要素が見られ、模倣する声によって繰り返されます。 というわけでリンクは3つ。

最終的かつ無限のカノン

有限カノンと無限カノンは、カノニカル・イミテーションの変種です。 無限のカノンには、ある時点で元の素材が戻ることが含まれます。 最終的なカノンは、そのようなリターンを提供していません。 上の図は、最終的なカノンの変形を示しています。 それでは見てみましょう 無限のカノンはどのように見えますか、そして違いを理解してください：

第 1 カテゴリーの無限カノンはリンク数が 2 の模倣を意味し、第 2 カテゴリーの無限カノンはリンク数が 3 以上の模倣であることを明確にしましょう。

簡単なシーケンス

単純なシーケンスとは、ポリフォニック要素を異なるピッチに移動することですが、要素の構成部分間の比率 (間隔) は 変わらない:

したがって、この図では、文字「A」は慣習的に最初の声を示し、文字「B」は模倣する声を示し、数字の 1 と 2 はポリフォニック要素の最初と XNUMX 番目の変位を示します。

複雑な対位法

複雑な対位法は、多くのポリフォニック技法を組み合わせたポリフォニック技法であり、ボイスの比率を変更するか、元のポリフォニーを構成するメロディーに変更を加えることで、元のポリフォニーから新しいメロディーを生成できます。

さまざまな複雑な対位法:

旋律的な声の順列の方向に応じて、垂直、水平、および二重（同時に垂直と水平）の可動対位法が区別されます。

実は難しい対位法は「複雑」としか言いようがありません。 次のイヤー トレーニング レッスンの内容をうまく学習すれば、このポリフォニック テクニックを耳で簡単に認識できるようになります。

これらは、初心者のミュージシャンが理解できる最も単純なポリフォニック テクニックの一部にすぎません。 これらおよびその他のポリフォニック技法については、音楽学者、ロシア作曲家連合のメンバー、ペトロフスキー科学芸術アカデミーの対応メンバーである Valentina Osipova の教科書「Polyphony. ポリフォニック・テクニック」[V. オシポワ、2006]。

ポリフォニーのテクニックのいくつかを学んだ後、ポリフォニーのタイプの分類を理解することがより簡単になります。

ポリフォニーの種類

ポリフォニーには主に 4 つのタイプがあります。 それぞれのタイプは、主に特定のタイプのポリフォニック技法に基づいています。 ほとんどの場合、ポリフォニーの種類の名前はそれ自体を物語っています。

ポリフォニーにはどのような種類がありますか?

各タイプのポリフォニーについて詳しくは、本「Polyphony. ポリフォニック・テクニック」[V. Osipova, 2006] であるため、あなたの裁量に任せます。 私たちは、音楽のミキシングという、すべてのミュージシャンや作曲家にとって重要なトピックに近づいてきました。

音楽ミキシングの基本

「ポリフォニー」の概念は、音楽のミキシングとオーディオ トラックの完成に直接関係しています。 ポリフォニーとは、機能的平等に基づいて音（声とメロディー）を追加する原理を意味することを以前に学びました。 これは、いわゆるポリフォニーです。つまり、XNUMX つ以上のメロディーやボイスが同時に鳴ることです。 ポリフォニーとは、いくつかの独立した声やメロディーが XNUMX つの音楽に調和的に融合することを意味します。

厳密に言えば、音楽のミキシングは同じポリフォニーであり、コンピューター上でのみ行われ、譜表上では行われません。 ミキシングには、少なくとも XNUMX つの音楽ライン (ボーカルと「バッキング トラック」または楽器の伴奏) の相互作用も含まれます。 多くの楽器がある場合、ミキシングは多くのメロディーラインの相互作用の組織に変わり、それぞれが作品全体を通して連続しているか、定期的に現れたり消えたりする可能性があります。

少し前に戻って、ポリフォニック技法の概略図をもう一度見てみると、サウンドを操作するように設計されたほとんどのコンピューター プログラムのインターフェイスと多くの共通点があることがわかります。 ほとんどのポリフォニック テクニックが「XNUMX ボイス – XNUMX トラック」方式に従って表現されるように、サウンド処理プログラムにはメロディー ラインごとに個別のトラックがあります。 これは、XNUMX つのトラックをミキシングする最も単純なバージョンです。 サウンドフォージで:

したがって、たとえば、ボイス、エレキギター、ベースギター、シンセサイザー、ドラムなどをミックスする必要がある場合は、5 つのトラックがあります。 また、スタジオでオーケストラ録音を行う必要がある場合は、楽器ごとに XNUMX つずつ、数十のトラックが既に存在します。

音楽をミキシングするプロセスは、単に記譜法に従っているだけではなく、音楽ラインの開始点と終了点の正確な位置を相互に関連付けているだけではありません。 これは簡単なことではありませんが、XNUMX 分音符、XNUMX 分音符、XNUMX 分音符が録音に多く含まれていると、整数よりもヒットしにくくなります。

もちろん、サウンドプロデューサーは、自宅での録音や逆にコンサート中に行われた録音はもちろんのこと、良いスタジオで録音した場合でも現れる可能性のある無関係な音の混入を聞いて中和する必要があります。 ただし、ライブ録音も非常に高品質になる可能性があります。

例としては、英国のロック バンド Muse によるライブ アルバム HAARP があります。 録音はウェンブリースタジアムで行われました。 その後、1 日の違いで、グループの 2 つのコンサートが行われました: 16 月 17 日と 16 日です。 コンサートレコーディング、17 年 2007 月 XNUMX 日に開催:

いずれにせよ、サウンドエンジニアやサウンドプロデューサーは、よく録音された複雑なポリフォニーでさえ、本格的な完成作品に変えるために一生懸命働かなければなりません. これは本当に創造的なプロセスであり、多くのニュアンスを考慮に入れる必要があります。 しかし、これまで繰り返し見てきたように、音楽はヘルツ、デシベルなどの非常に具体的なカウント可能なカテゴリによって記述されます。トラックの高品質のミキシングには基準もあり、そこでは客観的な技術的概念と主観的な芸術的概念の両方が使用されます。

録音品質の基準

これらの基準は、20世紀後半に存在した国際テレビ・ラジオ放送機構（OIRT）によって策定されたもので、OIRT議定書と呼ばれ、議定書の規定は現在も多くの構造を基礎としているオーディオ録音の品質を評価するため。 この議定書に従って、高品質の録音が満たすべき基準を簡単に考えてみましょう。

OIRT 議定書の規定の概要:

議定書の基準への準拠は、5 段階で評価されます。 OIRT プロトコルは、クラシック、フォーク、ジャズ音楽の評価において最も厳密に準拠しています。 エレクトロニック、ポップ、ロック ミュージックの場合、音質を評価するための単一のプロトコルはなく、OIRT プロトコルの規定は本質的により助言的なものです。 いずれにせよ、高品質の録音を行うには、特定の技術的条件が必要です。 それらについて詳しく説明しましょう。

技術サポート

上記で、高品質の最終結果のためには高品質のソース素材が重要であるという事実についてすでに話し始めました. そのため、ジャズ、クラシック、フォーク ミュージックの高品質の録音には、ステレオ ペアのマイクでの録音がよく使用されます。 実際には、アナログ、デジタル、または仮想ミキシング コンソール (これらもミキサーです) がミキシングに使用されます。 シーケンサーは、トラックの仮想ミキシングに使用されます。

コンピュータの技術的要件は、通常、サウンドを操作するためのコンピュータ プログラムの製造元によって規定されています。 したがって、ソフトウェアの選択を決定する際に、デバイスが要件に準拠しているかどうかを確認できます。 今日まで、オーディオ処理とサウンド ミキシングのための人気のあるプログラムがいくつかあります。

サウンドフォージ

まず、それはすでに上で述べた サウンドフォージ. 基本的な音声処理機能が揃っているので便利で、無料のロシア語版もある [MoiProgrammy.net, 2020]:

英語版を理解する必要がある場合は、詳細な説明があります [B. カイロフ、2018]。

大胆さ

第二に、別の便利で単純なロシア語プログラム 大胆さ [大胆さ、2020]:

無料版に加えて、非常に分かりやすいマニュアルを見つけることができます [Audacity 2.2.2, 2018]。

人間失格 2

第三に、コンピューターゲームや極端なボーカルの開発者に愛されています。 人間失格 2. インターフェースは英語で、明らかにより複雑ですが、理解することができます:

また、ミキシングだけでなく、サウンド デザインの機会にもなります [Krotos, 2020]。

Cubase要素

第四に、プログラムに注意を払う価値があります Cubase要素 [Cubase Elements、2020]。 そこには、標準的な機能セットに加えて、「ゼロから」トラックを作成するか、以前に作成した録音を「思い起こさせる」ことができるコードパネルもあり、以前に学んだポリフォニックテクニックを実際に適用します。

始める前に、プログラムの機能の概要を調べてください [A. オレンチコフ、2017]。

エフェクトマトリックス

そして最後に、これはエフェクトシーケンサーです エフェクトマトリックス. それを扱うには、いくらかの経験が必要ですが、このプログラムに注目する価値はあります。なぜなら、定期的に練習すれば、経験はすぐに身につくからです [Sugar Bytes, 2020]:

詳細については、記事「音楽と音声をミキシングするためのプログラム」を参照してください。ここでは、プロのミュージシャンや DJ 向けのプログラムを含む 2020 のプログラムが検討されています [V. カイロフ、XNUMX]。 それでは、トラックのミキシングの準備について話しましょう。

混合準備と混合工程

準備が整っていればいるほど、ミックスはより速く、より良くなります。 技術サポート、快適な職場、高品質の照明だけではありません。 大脳半球の仕事の特徴だけでなく、いくつかの組織上の問題を考慮に入れることが重要です。 一般的に、注意してください…

混合プロセスの準備方法:

ドラムは低域 (バスドラム) から高域 (シンバル) までの周波数範囲のかなりの部分を占めるため、ミキシングプロセスはドラムから始めます。 その後、他の楽器やボーカルに移ります。 主な楽器をミキシングした後、必要に応じて特殊効果 (エコー、歪み、変調、圧縮など) を追加します。

次に、ステレオ イメージを形成する必要があります。つまり、すべてのサウンドをステレオ フィールドに配置します。 その後、必要に応じてアレンジを調整し、音の深みに取り組みます。 これを行うには、サウンドに遅延とリバーブを追加しますが、多すぎないようにしてください。そうしないと、リスナーの「耳を圧迫」します。

終了したら、音量、EQ、エフェクトの設定を再度確認し、必要に応じて調整します。 スタジオで完成したトラックをテストしてから、さまざまなデバイスでテストします。スマートフォン、タブレットでオーディオ ファイルを実行し、車で聞いてください。 どこでも音が正常に知覚されれば、すべてが正しく行われます。

なじみのない単語がたくさん出くわした場合は、「コンピューター サウンド プロセッシング」という本を読んでください [A. ザグメンノフ、2011]。 古いバージョンのコンピューター プログラムの例について多くのことが考慮されているという事実に当惑しないでください。 それ以来、物理法則は変わっていません。 サウンド ミキシング プログラムでの作業をすでに試したことがある人は、「音楽をミキシングする際の間違い」について読むことをお勧めします。同時に、それらを回避する方法についての推奨事項も記載されています [I. エヴシュコフ、2018]。

ライブの説明の方が理解しやすい場合は、次のことがわかります。 ビデオトレーニング このトピックにおいて：

混合プロセス中は、45 分ごとに短い休憩を取ることをお勧めします。 これは健康だけでなく、聴覚の客観性を回復するのにも役立ちます。 高品質のミキシングには音楽的な耳が非常に重要です。 次のレッスン全体は、音楽に対する耳の開発に専念していますが、今のところ、このレッスンの内容を習得するためのテストに合格することをお勧めします。

授業理解度テスト

このレッスンのトピックに関する知識をテストしたい場合は、いくつかの問題からなる短いテストを受けることができます。 各問題で正解できる選択肢は 1 つだけです。 オプションの XNUMX つを選択すると、システムは自動的に次の質問に進みます。 あなたが受け取るポイントは、あなたの答えの正しさと合格に費やした時間の影響を受けます. 質問は毎回異なり、選択肢がシャッフルされることに注意してください。

そして今、私たちは音楽の耳の発達に目を向けます。