計装|

オーケストラまたは器楽アンサンブルの一部による演奏のための音楽のプレゼンテーション。 オーケストラのための音楽のプレゼンテーションは、オーケストレーションとも呼ばれます。 過去にpl。 著者は「私」という用語を与えました。 そして「オーケストレーション」XNUMX月。 意味。 たとえば、F. Gewart は I. をテクニカルの教義と定義しました。 と表現します。 機会 楽器とオーケストレーション – それらの共同適用の芸術として、そして F. ブゾーニは、オーケストレーションが音楽のオーケストラのためのプレゼンテーションであると考えていました。 k.-lを当てにせずに書かれた作品の。 特定の構成または他の構成の場合。 時間が経つにつれて、これらの用語はほぼ同じになりました。 より普遍的な意味を持つ「I.」という用語は、創造性の本質をより大きく表現しています。 多くの（数人の）演奏者のために音楽を作曲するプロセス。 そのため、多声合唱音楽の分野で、特にさまざまな編曲の場合にますます使用されています。

I. は作品の外部的な「装備」ではなく、その本質の側面の XNUMX つです。具体的な音の外、つまり定義された外の音楽を想像することは不可能だからです。 音色とその組み合わせ。 I. のプロセスは、特定の作品の演奏に参加するすべての楽器と声の部分を統合するスコアを書くことで、その最終的な表現を見つけます。 (作曲者がこの作品のために提供した音楽以外の効果やノイズもスコアに記録されています。)

I. についての最初のアイデアは、ミューズの違いが最初に認識されたときにすでに生じていた可能性があります。 フレーズ、歌われた人間。 声、そして彼女によって、c.-lで演奏されました。 道具。 しかし、多目的全盛期も含めて長きにわたって。 対位法の文字、音色、それらのコントラストとダイナミクス。 チャンスは意味のある方法で音楽に反映されませんでした。 役割。 作曲家は旋律線のおおよそのバランスに自分自身を制限しましたが、楽器の選択はしばしば決定されておらず、ランダムである可能性がありました.

形成要因としての I. の発展の過程をたどることができます。それは、同音異義語の音楽スタイルの承認から始まります。 主旋律を伴奏環境から切り離すには、特別な手段が必要でした。 それらの使用により、音の表現力、緊張感、特異性が向上しました。

ドラマツルギーを理解する上で重要な役割。 オーケストラの楽器の役割は、16 世紀後半から 17 世紀初頭に始まったオペラハウスによって演じられました。 XNUMX世紀 C.モンテヴェルディのオペラでは、初めて、不穏なトレモロと弓の弦のアラートピチカートが見つかりました。 KV Gluck、そして後にWAモーツァルトは、トロンボーンを使って手ごわい恐ろしい状況をうまく表現しました（「Orpheus and Eurydice」、「Don Juan」）。 モーツァルトは、当時原始的な小さなフルートの素朴な音をうまく利用して、パパゲーノを特徴づけました（「魔笛」）。 オペラの作曲では、作曲家は秘跡に訴えました。 クローズドな金管楽器の音と、ヨーロッパに伝わった打楽器の響きを融合させました。 いわゆるからのオーケストラ。 「イェニチェリ音楽」。 しかし、I.の分野での検索は平均のままでした。 （楽器の選択と改善、および音楽作品の印刷されたプロパガンダの緊急の必要性の影響により）交響曲になるプロセスが完了するまで、最も無秩序ではありませんでした。 弦、木、金管、打楽器の XNUMX つの楽器グループ (不均等ではありますが) からなるオーケストラ。 オーケストラの構成の典型は、ミューズの以前の開発の全過程によって準備されました。 文化。

最初は17世紀でした。 – 弦楽グループは安定しており、直前に形成されたバイオリンファミリーのさまざまな弦楽器で構成されています: バイオリン、ビオラ、チェロ、およびそれらを倍増させたコントラバス。

古代のフルート、オーボエ、ファゴットもこの時までに大幅に改善されていたため、チューニングと機動性の点で、アンサンブル演奏の要件を満たし始め、すぐに（全体的な範囲が比較的限られていましたが）2番目のバンドを形成できるようになりました。オーケストラのグループ。 Serにいるとき。 18世紀にはクラリネットも参加し（そのデザインは他の木製管楽器のデザインよりも少し遅れて改良されました）、その後、このグループは弦楽器とほぼ同じくらいモノリシックになり、均一性ではそれに屈服しましたが、さまざまな点でそれを上回りました音色の。

同等のオークになるには、はるかに長い時間がかかりました。 銅の精霊グループ。 ツール。 JS バッハの時代、小さな室内楽型のオーケストラには、主に使用されるナチュラル トランペットが含まれることがよくありました。 そのスケールがダイアトニックを抽出することを可能にした高音域で。 2番目のシーケンス。 この旋律の代わりに、18 階のパイプ (いわゆる「クラリーノ」スタイル) を使用します。 XNUMX世紀には、銅の新しい解釈が登場しました. 作曲家は、ハーモニカ用に自然のパイプやホーンにますます頼るようになりました。 充填オーク。 アクセントを強調し、デコンプを強調します。 リズム式。 機会が限られているため、金管楽器は、DOS のために音楽が作曲された場合にのみ、同等のグループとして機能しました。 自然に。 ミリタリー ファンファーレ、ハンティング ホーン、郵便ホーン、および特別な目的のためのその他の信号楽器に特徴的な音階 - オーケストラ ブラス グループの創設者。

最後に、ヒットします。 17 ～ 18 世紀のオーケストラの楽器。 ほとんどの場合、それらはトニックとドミナントに調整されたXNUMXつのティンパニで表され、通常は金管グループと組み合わせて使用​​されました。

18の終わりに – 早い。 19世紀は「古典」を形成しました。 オーケストラ。 その構成を確立する上で最も重要な役割はJ.ハイドンに属していますが、L.ベートーベンで完全に完成した形を取りました（これに関連して「ベートーベン」と呼ばれることもあります）。 8-10 の第一ヴァイオリン、4-6 の第二ヴァイオリン、2-4 のヴィオラ、3-4 のチェロ、2-3 のコントラバスが含まれていました (ベートーベン以前は、主に 1 オクターブのチェロで演奏していました)。 この弦の構成は、フルート 2 ～ 2 本、オーボエ 2 本、クラリネット 2 本、ファゴット 2 本、ホルン 3 本 (異なるチューニングのホルンが必要な場合は 4 本または 2 本の場合もあります)、トランペット 2 本、ティンパニ XNUMX 本に対応していました。 そのようなオーケストラは、ミューズの使用において大きな名人芸を達成した作曲家のアイデアを実現するための十分な機会を提供しました. ツール、特に銅のデザインはまだ非常に原始的でした。 このように、J. ハイドン、WA モーツァルト、そして特に L. ベートーベンの作品では、彼らの現代的な楽器の限界を巧みに克服した例がしばしばあり、当時の交響楽団を拡張し、改善したいという願望は常にあります。推測した。

交響曲第 3 番で、ベートーベンは、偉大な完成度を備えた英雄的原則を具体化すると同時に、天然のホルンの性質に理想的に対応するテーマを作成しました。

彼の交響曲第 5 番のゆっくりとした楽章では、ホルンとトランペットに勝利の叫び声が託されています。

この交響曲のフィナーレの歓喜のテーマには、トロンボーンの参加も必要でした。

交響曲第 9 番の最後の国歌のテーマに取り組んだとき、ベートーベンは間違いなく自然な金管楽器で演奏できるように努めました。

同じ交響曲のスケルツォでのティンパニの使用は、間違いなくビートに劇的に反対する意図を証明しています。 楽器 – オーケストラの残りの部分のティンパニ:

ベートーベンの生前でさえ、真鍮製スピリッツのデザインに真の革命がありました。 バルブ機構の発明に関連するツール。

作曲家は、自然の限られた可能性に縛られることはなくなりました。 金管楽器に加えて、より広い範囲の調性を安全に処理する機会を得ました。 しかし、新しい「半音階」のパイプとホーンは、すぐに広く認知されることはありませんでした。最初は、自然な音よりも音が悪く、システムに必要な純度が得られないことがよくありました。 その後、何人かの作曲家 (R. ワーグナー、I. ブラームス、NA リムスキー コルサコフ) は、ホルンやトランペットを自然としての解釈に戻すことがありました。 バルブを使用せずに演奏するように指示します。 一般に、バルブ楽器の登場により、ミューズがさらに発展する可能性が広がりました。 可能な限り短い時間で、銅のグループが弦と木材に完全に追いつき、最も複雑な音楽を独自に提示する機会を得たので、創造性。

重要な出来事はバス チューバの発明でした。これは、ブラス グループだけでなく、オーケストラ全体にとって信頼できる基盤となりました。

銅グループによる独立の獲得により、最終的にホーンの場所が決定され、それ以前は（状況に応じて）銅製または木製のホーンが隣接していました。 金管楽器として、ホルンは通常、トランペット (ティンパニによってサポートされることもある) と一緒に、つまり正確にグループとして演奏されました。

他の場合では、それらは木製の楽器、特にファゴットと完全に融合し、ハーモニカペダルを形成しました（古代のスコアでは、後にR.ワーグナー、G.スポンティーニ、時にはG.ベルリオーズと一緒に、ホルンのラインがあったのは偶然ではありません。ファゴットの上に置く、すなわち、木製の間）。 この二重性の痕跡は今日でも見られます。ホルンはスコア内でテッシトゥーラの順序ではなく、いわば木製楽器と金管楽器の間の「リンク」として位置を占める唯一の楽器であるためです。

他の多くの現代の作曲家（SSプロコフィエフ、DDショスタコーヴィチなど）。 楽譜はトランペットとトロンボーンの間のホーンパートを収録。 しかし、テシトゥーラに従ってホルンを録音する方法は、トロンボーンとパイプをスコア内で隣り合わせに配置し、しばしば「重い」(「硬い」) 銅の代表として一緒に機能するため、普及しませんでした。

木の精霊のグループ。 デザインが改善され続けた楽器は、品種のために集中的に充実し始めました：小さなフルートとアルトフルート、英語。 ホルン、スモールクラリネット、バスクラリネット、コントラファゴット。 2階にあります。 19世紀 徐々に、カラフルな木製のグループが形になり、そのボリュームは弦に劣るだけでなく、それを上回りました。

打楽器の数も増えています。 3 ～ 4 人のティンパニに、大小のドラム、シンバル、トライアングル、タンバリンが参加します。 ますます、ベル、シロフォン、fp.、後にチェレスタがオーケストラに登場します。 新しい色は、19 世紀の初めに発明され、後に S. エラーによって改良された XNUMX ペダル ハープによって導入され、ダブル チューニング機構を備えていました。

次に、ストリングは、隣接するグループの成長に無関心ではありません。 正しい音響プロポーションを維持するために、これらの楽器の演奏者の数を、第 14 ヴァイオリン 16 ～ 12 人、第 14 ヴァイオリン 10 ～ 12 人、ビオラ 8 ～ 12 人、チェロ 6 ～ 8 人、コントラバス XNUMX ～ XNUMX 人に増やす必要がありました。これにより、分解の幅広い使用の可能性が生まれました。 分割。

19世紀の古典的なオーケストラをベースに、ミューズたちのアイデアによって徐々に発展していきます。 ロマン主義（したがって、新しい色と明るいコントラスト、特性、プログラムシンフォニックおよび演劇音楽の検索）G.ベルリオーズとR.ワグナー、KMウェーバーとG.ヴェルディ、PIチャイコフスキーとNAリムスキーコルサコフのオーケストラ。

2階で完全造形。 19 世紀、ほぼ XNUMX 年間何の変化もなく存在し、それは (小さな変化はあるものの) 今でも芸術を満足させています。 絵のような美しさ、カラフルさ、ミューズに引き寄せられるように、さまざまな方向性と個性の作曲家のニーズ。 サウンドライティング、そして音楽イメージの心理的な深みを追求する人々。

オーケストラの安定化と並行して、新しいオーク技術の集中的な調査が行われました。 作曲、オーケストラの楽器の新しい解釈。 古典的な音響理論。 大きな交響曲に関連して定式化されたバランス。 NA Rimsky-Korsakov によるオーケストラは、XNUMX つのトランペット (またはトロンボーン、またはチューバ) が最も表現力豊かに演奏するという事実から始まりました。 レジスター、音の強さの点で、それはXNUMXつのホーンに等しく、それぞれがXNUMXつの木製のスピリットに等しい. 楽器または弦のサブグループのユニゾン。

PI チャイコフスキー。 交響曲第 6 楽章、第 XNUMX 楽章。フルートとクラリネットは、ディヴィージのヴィオラとチェロによって以前に演奏された文章を繰り返します。

同時に、レジスタの強度の違いとダイナミクスに対して特定の修正が行われました。 オーク内の比率を変更できる色合い。 生地。 クラシック I. の重要なテクニックは、ホモフォニック音楽の特徴であるハーモニックまたはメロディック (カウンター パンクチュエーション) ペダルでした。

主に音響平衡に準拠しており、I.は普遍的ではありませんでした。 彼女は厳密なプロポーション、思考の落ち着きの要件を十分に満たしていましたが、強い表現を伝えるにはあまり適していませんでした。 これらの場合、I.の方法、osn。 音色とダイナミクスの絶え間ない変化で、いくつかの声を他の声と比較して強力に倍増（XNUMX倍、XNUMX倍）します。

このような技法は、19 世紀後半から 20 世紀初頭の多くの作曲家の作品の特徴です。 (たとえば、AN スクリャービン)。

「純粋な」（ソロ）音色の使用に加えて、作曲家は特殊効果を達成し始め、異なる色を大胆に混合し、2、3、またはそれ以上のオクターブで声を倍増させ、複雑な混合を使用しました。

PI チャイコフスキー。 交響曲第 6 番、第 XNUMX 楽章。金管楽器の叫び声は、弦楽器と木製楽器のユニゾンによって毎回答えられます。

結局のところ、純粋な音色自体には追加がたくさんありました。 ドラマツルギー。 機会、例えば。 木製楽器の高音域と低音域の比較、ミュート デコンプの使用。 真鍮の割り当て、弦の高低音位置の使用など。以前はリズムを叩いたり、ハーモニーを埋めたり着色したりするためだけに使用されていた楽器が、主題主義のキャリアとしてますます使用されています。

拡張を求めて表現します。 と描写します。 機会が 20 世紀のオーケストラを形成しました。 – G. マーラーと R. シュトラウス、C. ドビュッシーと M. ラヴェル、IF ストラヴィンスキーと V. ブリテン、SS プロコフィエフと DD ショスタコーヴィチのオーケストラ。 これらのさまざまな創造的な方向性と個性、およびオーケストラの作曲の他の多くの優れたマスターとともに。 I., osn. 発達した聴覚的想像力、楽器の本質に対する真の感覚、およびそれらの技術に関する優れた知識に基づいています。 機会。

意味。 ライトティンバーに割り当てられた 20 世紀の音楽では、各楽器はいわば、演奏される楽器のキャラクターになります。 パフォーマンス。 したがって、ワーグナーによって発明されたライトモティーフのシステムは、新しい形をとっています。 したがって、新しい音色の集中的な検索。 弦楽器奏者はますますハーモニクスでスル ポンティチェロ、コル レーニョを演奏します。 管楽器はフルラート技法を使用します。 ハープの演奏は、ハーモニクスの複雑な組み合わせによって豊かになり、手のひらで弦を叩きます。 珍しい効​​果を実現できる新しい楽器のデザインが登場します (例: ペダル ティンパニのグリッサンド)。 まったく新しい楽器が発明されています（特にパーカッション）。 そして電子。 最後はシンフで。 オーケストラは、他の作曲の楽器（サックス、撥弦楽器）をますます導入しています。

使い慣れたツールを使用するための新しい要件は、現代の前衛運動の代表者によって提示されています。 音楽。 彼らのスコアはビートに支配されています。 特定のピッチを持つ楽器（シロフォン、ベル、ビブラフォン、異なるピッチのドラム、ティンパニ、管状のベル）、およびチェレスタ、fp。 そして各種電動工具。 弓でさえ楽器を意味します。 これらの作曲家が弾いたり打ったりするために最も使用されていません。 楽器のデッキで弓を叩くまでのサウンド制作。 ハープの共鳴板の爪のスナップや、木製の共鳴板のバルブのタッピングなどの効果も一般的になりつつあります。 ますます、楽器の最も極端で強烈なレジスターが使用されます。 また、前衛芸術家の創造性は、オーケストラの初演を解釈したいという欲求によって特徴付けられます。 ソリストの集まりとして。 主にグループ楽器の数の減少により、オーケストラ自体の構成が減少する傾向があります。

NA リムスキー＝コルサコフ。 「シェヘラザード」。 パート II。 二重音符と XNUMX 部構成と XNUMX 部構成の和音を使用して非分割で演奏するストリングスは、非常に充実した旋律ハーモニーを展開します。 管楽器によってわずかにサポートされているだけです。

20世紀には多くの作品が書かれていますが。 交響曲の特別な（変種の）構成用。 弦楽オーケストラの前のように、典型的なものはありませんでした。多くの作品が作成され、広く人気を博しました (たとえば、PI チャイコフスキーの「弦楽オーケストラのためのセレナーデ」)。

オークの開発。 音楽は、創造性とその物質的基盤の相互依存性を明確に示しています。 知らせ。 木の精霊の複雑な力学の設計の進歩。 ツールまたは最も正確に校正された銅ツールの製造分野、および他の多くのツール。 楽器のその他の改良は、最終的にはイデオロギー芸術の緊急の要求の結果でした。 注文。 次に、芸術の物質的な基盤の改善は、作曲家や演奏家に新しい地平を切り開き、創造性を目覚めさせました。 ファンタジーであり、音楽芸術のさらなる発展のための前提条件を作成しました。

作曲家がオーケストラ作品に取り組んでいる場合、それはオーケストラのために直接書かれています（または書かれるべきです）。 この場合、最初はスケッチの形で数行に記録されます。これは将来のスコアのプロトタイプです。 スケッチに含まれるオーケストラ テクスチャの詳細が少ないほど、通常の XNUMX 行の FP に近づきます。 プレゼンテーションでは、スコアを書く過程で実際の I. に多くの作業を行う必要があります。

M.ラヴェル。 "ボレロ"。 計装だけで巨大な成長が達成されます。 ほとんど聞こえない伴奏者の背景に対するソロのフルートから、木管楽器のユニゾン、そして風によって倍増された弦の混合物を通して…

本質的には、fp. 自分自身または別の作家の戯曲には、創造性が必要です。 アプローチ。 この場合の作品は、常に将来のオーケストラ作品のプロトタイプにすぎません。なぜなら、楽器奏者は常にテクスチャを変更する必要があり、多くの場合、レジスターの変更、声の倍増、ペダルの追加、図形の再構成、アコースティック フィルの追加を余儀なくされるからです。 . 空隙、タイトなコードをワイドに変換するなど。ネットワーク。 fpを転送します。 オーケストラへのプレゼンテーション（音楽の練習で遭遇することもあります）は、通常、芸術的に満足のいくものではありません。 そのような I. は音質が悪く、好ましくない印象を与えます。

最も重要な芸術。 インスツルメンタのタスクは、decomp を適用することです。 音色の特徴と緊張感に応じて、オークのドラマツルギーを最も力強く表現します。 音楽; 主な技術 同時に、タスクは、声をよく聞き、XNUMX 番目と XNUMX 番目 (XNUMX 番目) のプレーンの比率を正しくすることです。これにより、オークのレリーフと奥行きが確保されます。 音。

たとえば、fp。 プレイが発生する可能性があり、数が補完します。 特に開放弦の明るい音や金管楽器の華麗なバルブレス音を使用する必要がある場合は、元のキーと必ずしも一致するとは限りません。 ミューズの譲渡のすべてのケースの問題を正しく解決することも非常に重要です。 フレーズをオリジナルと比較して他のレジスターに変換し、最後に、一般的な開発計画に基づいて、インストルメント化されたプロダクションの XNUMX つまたは別のセクションをいくつの「レイヤー」に記載する必要があるかをマークします。

おそらくいくつか。 I.ほぼすべての製品のソリューション。 （もちろん、それが特にオーケストラとして考えられておらず、スコアスケッチの形で書き留められていない場合）. これらの決定のそれぞれは、独自の方法で芸術的に正当化できます。 ただし、これらはすでにある程度異なるオークになります。 セクション間の色、緊張、コントラストの程度が互いに異なる製品。 これは、私が作品の本質から切り離すことのできない創造的なプロセスであることを裏付けています。

Modern I. の主張には、正確な言い回しの指示が必要です。 意味のあるフレージングとは、指定されたテンポに従うことや、ダイナミクスの一般的な指定に従うことだけではありません。 そしてアゴジック。 順序だけでなく、各楽器の特定の演奏方法の使用も含まれます。 だから、弦で演奏するとき。 楽器では、弓を上下に動かしたり、先端や基部で滑らかにまたは急激に動かしたり、弦をきつく押したり、弓をバウンドさせたり、弓ごとに XNUMX つの音符を弾いたり、複数の音符を弾いたりすることができます。

スピリットパフォーマー。 ツールは diff を使用できます。 空気のジェットを吹く方法 - 努力から。 表現力豊かなフレージングのためにそれらを使用して、幅広いメロディアスなレガートに二重および三重の「言語」を使用します。 同じことが他の現代楽器にも当てはまります。 オーケストラ。 楽器奏者は、演奏者の注意を最大限に完全に引き出すことができるように、これらすべての微妙な点を完全に知っている必要があります。 したがって、現代のスコア（一般に受け入れられている演奏技法のストックが非常に限られており、当然のことと考えられていた当時のスコアとは対照的に）は通常、文字どおり多くの最も正確な指示が点在しています。音楽は特徴がなくなり、生き生きとした震える息を失います。

ドラマツルギーにおける音色の使用のよく知られた例。 と描写します。 目的は次のとおりです。ドビュッシーの前奏曲「牧神の午後」でのフルート演奏。 オペラ「エウゲニ・オネーギン」（羊飼いの戯曲）の第2場面の終わりにオーボエとファゴットの演奏。 R. シュトラウスの詩「ティル・ウレンシュピーゲル」の全音域にわたるホルンのフレーズと小さなクラリネットの叫び。 オペラ「スペードの女王」（伯爵夫人の寝室で）の第5シーンでのバスクラリネットの暗い音。 デズデモナの死のシーンの前のコントラバスのソロ (G. ヴェルディによるオテロ)。 フルラート精神。 交響曲で雄羊の鳴き声を描いた楽器。 R.シュトラウスの詩「ドン・キホーテ」。 スル・ポンティチェロ弦。 ペイプシ湖での戦いの始まりを描いた楽器 (プロコフィエフによるアレクサンダー・ネフスキー・カンタータ)。

また、ベルリオーズの交響曲「イタリアのハロルド」のヴィオラ独奏、シュトラウスの「ドン・キホーテ」のチェロ独奏、交響曲のヴァイオリン・カデンツァも注目に値する。 リムスキー＝コルサコフの組曲「シェヘラザード」。 これらは擬人化されています。 ライトティンバーは、すべての違いにもかかわらず、重要なプログラムのドラマツルギーを実行します。 機能。

交響曲の劇を作成するときに開発された I. の原則。 オーケストラ、主に他の多くのオークに有効です。 最終的に交響曲のイメージと類似性で作成される構成。 常に XNUMX つまたは XNUMX つの同種の楽器のグループが含まれます。 その精神は偶然ではありません。 オーケストラ、およびXNUMX月。 ナル。 ナット。 オーケストラは、交響曲のために書かれた作品の編曲を行うことがよくあります。 オーケストラ。 このような取り決めは、取り決めのタイプの XNUMX つです。 原則 I. to. – l. 存在なしで動作します。 変更は、オーケストラのある構成から別の構成に転送されます。 広く普及したXNUMX月。 小規模なアンサンブルが大規模なオーケストラのために書かれた作品を演奏できるようにするオーケストラ ライブラリ。

特別な場所は著者のI.、まず第一に、fiによって占められています。 エッセイ。 一部の製品には、orc の形で XNUMX つの同等のバージョンが存在します。 スコアとfpで。 プレゼンテーション（F.リストによるいくつかのラプソディ、E.グリーグによる音楽から「ペールギュント」までの組曲、AKリャドフ、I.ブラームス、C.ドビュッシーによる別の演劇、IFストラヴィンスキーによる「ペトルーシュカ」からの組曲、バレエ組曲「ロミオ」そしてジュリエット」SSプロコフィエフなど）。 よく知られている FP に基づいて作成されたスコアの中で。 ムソルグスキー＝ラヴェルの展覧会の絵は際立っており、fp と同じくらい頻繁に演奏されています。 プロトタイプ。 I.の分野で最も重要な作品の中には、ムソルグスキーのオペラ『ボリス・ゴドゥノフ』と『ホヴァンシチナ』、NAリムスキー＝コルサコフが上演したダルゴミシュスキーの『石の客』、オペラ『ボリス・ゴドゥノフ』と『ホヴァンシチナ』の新しい『I.』がある。 DDショスタコーヴィチが演奏するムソルグスキー。

交響楽団のための I. に関する広範な文献があり、交響曲の豊かな経験を要約しています。 財団へ。 作品にベルリオーズの「現代楽器とオーケストレーションに関する大論考」、リムスキー＝コルサコフの「自作のスコアサンプルによるオーケストレーションの基礎」などがある。 これらの作品の著者は、ミュージシャンの緊急のニーズに徹底的に対応し、最も重要な重要性を失っていない本を作成することに成功した、優れた実用的な作曲家でした。 多くの版がこれを証明しています。 40年代に書かれたベルリオーズの論文。 19 世紀、R. Strauss によって Orc に従って改訂および補足されました。 練習開始。 20世紀

音楽でうーん。 機関は、通常XNUMXつのメインコースからなる特別コースI.を受けます。 セクション: 計測器と実際に I. それらの最初 (導入) は、計測器、それらの構造、プロパティ、それらのそれぞれの開発の歴史を紹介します。 I. コースは、楽器の組み合わせ、I. による緊張の上昇と下降、プライベート (グループ) とオーケストラのトゥッティの書き方のルールに専念しています。 芸術の方法を検討するとき、人は最終的に芸術のアイデアから進みます。 作成された (オーケストレーションされた) 製品全体。

技術I.は実践の過程で習得されます。 授業中、学生は教師の指導の下、オーケストラのために初演を書き起こします。 fp。 作品、オーケストラの歴史を知る。 スタイルを設定し、スコアの最良の例を分析します。 さらに、指揮者、作曲家、音楽学者は、スコアを読む練習をし、通常はピアノでスコアを再生します。 しかし、初心者の楽器奏者にとってのベスト プラクティスは、オーケストラで自分の作品を聴き、リハーサル中に経験豊富なミュージシャンからアドバイスを受けることです。

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