ヴィトルト・ルトスワフスキ | 写真

ヴィトルト・ルトスワフスキ

ヴィトルト・ルトスワフスキは長く波乱に富んだ創造的な生活を送っていました。 高齢になるまで、彼は自分自身に対する最高の要求と、以前の発見を繰り返すことなく、執筆スタイルを更新および変更する能力を保持していました。 作曲家の死後も、彼の音楽は活発に演奏され、録音され続けており、カロル シマノフスキとクシシュトフ ペンデレツキに敬意を表して、ショパンに次ぐポーランドの国民的名曲であるルトスワフスキの名声が確固たるものとなりました。 ルトスワフスキの居住地は生涯の終わりまでワルシャワにとどまりましたが、彼はショパン以上のコスモポリタンであり、世界市民でした。

1930 年代、ルトスワフスキはワルシャワ音楽院で学び、そこで彼の作曲の教師は、NA リムスキー コルサコフの生徒であるヴィトルト マリシェフスキー (1873–1939) でした。 第二次世界大戦は、ルトスワフスキの成功したピアニストおよび作曲家としてのキャリアを中断させました。 ポーランドがナチスに占領されていた時代、彼は公的な活動をワルシャワのカフェでピアノを弾くことに限定せざるを得ず、時には別の有名な作曲家アンジェイ・パヌフニク (1914-1991) とのデュエットで演奏することもありました。 この形式の音楽制作は、ルトスワフスキーの遺産だけでなく、全世界のピアノデュエット文学で最も人気のある作品の24つになった作品にその外観を負っています–パガニーニの主題による変奏曲（テーマこれらの変奏曲は、「パガニーニをテーマにした」さまざまな作曲家の他の多くの作品と同様に、パガニーニのソロ ヴァイオリンのための有名な第 XNUMX カプリスの始まりでした）。 XNUMX年後、ルトスワフスキはピアノと管弦楽のための変奏曲を編曲しました。このバージョンも広く知られています。

第二次世界大戦の終結後、東ヨーロッパはスターリン主義のソ連の保護下に置かれ、鉄のカーテンの後ろにいることに気付いた作曲家にとって、ワールドミュージックの主要なトレンドから孤立した期間が始まりました. ルトスラフスキーと彼の同僚にとって最も過激な基準点は、ベラ・バルトークの作品におけるフォークロアの方向性と戦間期のフランスの新古典主義であり、その最大の代表者はアルバート・ルーセル（ルトスラフスキーは常にこの作曲家を高く評価していた）と七重奏曲の間の時期のイーゴリ・ストラヴィンスキーであった。ハ長調の管楽器と交響曲のための. 社会主義リアリズムのドグマに従う必要性によって引き起こされた自由の欠如の状況でさえ、作曲家は多くの新鮮で独創的な作品を作成することができました（室内オーケストラのための小組曲、1950年; ソプラノとオーケストラのためのシレジアのトリプティクからフォークワードまで） 、1951年;ブコリキ）ピアノ、1952年）。 ルトスワフスキの初期のスタイルの頂点は、交響曲第 1947 番 (1954 年) と管弦楽のための協奏曲 (1948 年) です。 交響曲がルーセルとストラヴィンスキーの新古典主義に傾倒している場合 (XNUMX 年に「形式主義者」として非難され、ポーランドでの演奏が数年間禁止された)、民族音楽との関連性が協奏曲で明確に表現されている。バルトークのスタイルを鮮やかに連想させる民俗調のイントネーションが、ここでは見事にポーランドの素材に適用されています。 両方のスコアは、ルトスワフスキのその後の作品で開発された特徴を示していました: 巧みなオーケストレーション、豊富なコントラスト、対称的で規則的な構造の欠如 (フレーズの長さが等しくない、ギザギザのリズム)、物語モデルに従って大きなフォームを構築する原則比較的中立的な説明、魅力的な展開の紆余曲折、緊張の高まり、壮観な結末。

1950 年代半ばの雪解けは、東ヨーロッパの作曲家が現代の西洋の技法を試す機会を提供しました。 ルトスラフスキーは、彼の同僚の多くと同様に、1958 音法に一時的に魅了されました。新しいウィーンのアイデアに対する彼の関心の成果は、弦楽オーケストラのためのバルトークの葬送音楽 (1957) でした。 女性の声とピアノのための「カジメラ・イラコヴィチの詩によるXNUMXつの歌」（XNUMX年; XNUMX年後、著者は室内オーケストラとの女性の声のためにこのサイクルを改訂しました）は、より控えめですが、より独創的でもあります. 曲の音楽は、XNUMX 音和音が広く使用されていることで注目に値します。その色は、整数の垂直を形成する間隔の比率によって決まります。 この種の和音は、XNUMX音連続の文脈ではなく、それぞれが独自の独自の音質を備えた独立した構造単位として使用され、作曲家のその後のすべての作品で重要な役割を果たします。

ルトスワフスキの進化の新しい段階は、1950 年代と 1960 年代の変わり目に、室内オーケストラのためのベネチアン ゲームで始まりました (この比較的小規模な 1961 部構成の作品は、XNUMX 年のベネチア ビエンナーレから依頼されました)。 ここで、ルトスラフスキーは、さまざまな楽器のパートが完全に同期されていない、オーケストラのテクスチャを構築する新しい方法を最初にテストしました。 指揮者は作品の一部のセクションの演奏に参加しません。彼はセクションの開始の瞬間を示すだけで、その後、各ミュージシャンは指揮者の次のサインまで自由なリズムで自分の役割を果たします。 全体としての構成の形式に影響を与えないこのようなさまざまなアンサンブルの偶然性は、「偶然性の対位法」と呼ばれることもあります (ラテン語の alea – 「さいころ、くじ」に由来する偶然性) は、一般に「構成」と呼ばれることを思い出してください。実行された作品の形や質感が多かれ少なかれ予測不可能な方法）。 ベネチアン・ゲームから始まるルトスワフスキのスコアのほとんどでは、厳密なリズム（バトゥータ、つまり「[指揮者の]杖の下」）で演奏されたエピソードは、偶然の対位法のエピソード（自由に-「自由に」）と交互に行われます。 同時に、随意の断片はしばしば静的で慣性に関連付けられており、しびれ、破壊、または混沌のイメージを生み出し、バットゥータを切断し、積極的に進歩的な発展を遂げています。

一般的な作曲の概念によれば、ルトスワフスキーの作品は非常に多様であるが（一連のスコアにおいて、彼は新しい問題を解決しようとした）、彼の成熟した作品の支配的な位置は、弦楽四重奏で最初にテストされた1964部構成の構成スキームによって占められていた. (1967): 最初の断片的な部分は、ボリュームが小さく、意図的な動きで飽和した 1968 番目の部分への詳細な紹介を提供し、そのクライマックスは作品の終了直前に達します。 弦楽四重奏団のパートは、その劇的な機能に応じて、「導入楽章」（「導入パート」。英語）および「主楽章」（「メインパート」。英語）と呼ばれます。 より大きな規模では、同じスキームが交響曲第1970番（1983年）に実装され、最初の楽章は「He'sitant」（「躊躇している」–フランス語）、第40楽章は「直接」（「まっすぐ」–フランス語）と題されています）。 「オーケストラのための本」（1972年、この「本」は、短い間奏で区切られたXNUMXつの小さな「チャプター」と、波乱に満ちた大きな最終「チャプター」で構成されています）、チェロ協奏曲は、チェロ協奏曲の修正または複雑なバージョンに基づいています同じスキーム。 オーケストラ (XNUMX 年)、第 XNUMX 交響曲 (XNUMX 年) と共演。 ルトスワフスキの最も長く続いている作品 (約 XNUMX 分)、XNUMX の独奏弦のための前奏曲とフーガ (XNUMX 年) では、導入セクションの機能は、さまざまなキャラクターの XNUMX つの前奏曲の連鎖によって実行されます。エネルギッシュに繰り広げられるフーガ。 無尽蔵の創意工夫によって変化したXNUMX部構成のスキームは、さまざまな紆余曲折に満ちたルトスワフスキのインストゥルメンタル「ドラマ」の一種のマトリックスになりました。 作曲家の成熟した作品には、「ポーランド性」の明確な兆候や、新ロマン主義やその他の「新スタイル」への礼儀は見られません。 彼は、他の人の音楽を直接引用することは言うまでもなく、文体の暗示に頼ることは決してありません。 ある意味で、ルトスワフスキは孤立した人物です。 おそらくこれが、XNUMX世紀のクラシックであり、原則的なコスモポリタンとしての彼の地位を決定するものです。彼は、リスナーにとって友好的であるが、伝統やその他の新しい音楽の流れと非常に間接的に結びついた、独自の完全にオリジナルの世界を作成しました。

ルトスラフスキーの成熟したハーモニー言語は非常に個性的で、12 音複合体と建設的な音程とそれらから分離された子音によるフィリグリー作品に基づいています。 チェロ協奏曲から始まり、ルトスワフスキの音楽における拡張された表現力豊かな旋律線の役割が増加し、グロテスクとユーモアの後半の要素がその中で強化されます (オーケストラのためのノヴェレット、1979; オーボエ、ハープ、室内オーケストラのための二重協奏曲のフィナーレ、 1980; ソプラノとオーケストラのためのソング サイクル「Songflowers and song tales」、1990 年）。 ルトスワフスキのハーモニーと旋律の書き方は、古典的な音調の関係を排除しているが、音調の集中化の要素を許容している。 ルトスワフスキの後期の主要な作品のいくつかは、ロマン派の器楽のジャンル モデルに関連付けられています。 このように、作曲家のすべてのオーケストラ スコアの中で最も野心的で、ドラマに満ち、コントラストに富んだ交響曲第 1988 番では、記念碑的な一楽章の単主題構成の原則が最初に実装され、ピアノ協奏曲 (1 年) は、 「グランド・スタイル」の華麗なロマンティック・ピアニズム。 総題「チェインズ」の14作品も後期に属する。 「Chain-1983」（3 楽器用、1986 年）と「Chain-2」（オーケストラ用、1985 年）では、テクスチャー、音色、メロディックハーモニックが異なる短いセクションの「リンク」（部分的なオーバーレイ）の原則特徴、重要な役割を果たします（サイクル「プレリュードとフーガ」のプレリュードは、同様の方法で互いに関連しています）。 形式的にそれほど珍しいものではないのは Chain-XNUMX (XNUMX) で、基本的に XNUMX 楽章のヴァイオリン協奏曲 (導入と、伝統的な高速-低速-高速のパターンに従って XNUMX つの楽章が交互に行われる) であり、ルトスワフスキーがお気に入りの XNUMX 部構成を放棄したまれなケースです。図式。

作曲家の成熟した作品の特別なラインは、大きな声楽作品で表されています。異なる指揮者が指揮する合唱団とオーケストラのための「アンリ・ミショーによる1963つの詩」（4年）、テノールと室内オーケストラのための1965部構成の「織りの言葉」（1975年） ）、バリトンとオーケストラのための「眠りの空間」（XNUMX年）、およびすでに言及されたXNUMX部構成のサイクル「ソングフラワーとソングテイルズ」。 それらはすべてフランスのシュルレアリスムの詩に基づいています（「織りの言葉」のテキストの著者はジャン=フランソワ・シャブリンであり、最後のXNUMXつの作品はロベール・デスノスの言葉に書かれています）。 若い頃からのルトスワフスキは、フランス語とフランス文化に特別な共感を抱いており、彼の芸術的世界観は、シュルレアリスムの特徴である意味の曖昧さととらえどころのないものに近いものでした。

ルトスラフスキーの音楽は、妙技の要素が明確に表現されたコンサートの輝きで注目に値します。 優れたアーティストが喜んで作曲家と協力したことは驚くべきことではありません。 彼の作品の最初の解釈者の中には、ピーター・ピアース（Woven Words）、ラサール四重奏団（弦楽四重奏団）、ムスティスラフ・ロストロポーヴィチ（チェロ協奏曲）、ハインツとウルスラ・ホリガー（室内管弦楽団とのオーボエとハープのための二重協奏曲）、ディートリッヒ・フィッシャー＝ディースカウ（ゲオルク・ショルティ（交響曲第1984番）、ピンカス・ズッカーマン（ヴァイオリンとピアノのためのパルティータ、2年）、アンネ=ゾフィー・ムッター（ヴァイオリンとオーケストラのための「Chain-XNUMX」）、クリスチャン・ツィメルマン（ピアノとオーケストラのための協奏曲）私たちの緯度ではあまり知られていませんが、絶対に素晴らしいノルウェーの歌手Solveig Kringelborn（「Songflowers and Songtales」）です。 ルトスワフスキ自身、並外れた指揮者の才能を持っていた。 彼のジェスチャーは非常に表現力豊かで機能的でしたが、正確さのために芸術性を犠牲にすることはありませんでした。 指揮のレパートリーを自分の作曲に限定したルトスラフスキーは、さまざまな国のオーケストラと共演し、録音しました。

ルトスワフスキの豊かで絶え間なく成長しているディスコグラフィーは、いまだにオリジナルの録音に支配されています。 それらの最も代表的なものは、最近フィリップスと EMI によってリリースされたダブル アルバムに集められています。 私の意見では、最初の作品（「The Essential Lutoslawski」—Philips Duo 464 043）の価値は、主に二重協奏曲と、それぞれホリガー夫妻とディートリヒ・フィッシャー＝ディースカウの参加による「眠りの空間」によって決定されます。 ; ここに登場するベルリン・フィルハーモニー管弦楽団との交響曲第 573833 番の著者による解釈は、奇妙なことに、期待に応えていません (英国放送協会交響楽団との著者のより成功した録音は、私の知る限り、CD に転送されませんでした。 ）。 セカンドアルバム「Lutoslawski」（EMI Double Forte 2-1970）は、1995年代半ば以前に制作された適切なオーケストラ作品のみを収録しており、より均一なクオリティになっています。 これらの録音に携わったカトヴィツェの優れたポーランド国立放送管弦楽団は、後に作曲家の死後、彼のオーケストラ作品のほぼ完全なコレクションの録音に参加し、2001年からディスクでリリースされました。ナクソス社（66280年67189月まで、1枚のディスクがリリースされた）。 このコレクションはすべての称賛に値します。 オーケストラの芸術監督であるアントニ・ウィットは、明確でダイナミックな方法で指揮を行い、コンサートや声楽作品でソロパートを演奏する楽器奏者や歌手（主にポーランド人）は、より著名な前任者に劣るとしても、非常に少数です。 別の主要な会社であるソニーは、XNUMX 枚のディスク (SK XNUMX と SK XNUMX) で、交響曲第 XNUMX 番、第 XNUMX 番、第 XNUMX 番 (私の意見では、あまり成功していません)、およびピアノ協奏曲、眠りの空間、歌花、歌物語をリリースしました。 この録音では、ロサンゼルス・フィルハーモニー管弦楽団は、エサ・ペッカ・サロネン (作曲家自身、一般的に高尚な形容詞を好まず、この指揮者を「驚異的」と呼んでいますXNUMX) によって指揮され、ソリストはポール・クロスリー (ピアノ)、ジョン・シャーリーです。・Quirk(バリトン)、Don Upshaw(ソプラノ)

有名な会社の CD に録音された著者の解釈に戻ると、チェロ協奏曲 (EMI 7 49304-2)、ピアノ協奏曲 (ドイツ グラモフォン 431 664-2)、ヴァイオリン協奏曲の見事な録音に言及せずにはいられません。 Chain-2」 (Deutsche Grammophon 445 576-2) は、これら XNUMX つの作品が捧げられた巨匠たち、つまりそれぞれムスティスラフ ロストロポーヴィチ、クリスチャン ツィマーマン、アンネ ソフィー ムッターの参加を得て演奏されました。 ルトスワフスキーの作品にまだ慣れていない、またはあまりよく知らないファンには、まずこれらの録音に目を向けることをお勧めします。 XNUMXつの協奏曲すべての音楽言語の現代性にもかかわらず、それらは簡単に、そして特別な熱意を持って聴かれます。 ルトスラフスキーは、ジャンル名の「コンサート」をその本来の意味、つまりソリストとオーケストラの間の一種の競争として解釈し、ソリストがスポーツ（あらゆる可能な意味の中で最も高貴な意味で）であることを示唆しています。言葉）勇気。 言うまでもなく、ロストロポーヴィチ、ツィメルマン、ムッターは真のチャンピオン レベルの腕前を示しており、ルトスラフスキーの音楽が最初は彼にとって奇妙で異質に見えたとしても、それ自体が公平なリスナーを喜ばせるはずです。 しかし、多くの現代の作曲家とは異なり、ルトスラフスキーは常に、彼の音楽を聴いている人が見知らぬ人のように感じないように努めました。 モスクワの音楽学者II Nikolskayaとの彼の最も興味深い会話のコレクションから次の言葉を引用する価値があります。 しかし、私はできるだけ多くのリスナーとサポーターを獲得するという目標を設定していません。 私は征服したくはありませんが、私のリスナーを見つけて、私と同じように感じている人を見つけたいと思っています. この目標はどのように達成できますか? 私は、最大限の芸術的正直さ、あらゆるレベルでの表現の誠実さによってのみ、技術的な詳細から最も秘密の親密な深みに至るまでだと思います...したがって、芸術的創造性は人間の魂の「キャッチャー」の機能も果たし、治療法になることができます最もつらい病気の XNUMX つである、孤独感です。

レヴォン・ハコピヤン