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演劇音楽 — ドラマでの演奏のための音楽。 舞台に参加する他のタイプの芸術家と統合された劇場。 ドラマの具現化。 音楽は劇作家が提供することができ、原則として、プロットによって動機付けられ、日常のジャンル（合図、ファンファーレ、歌、行進、踊り）を超えません。 ミューズ。 監督と作曲家の要請でパフォーマンスに導入されたエピソードは、通常、より一般化された性格を持ち、直接的な筋書きの動機を持たない場合があります. T.m. 現役の劇作家です。 意味論的および形成的に重要な要素。 彼女は感情的な雰囲気を作り出し、DOS を強調することができます。 劇のアイデア（たとえば、ゲーテのドラマ「エグモント」の音楽におけるベートーベンの勝利の交響曲、プーシキンのモーツァルトとサリエリのモーツァルトのレクイエムの音楽）、アクションの時間と場所を指定し、キャラクターを特徴付け、影響を与えるパフォーマンスのテンポとリズム、メインを際立たせます。 集大成、スルーイントネーションの助けを借りてパフォーマンスに統一感を与える。 開発と基調講演。 プレイライト機能によって、音楽は舞台で起こっていること (子音の音楽的背景) と調和することも、対照的なこともできます。 ステージの範囲から取り出された音楽を際立たせます。 アクション（序曲、幕間、ヘッドピース）、およびイントラステージ。 音楽は、パフォーマンスのために特別に書かれたものでも、既知の曲の断片で構成されたものでもかまいません。 数のスケールは異なります – フラグメントから複数まで。 サイクルまたはotd。 音の複合体（いわゆるアクセント）から大きな交響曲まで。 エピソード。 T.m. 劇と演出のドラマツルギーと複雑な関係に入ります。作曲家は、自分の意図を、劇のジャンル、劇作家のスタイル、アクションが行われる時代、監督の意図と一致させなければなりません。

Tの歴史。 m. 宗教から継承された最も古いタイプの演劇にまでさかのぼります。 彼らの合成の儀式的な行動。 文字。 古代と古代の東。 演劇 言葉、音楽、ダンスが対等に。 他のギリシャ語では. ジサイラムから生まれた悲劇、ミューズ。 ベースは聖歌隊でした。 楽器を伴うユニゾン歌唱：入ります。 合唱団の歌（パロド）、中央。 歌（スタシマ）、締めくくります。 合唱団 (eksod)、ダンスを伴う合唱団 (emmeley)、歌詞。 対話 - 俳優と合唱団 (kommos) の不満。 インドの古典。 劇場の前にはミュージカルドラマがありました。 ベッドシアターの種類. パフォーマンス: リラ (音楽舞踊劇)、カタカリ (パントマイム)、ヤクシャガナ (ダンス、会話、朗読、歌の組み合わせ) など。 後にインド。 劇場は音楽とダンスを続けてきました。 自然。 クジラ劇場の歴史の中で、主役はまた、混合演劇のミューズに属しています。 表現; 音楽と演劇の統合は、主要な劇場の XNUMX つで独特の方法で行われます。 中世のジャンル – zaju。 ザジュでは、アクションは各行為で複数のキャラクターを演じたXNUMX人のキャラクターに集中していました. 特定の状況に合わせて正規化された特別な曲へのアリア。 この種のアリアは、一般化、感情の集中の瞬間です。 電圧。 日本では、古いタイプの演劇から。 特に舞楽（8世紀）の表現が目立ちます – predv. 雅楽による演奏（日本の音楽を参照）。 能（14世紀から15世紀）、浄瑠璃（16世紀から）、歌舞伎（17世紀から）においても音楽が重要な役割を果たしています。 特定の声でテキストの発音を引き延ばすような宣言的な旋律に基づいて構築された劇はありません。 スタンプ。 合唱団はアクションについてコメントし、対話を行い、ナレーションを行い、ダンスに同行します。 導入部は流浪の歌（みゆき）で、クライマックスで瞑想の舞（幽玄）が行われます。 浄瑠璃で – 古い日本語。 人形劇 – ナレーターの精神で、歌手兼ナレーターがパントマイムにチャントを伴います。 三味線の伴奏によるナレーションによる叙事詩。 歌舞伎座では、テキストも唱えられ、上演にはナルオーケストラが伴います。 ツール。 歌舞伎では演技に直結する音楽を「出形」と呼び、舞台で演奏します。 効果音（げんざおんがく） 自然の音や現象を象徴的に表現します（バチのビートは雨の音や水しぶきを伝え、特定のノックは雪が降ったことを示し、特別な板への打撃は雪の出現を意味します月など）、そしてミュージシャン–パフォーマーは竹の棒のスクリーンの後ろに配置されます。 芝居の始めと終わりに大太鼓（式楽）が鳴り、幕の上げ下げの際に「気」板が奏でられ、「セリエ」の瞬間に特別な音楽が奏でられる―情景ステージに上げられます。 歌舞伎では音楽が重要な役割を果たします。 パントマイム（だんまり）と踊りの伴奏。

中世に。 ザップ。 ヨーロッパ、劇場はどこですか。 古代の遺産は忘却に委ねられました、教授。 ドラマが展開。 到着教会の訴訟に沿って。 9世紀から13世紀。 カトリック教会では、聖職者が祭壇の前で演奏しました。 典礼劇; 14世紀から15世紀にかけて。 典礼のドラマは、国立の寺院の外で行われた会話のあるミステリーに発展しました。 言語。 世俗的な環境では、降臨中に音楽が鳴り響きました。 お祭り、仮面舞踏会、ナル。 表現。 教授から。 世俗的な中世のための音楽。 パフォーマンスはアダム・デ・ラ・ハレの「ロビンとマリオンのゲーム」を保存しており、その中で小さな歌の数（ヴィルレ、バラード、ロンド）が交互になっている. 対話、インストゥルメントで踊る。 護衛。

ルネッサンス、西ヨーロッパ。 芸術は古代の伝統に変わりました。 シアター; 悲劇、喜劇、牧歌が新しい土壌で栄えました。 通常、彼らは壮大なミューズで上演されました。 寓意的な間奏曲。 そして神話。 中華鍋で構成されるコンテンツ。 マドリガル様式の数と踊り（チンティオの戯曲「オルベッキ」、A. デッラ ヴィオラの音楽、1541 年、ドルチェの「トロヤンキ」、C. メルロの音楽、1566 年、ジュスティニアーニの「オイディプス」、A. ガブリエリの音楽、1585 年） ; C.モンテヴェルディの音楽によるタッソの「アミンタ」、1628年）。 この期間中、出現中に音楽（レチタティーヴォ、アリア、ダンス）が頻繁に鳴り響きました。 仮面舞踏会、お祝いの行進（たとえば、イタリアのカンティ、トリオンフィ）。 多角形に基づく16世紀。 マドリガルスタイルは特別な合成を生み出しました。 ジャンル – マドリガル コメディ。

英語は、T の歴史の中で最も重要な段階の XNUMX つになりました。 m. 劇場 16世紀 Wのおかげで. シェイクスピアと同時代の劇作家 F. ボーモントと J. フレッチャー - 英語で。 エリザベス朝時代の劇場は、いわゆる安定した伝統を発展させました。 付随音楽 – 小さなプラグイン ミューズ。 ドラマに有機的に組み込まれた数字。 シェイクスピアの戯曲には、歌、バラード、ダンス、行列、あいさつファンファーレ、合図などのパフォーマンスを規定する著者の発言がたくさんあります。 彼の悲劇の多くの音楽とエピソードは、最も重要なドラマツルギーを演じています。 機能 (オフィーリアとデスデモナの歌、ハムレットの葬送行進曲、コリオレイナス、ヘンリー XNUMX 世、ロミオとジュリエットのキャピュレットの舞踏会で踊る)。 この時期の作品は、ミュージカルの舞台公演が多いのが特徴です。 ステージに応じた特別な楽器の選択を含む効果。 シチュエーション：プロローグとエピローグでは、高位の人が出てきたとき、天使、幽霊、その他の超自然的な存在が現れたときにファンファーレが鳴りました. 力 – トランペット、戦いの場面 – 太鼓、羊飼いの場面 – オーボエ、恋愛の場面 – フルート、狩猟の場面 – ホルン、葬列 – トロンボーン、歌詞。 歌にはリュートが伴いました。 「Globe」t-reでは、著者が提供した音楽に加えて、紹介、休憩があり、多くの場合、テキストは音楽の背景に対して発音されました（メロドラマ）。 著者の生前にシェイクスピアの公演で演奏された音楽は保存されていません。 英語のエッセイだけで知られています。 維新期（2世紀後半）の作家。 現時点では、英雄が劇場を支配していました。 ドラマと仮面。 ヒロイックのジャンルでのパフォーマンス。 ドラマは音楽でいっぱいでした。 口頭のテキストは、実際にはミューズをまとめただけでした。 材料。 イギリス発祥のマスクインコン。 17 世紀の改革の間に、それは公共の劇場に移され、目を見張るような多様性を維持しました。 16 世紀には仮面の精神に則り、多くが作り直されました。 シェイクスピアの戯曲（J. バニスターとM. ロック、「真夏の夜の夢」と「テンペスト」に基づく「妖精の女王」、G. パーセル）。 英語で際立った現象。 T. m. 今回はGさんの作品です。 パーセル。 彼の作品のほとんどはTの分野に属しています. しかし、ミューズの独立性のために、それらの多くはそうではありませんでした。 ドラマツルギーと最高の音楽がオペラに近づいています（The Prophetes、The Fairy Queen、Tempest、およびその他の作品はセミオペラと呼ばれます）。 その後、英国の土壌で新しい合成物が形成されました。 ジャンルはバラードオペラ。 その作成者 J. ゲイとJ. ペプシュは、ナールの歌を交えた会話シーンの交代で、彼らの「乞食のオペラ」(17) のドラマツルギーを構築しました。 精神。 英語に。 ドラマもGさん描き下ろし。 F.

スペインでは、nat の開発の初期段階です。 古典劇は、rappresentationes (神聖なパフォーマンス)、eclogues (羊飼いの牧歌) および茶番劇 (演劇とミューズが混在) のジャンルに関連付けられています。 製品。 歌の演奏、詩の朗読、踊り、その伝統はザルスエラで続けられました。 スペイン最大のアーティストの活動は、これらのジャンルの作品に関連しています。 詩人とコンプ。 X. デル エンシナ (1468-1529)。 2階にあります。 16世紀から17世紀にかけて、ロペ・デ・ベガとP.カルデロンのドラマで、合唱団とバレエの転換が行われました。

フランスでは、レチタティーヴォ、合唱団、管弦楽団。 J. ラシーンと P. コルネイユの古典主義悲劇のエピソードは、M. シャルパンティエ、JB モローなどによって書かれました。 JBモリエールとJBリュリの共同作品で、コメディとバレエの混合ジャンル（「思わず結婚」、「エリスの王女」、「ミスター・ドゥ・プルソニャック」、「ジョルジュ・ダンダン」など）を生み出しました。 ここでは、会話の対話がレチタティーヴォ、アリア、ダンスと交互に行われます。 フランスの伝統の出口（entrées）。 アドバンテージバレエ（バレエ・ド・クール）1階。 17世紀

フランスで18世紀に最初の製品が登場しました。 メロドラマのジャンル – 叙情詩。 1770年にO.コイネの音楽で上演されたルソーの舞台「ピグマリオン」。 それに続いて、ヴェンダのメロドラマ アリアドネ アウフ ナクソス (1774) とピグマリオン (1779)、ネフェのソフォニスバ (1782)、モーツァルトのセミラミデ (1778; 保存されていない)、フォミンのオルフェウス (1791)、聴覚障害者と物乞い (1802) ) とホルクロフトの謎 (1807)。

2階まで。 18世紀の劇場音楽。 多くの場合、公演はドラマの内容と最も一般的な関係しか持たず、ある公演から別の公演に自由に移すことができました. ドイツの作曲家で理論家の I. Scheibe は「Critischer Musicus」(1737-40) で、G. Lessing は「Hamburg Dramaturgy」(1767-69) で舞台の新しい要件を提唱しました。 音楽。 「最初の交響曲は劇全体に関連付けられる必要があり、前のアクションの終わりと次のアクションの開始に休憩が含まれる…、最後の交響曲は劇のフィナーレに含まれる…の性格を覚えておく必要があります。主人公と劇の主なアイデアであり、音楽を作曲するときにそれらに導かれます」（I. Sheibe）。 「私たちの戯曲のオーケストラは古代の聖歌隊に取って代わるものであるため、愛好家は長い間、音楽の性質を…戯曲の内容とより一致させたいという願望を表明してきました。各戯曲には、それ自体に特別な伴奏が必要です」（G . レッシング）。 T.m. ウィーンの古典に属するものを含む新しい要件の精神ですぐに登場しました– WAモーツァルト（ゲブラーによるドラマ「エジプトの王タモス」、1779年）およびJ.ハイドン（演劇「アルフレッド、またはキング - 愛国者」Bicknell、1796); しかし、ゲーテのエグモント (1810) に合わせた L. ベートーベンの音楽は、劇の重要な瞬間の内容を一般的に伝えるタイプの劇場である劇場のさらなる運命に最大の影響を与えました。 大規模で完全な形式の交響曲の重要性が増しています。 エピソード（序曲、幕間、フィナーレ）は、パフォーマンスから分離して最後に実行できます。 ステージ（「エグモント」の音楽には、ゲーテの「クレルヘンの歌」、メロドラマ「クレルヘンの死」、「エグモントの夢」も含まれます）。

T.m. 19世紀。 ベートーベンによって概説された方向で開発されましたが、ロマン主義の美学の条件で開発されました。 商品の中は1階。 F. シューベルトによる 19 世紀の音楽から、G. フォン シェジー (1823) による「ロザムンド」、C. ウェーバーによる、F. シラーによる翻訳によるゴッツィによる「トゥーランドット」 (1809 年) およびヴォルフによる「プレツィオーザ」 (1821 年)、F による. メンデルスゾーンからヒューゴーの「ブラス王」、シェイクスピアの「真夏の夜の夢」（1843）、ラシーンの「コロンのオイディプス」と「アタリア」（1845）、R.シューマンから「マンフレッド」バイロン（1848-51） . ゲーテの『ファウスト』では、音楽に特別な役割が割り当てられています。 著者は多数の中華なべを処方します。 とインストルメント。 部屋 - 聖歌隊、歌、踊り、行進、大聖堂のシーンの音楽、ワルプルギスの夜、軍事。 戦闘シーンの音楽。 ほとんどの手段。 ゲーテのファウストに関連するアイデアである音楽作品は、G.ベルリオーズに属しています（「ファウストからの1829つのシーン」、19年、後にオラトリオ「ファウストの非難」に変換されました）。 ジャンルドメスティックなナットの鮮やかな例。 T.m. 1874世紀。 – グリーグの「Peer Gynt」（G. イプセンの戯曲、75-1872 年）およびビゼーの「Arlesian」（A. ドーデの戯曲、XNUMX 年）。

19世紀から20世紀の変わり目。 T.mへのアプローチで。 新しい傾向が概説されました。 この時代の優れた監督 (KS スタニスラフスキー、VE マイヤーホールド、G. クレイグ、O. ファルケンベルグなど) はコンクの音楽を放棄しました。 タイプ、要求された特別な音の色、型にはまらない楽器、有機的なミューズが含まれています。 ドラマのエピソード。 この時代の演出家劇場は、新しいタイプの劇場を生み出しました。 ドラマの詳細だけでなく、この作品の特徴も考慮して、作曲家。 20 世紀には 2 つの傾向が相互作用し、音楽をドラマに近づけます。 それらの最初のものは、ドラマにおける音楽の役割の強化によって特徴付けられます。 パフォーマンス（K.オルフ、B.ブレヒト、ミュージカルの多数の作家の実験）、XNUMX番目はミューズの演劇化に関連しています。 ジャンル（オルフの舞台カンタータ、ストラヴィンスキーの結婚式、A.オネガーの演劇オラトリオなど）。 音楽とドラマを組み合わせた新しい形の探求は、多くの場合、特別なシンセシスの作成につながります。 演劇と音楽のジャンル（ストラヴィンスキーの「兵士の物語」は「読み、演じ、踊るおとぎ話」、彼の「オイディプス王」は朗読付きのオペラ・オラトリオ、オルフの「クレバー・ガール」は大規模な会話シーンのあるオペラ)、および古い形式の合成の復活に。 シアター: アンティーク。 悲劇（オルフの「アンティゴネ」と「オイディプス」、古代ギリシア劇場でのテキストの発音方法を科学的に復元しようとする試み）、マドリガル喜劇（ストラヴィンスキーの「物語」、オルフの一部「カトゥッリ カルミナ」）、中期世紀。 ミステリー（オルフの「キリストの復活」、オネガーの「危機に瀕したジャンヌ・ダルク」）、典礼。 ドラマ（例え話「洞窟の行動」、「放蕩息子」、ブリテンの「カーリュー川」の一部）。 メロドラマのジャンルは、バレエ、パントマイム、合唱とソロの歌唱、旋律宣言（エマニュエルのサラメナ、ルーセルの世界の誕生、オネガーのアンフィオンとセミラミデ、ストラヴィンスキーのペルセフォン）を組み合わせて発展し続けています。

20世紀の著名なミュージシャンの多くは、T.m.のジャンルで集中的に活動しています。フランスでは、これらは共同作品です。 「1921人」のメンバー（スケッチ「エッフェル塔の新婚夫婦」、XNUMX年、テキストJ.コクトーの著者によると、「古代の悲劇と現代のコンサートレビュー、合唱団、音楽ホールの番号の組み合わせ」）、他の集団公演（たとえば、J. Ibert、D. Millau、D. Lazarus、J. Auric、A. Roussel の音楽による「The Queen Margot」Bourdet）と劇場。 製品。 Honegger（C. Larondeによる「Dance of Death」、聖書のドラマ「Judith」と「King David」、Sophoclesによる「Antigone」などの音楽）; ドイツの劇場。 オルフの音楽 (上記の作品、風刺コメディ The Sly Ones に加えて、テキストはリズミカルで、打楽器のアンサンブルを伴う; シェイクスピアによる合成劇 A Midsummer Night's Dream)、および劇場での音楽B.ブレヒト著。 ミューズ。 ブレヒトのパフォーマンスのデザインは、ステージで起こっていることの現実の幻想を破壊するように設計された「疎外」の効果を生み出す主な手段のXNUMXつです。 ブレヒトの計画によれば、音楽は非常に陳腐で軽いジャンルの歌曲で構成されるべきである – ゾン、バラード、聖歌隊などに文字が挿入され、口頭のテキストが作者の考えを集中的に表現している。 著名なドイツの協力者がブレヒトと協力しました。 ミュージシャン — P. Hindemith (An Instructive Play)、C. Weil (The Threepenny Opera、Mahagonny Opera sketch)、X. Eisler (Mother、Roundheads and Sharpheads、Galileo Galilei、Dreams Simone Machar」など)、P. Dessau (「勇気の母とその子供たち」、「セズアンのいい男」など）。

T. mの他の著者の中で。 19 – 1 階。 20 世紀 – J. シベリウス (ポールの「キリスト教徒の王」、メーテルリンクの「ペレアスとメリザンド」、シェイクスピアの「テンペスト」)、K. ドビュッシー (ミステリー G. ダヌンツィオ「聖セバスチャンの殉教」) R. シュトラウス (G. フォン ホフマンスタールによる自由な舞台適応におけるモリエールの戯曲「貴族の商人」の音楽)。 50年代～70年代。 20世紀 O.メシアンは劇場に転向（1942年、マルトノの波のためのドラマ「オイディプス」の音楽）、E.カーター（ソポクレスの悲劇「フィロクテテス」、シェイクスピアの「ベニスの商人」の音楽）、 V. ルトスラフスキー (「マクベス」と「ウィンザーのメリーワイフ」シェークスピア、「シド」コルネイユ - S. ウィスピアンスキー、「ブラッディ ウェディング」と「ワンダフル シューメーカー」F. ガルシア ロルカなど)、電子およびコンクリートの著者A. Coge（「冬と人のいない声」J. Tardieu）、A. Thirier（「Scheherazade」）、F. Arthuis（「J. Vautierと戦う人格の周りのノイズ」）などの音楽。

ロシア語 T.m. 長い歴史があります。 古代では、道化師が演奏する会話シーンには、ハープ、ドムラ、ホルンを演奏する「悪魔の歌」が伴いました。 ナルで。 道化のパフォーマンスから生まれたドラマ（「アタマン」、「マヴルフ」、「皇帝マクシミリアンの喜劇」など）はロシア語に聞こえました。 歌とインストゥルメント音楽。 教会で発展した正統派音楽のジャンル。 典礼行為 - 「足を洗う」、「ストーブの行為」など（15世紀）。 17〜18世紀。 いわゆる豊富な音楽デザインが違いました。 教会でのアリア、合唱団による学校の演劇（劇作家 - S. Polotsky、F. Prokopovich、D. Rostovsky）。 スタイル、世俗的なパイピング、嘆き、インストゥルメント。 数字。 喜劇チョロミナ (1672 年設立) には、バイオリン、ビオラ、フルート、クラリネット、トランペット、およびオルガンを備えた大規模なオーケストラがありました。 ピョートル大帝の時代から、お祝いが広まりました。 ドラマの交代に基づく演劇（プロローグ、カンタータ）。 シーン、対話、アリアのある独白、合唱団、バレエ。 主要なロシア人 (OA Kozlovsky、VA Pashkevich) とイタリアの作曲家がその設計に関与しました。 ロシアでは 19 世紀まで、オペラと演劇の区別はありませんでした。 劇団; という理由もあって継続中です。 当時、ここでは混合ジャンルが優勢でした（オペラバレエ、寄席、合唱団によるコメディ、ミュージカルドラマ、「音楽の」ドラマ、メロドラマなど）。 意味。 ロシアの歴史における役割。 T.m. 「音楽で」悲劇やドラマを演奏し、ロシア人を大いに準備しました。 19世紀の古典オペラ OA Kozlovsky、EI Fomin、SI Davydovの音楽で古代の悲劇へ。 そして神話。 物語とロシア語。 VA Ozerov、Yaによる愛国的なドラマ。 19世紀のハイヒロイックドラマのオペラ。 問題、大規模な合唱団の形成が行われました。 とインストルメント。 フォーム（合唱団、序曲、休憩、バレエ）; 一部の公演では、レチタティーヴォ、アリア、歌などのオペラ形式が使用されました。 ロシアの特徴。 ナット。 スタイルは合唱団で特に鮮やかです（たとえば、SNグリンカのボヤールの娘ナタリアとANティトフの音楽）。 症状。 エピソードは、ウィーンの古典の伝統に文体的に隣接しています。 学校と初期のロマン主義。

1階にあります。 約を設計した19世紀のAN Verstovsky。 15 AMD 製品。 （たとえば、1832年にV. (たとえば、VA ジュコフスキーの歌詞による「ロシアの戦士のキャンプの歌手」、1829 年)、AA Alyabyev (シェイクスピアのテンペストに基づく AA シャホフスキーの魔法のようにロマンチックなパフォーマンスのための音楽、18 年; プーシキンの「ルサルカ」、1827 年) ; 同名のプーシキンの詩のテキストに基づくメロドラマ「コーカサスの囚人」、1827年）、AE Varlamov（たとえば、シェイクスピアのハムレットの音楽、1838年）。 でもほとんどが1828階。 1837世紀の音楽は、すでに知られている製品から選択されました。 異なる作者であり、パフォーマンスで限られた範囲で使用されました。 ロシア語の新時代. 1世紀の劇場は、「イワン・スサーニン」（19年）の直後に書かれたNVクコルニク「プリンス・ホルムスキー」のドラマの音楽でMIグリンカをオープンしました。 序曲と休憩では、ドラマの主要な瞬間の比喩的な内容が交響曲を展開します。 ポスト・ベートーヴェンの原則 tm グリンカによる戯曲用の小作品が19曲あります。 劇場 – バフトゥリン (1840) によるドラマ「モルダビアのジプシー」の合唱団を持つ奴隷のアリア、オーク。 Myatlevの「Tarantella」（3）の導入と合唱、Voikovの演劇「Bought Shot」（1836）のイギリス人のカプレット。

ロシア。 T.m. 2階。 19世紀は、ANオストロフスキーのドラマツルギーに大きく関連しています。 ロシア語の愛好家でコレクター。 ナル。 歌、オストロフスキーはしばしば歌を通して特徴付けのテクニックを使用しました. 彼の戯曲は古いロシア語に聞こえた。 歌、叙事詩、寓話、小ブルジョアのロマンス、工場と刑務所の歌など。 – PI チャイコフスキーの『雪の乙女』 (19) の音楽。ボリショイ劇場での公演のために作成され、オペラ、バレエ、演劇が組み合わされました。 劇団。 これは、音楽の豊富さによるものです。 エピソードとそのジャンルの豊富さにより、パフォーマンスをオペラに近づけます（イントロダクション、インターバル、森のシーンの交響的エピソード、合唱団、メロドラマ、歌）。 「春のおとぎ話」のプロットには、民謡素材（余韻、ラウンドダンス、ダンスソング）の関与が必要でした。

MI グリンカの伝統は、シェイクスピアの『リア王』 (1859-1861 年、序曲、幕間、行列、歌、メロドラマ)、チャイコフスキー (シェイクスピアのハムレット) (1891 年) などの音楽において、MA バラキレフによって引き継がれました。 （「ハムレット」の音楽には、叙情的で劇的な交響曲の伝統に基づく一般化されたプログラム序曲と、メロドラマ、オフィーリアの歌、墓掘り人、葬送行進曲、ファンファーレなどの 16 の数字が含まれています）。

他のロシア人の作品から。 19 世紀の作曲家、Dumas pere (1848) の「キャサリン・ハワード」の音楽からの AS Dargomyzhsky のバラードと、Calderon (1866) の「The Schism in England」の音楽からの彼の 1867 曲、ed. AN セロフの音楽から AK トルストイ (1869 年) の「イワン雷帝の死」、ジェンドレ (1858 年) の「ネロ」、ムソルグスキーの悲劇からの人々 の聖歌隊 (寺院のシーン) までの数。ソポクレスの「オイディプス王」(61-1898)、EF Napravnik のドラマ音楽。 AKトルストイの詩「皇帝ボリス」（1898）、ヴァスの音楽。 S. Kalinnikovを同じ作品に。 トルストイ（XNUMX）。

19世紀から20世紀の変わり目。 T.mで。 大幅な改革が行われました。 KS スタニスラフスキーは、パフォーマンスの完全性という名目で、劇作家が示したミューズだけに限定するよう提案した最初の人物の 1905 人でした。 数は、オーケストラをステージの後ろに移動し、作曲家が監督の考えに「慣れる」ことを要求しました。 このタイプの最初の公演の音楽は、AS アレンスキー (間奏曲、メロドラマ、シェイクスピアの「マリー T-re のテンペスト」の聖歌隊、AP Lensky が上演、1917 年)、AK Glazunov (レールモントフの仮面舞踏会) が VE Meyerhold の投稿により所有していました。 20年、ダンスに加えて、パントマイム、ニ​​ーナのロマンス、グラズノフの交響的エピソード、グリンカのワルツ・ファンタジー、そして彼のロマンス「ベネチアン・ナイト」が使用された. 最初に。 XNUMX世紀 トルストイの『イワン雷帝の死』とオストロフスキーの『雪娘』（音楽はATグレチャニノフ）、シェイクスピアの『十二夜』はアン・コレシュチェンコの音楽、『マクベス』はシェイクスピア、『漁師と魚の物語』はNNチェレプニンの音楽。 監督の決断と音楽の一体感。 IAサッツの音楽によるモスクワ芸術劇場の公演（ハムスンの「人生のドラマ」とアンドレーエフの「アナテム」、メーテルリンクの「青い鳥」、シェイクスピアの「ハムレット」の音楽をポストに。G.クレイグによる英語演出など）デザイン違いました。

モスクワ芸術劇場がパフォーマンスの完全性のために音楽の役割を制限した場合、A. Ya。 Tairov、KA Mardzhanishvili、PP Komissarzhevsky、VE Meyerhold、EB Vakhtangov は、合成劇場のアイデアを擁護しました。 Meyerhold は、パフォーマンスの監督のスコアを、音楽の法則に従って構築された構成と見なしました。 彼は、音楽は演奏から生まれ、同時にそれを形作るべきだと信じ、対位法を探していました。 音楽と舞台計画の融合（D.D.ショスタコーヴィチ、V・ヤ・シェバリンらが作品に関与）。 Povarskaya の Studio Theatre での Maeterlinck による The Death of Tentagil の制作 (1905 年、IA Sats 作曲) で、Meyerhold はパフォーマンス全体を音楽に基づいて制作しようとしました。 「Woe to the mind」（1928）は、グリボエドフの戯曲「Woe from Wit」に基づいており、JS バッハ、WA モーツァルト、L. ベートーベン、J. フィールド、F. シューベルトの音楽で上演されました。 ポストで。 AM Fayko の戯曲「Teacher Bubus」の音楽 (F. ショパンと F. リストの戯曲の約 40 fp.) は、無声映画のように絶え間なく鳴り響いていました。

公演数20～初期の音楽デザインの特異性。 30代は、監督決定の実験的性質に関連しています。 たとえば、1921年にタイロフはシェークスピアの「ロミオとジュリエット」をカメニーT-reで、グロテスクな道化、強調された演劇性、心理的なものに取って代わった「愛の悲劇的なスケッチ」の形で上演しました。 経験; これに応じて、公演のためのANアレクサンドロフの音楽には歌詞がほとんどありませんでした。 ライン、仮面のコメディの雰囲気が優勢でした。 博士 この種の例は、T-re im の Shakespeare の Hamlet のための Shostakovich の音楽です。 平均投稿のVakhtangov。 NP Akimova (1932): 演出家は、「陰気で神秘的な評判の」劇を陽気で陽気で楽観的なものに変えました。 パロディとグロテスクが優勢なパフォーマンスには、ファントムはなく（アキモフはこのキャラクターを削除しました）、狂気のオフィーリアの代わりに酔ったオフィーリアがいました。 ショスタコーヴィチは、テキストにちりばめられた短い断片から大きな交響曲まで、60 以上の数のスコアを作成しました。 エピソード。 ほとんどがパロディ劇（カンカン、オフィーリアとポローニアスのギャロップ、アルゼンチンタンゴ、ペリシテワルツ）ですが、中には悲劇的なものもあります。 エピソード（「ミュージカルパントマイム」、「レクイエム」、「葬送行進曲」）。 1929 年から 31 年にかけて、ショスタコーヴィチはレニングラードの多くの公演のために音楽を書きました。 働く若者のt-ra – 「ショット」ベザミンスキー、「ルール、ブリタニア！」 ピオトロフスキー、レニングラードでのVoevodinとRyssによるバラエティとサーカスのパフォーマンス「暫定的に殺害」。 Meyerhold の提案で音楽ホール、Mayakovsky のナンキンムシ、後に T-ra im の Balzac による The Human Comedy に。 平均ヴァフタンゴフ (1934)、戯曲「スペイン、敬礼!」のためにレニングラードのアフィノゲノフ。 t-ra im。 プーシキン (1936)。 シェイクスピアの「リア王」の音楽 (GM コジンツェフ、レニングラード、ボリショイ ドラマ. tr.、1941 年に投稿) の中で、ショスタコーヴィチは初期の作品に内在する日常のジャンルのパロディから離れ、悲劇の哲学的意味を音楽で明らかにします。問題の精神が彼のシンボル。 近年の創造性は、横断的な交響曲のラインを作成します。 XNUMX つのコアのそれぞれでの開発。 悲劇の比喩的な球体 (リア – 道化師 – コーディリア)。 伝統に反して、ショスタコーヴィチは葬送行進曲ではなく、コーディリアのテーマで演奏を締めくくった。

30代。 四劇場。 スコアは SS プロコフィエフによって作成されました – 室内劇場でのタイロフの公演のための「エジプトの夜」(1935 年)、レニングラードの SE ラドロフの劇場スタジオのための「ハムレット」(1938 年)、「エフゲニー オネーギン」と「ボリス ゴドゥノフ」 » チェンバー チェンバーのプーシキン (最後の 20 つの作品は上演されませんでした)。 「エジプトの夜」（B. ショーの悲劇「シーザーとクレオパトラ」、シェイクスピアの「アントニーとクレオパトラ」、プーシキンの詩「エジプトの夜」に基づいた舞台構成）の音楽には、導入、休憩、パントマイム、朗読が含まれます。オーケストラと一緒に踊り、歌と合唱。 このパフォーマンスをデザインするとき、作曲家は30月を使用しました。 シンフォニック・メソッド。 そしてオペラのドラマツルギー - ライトモティーフのシステム、個別化の原則、および分解の反対。 イントネーション球 (ローマ - エジプト、アンソニー - クレオパトラ)。 長年にわたり、彼は劇団ゆうと協力していました。 A.シャポリン。 1926～1926代。 彼の音楽を使った多数の公演がレニングラードで上演されました。 t-rah (ビッグ ドラマ、ドラマのアカデミック t-re); それらの中で最も興味深いのは、ボーマルシェの「フィガロの結婚」（監督兼アーティストのANベノワ、1927年）、ザミャーチンの「ノミ」（NSレスコフの後、HPモナホフ監督、アーティストのBMクストディエフ、40年）、「ジョン・ファルスタッフ卿」です。 」 シェイクスピアの「ウィンザーの陽気な女房」（NP アキモフ監督、1944 年）、およびモリエール、AS プーシキン、G. イプセン、B. ショー、フクロウによるシェイクスピアの他の多くの戯曲に基づいています。 劇作家 KA トレネフ、VN ビル ベロ ツェルコフスキー。 1945代。 Shaporinはモスクワ公演のために音楽を書きました。 AK トルストイの「イワン雷帝」（30 年）とシェイクスピアの「十二夜」（1936 年）の小さな取引。 劇団の中でも. XNUMX代の作品。 大きな社会。 シェイクスピアの喜劇『Much Ado About Nothing』(XNUMX) のための TN Khrennikov の音楽には共鳴がありました。

T.mの分野で。 多くの製品があります。 AI ハチャトゥリアンによって作成されました。 彼らはコンクの伝統を発展させます。 症状。 T.m. （約20回の公演。その中には、シェイクスピアのマクベスとリア王、レルモントフの仮面舞踏会のG.スンドキヤンとA.パロニャンの演劇のための音楽）。

フクロウの芝居を題材にした公演で。 現代をテーマにした劇作家。 人生だけでなく、クラシックの制作でも。 劇は特別なタイプの音楽を形成しました。 フクロウをモチーフにしたデザイン。 質量、推定歌詞とコミック ソング、短歌 (Sofronov の「The Cook」、VA Mokrousov の音楽、Arbuzov の「The Long Road」、VP Solovyov-Sedogo の音楽、Schwartz の「The Naked King」、Shakespeare の「Twelfth Night」、音楽) ESコルマノフスキーなどによる）; いくつかのパフォーマンス、特にモスクの構成で。 タガンカのドラマとコメディー（Yu.P.リュビモフ監督）には、革命の歌が含まれていました。 軍事時代、青春の歌（「世界を震​​撼させた10日間」、「堕落者と生者」など）。 たとえば、多くの現代のプロダクションでは、ミュージカルに著しく引き寄せられています。 劇中のレニングラード。 t-ra im。 レニングラード市議会 (監督 IP ウラジミロフ) GI Gladkov の音楽による「The Taming of the Shrew」。 歌（B. ブレヒトの劇場の歌と機能が似ています）、またはS. Yuが監督した運命の選ばれし者。 Yursky (S. ローゼンツヴァイク作曲)。 パフォーマンスプロダクションのドラマツルギーにおける音楽の積極的な役割については、合成のタイプに近づいています。 Meyerhold Theatre (YM Butsko の音楽による「Pugachev」、特に MA Bulgakov の「The Master and Margarita」、タガンカのモスクワ演劇コメディー劇場での EV Denisov の音楽、Yu. P. Lyubimov 監督)。 最も重要なものの1973つ。 作品 – AK Tolstoy のドラマ「Tsar Fyodor Ioannovich」(XNUMX 年、モスクワ。Maly Tr) のための GV Sviridov による音楽。

B. 70年代。 20世紀T.mの地域で。 munого работали ゆう。 M. Butsko、VA Gavrilin、GI Gladkov、SA Gubaidulina、EV Denisov、KA Karaev、AP Petrov、NI Peiko、NN Sidelnikov、SM Slonimsky、ML Tariverdiev、AG Schnittke、RK Shchedrin、A. Ya. エシュパイ等。

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