コンサート |

ドイツのコンツェルト、イタリア語から。 協奏曲 – コンサート、点灯。 – 競争 (投票), 緯度から. 協奏曲 – 競争する

多くのパフォーマーのための作品で、参加する楽器や声のごく一部がそれらのほとんどまたはアンサンブル全体と対立し、テーマのために際立っています。 音楽のレリーフ。 素材、カラフルなサウンド、楽器や声のあらゆる可能性を使用。 18世紀の終わりから、最も一般的なのは、オーケストラとの16つの独奏楽器のための協奏曲です。 オーケストラとの複数の楽器のための協奏曲はあまり一般的ではありません – 「ダブル」、「トリプル」、「クアドラプル」 (ドイツ語: Doppelkonzert、Triepelkonzert、Quadrupelkonzert)。 特殊品種は k. 17つの楽器（オーケストラなし）の場合、k. オーケストラの場合（厳密に定義されたソロパートなし）、k. オーケストラとの声（声）のために、k. 合唱のためのアカペラ。 過去には、ボーカルポリフォニック音楽が広く表現されていました。 K.と協奏曲。 K.の出現のための重要な前提条件は、ベネチアンスクールの代表者によって最初に広く使用されたマルチ合唱団と合唱団、ソリスト、楽器の比較、中華鍋の割り当てでした。 声と楽器のソロパートの構成。 一番早いK. 1595世紀と1世紀の変わり目にイタリアで発生しました。 中華なべ。 ポリフォニック教会。 音楽 (二重合唱のための協奏曲 A. Banchieri、4; L. ヴィアダナによるデジタル ベース「Cento Concerti ecclesiastici」による 1602 ～ 11 声の歌唱のためのモテット、1-18)。 そのようなコンサートでは、多数のものを含む大規模なものからさまざまな構成物まで。 中華なべ。 とインストルメント。 いくつかの中華なべに番号を付けるまで。 パーティーとベースジェネラルの一部。 協奏曲という名前に加えて、同じタイプの作品には、モテッティ、モテクテ、カンティオス サクラエなどの名前が付けられることがよくありました。 教会鍋の開発における最高段階。 K.ポリフォニック。 XNUMX階に登場したスタイルレプレゼント。 バッハ自身が協奏曲と呼んだXNUMX世紀のカンタータ。

ジャンル K. はロシア語で広く使われています。 教会音楽 (17 世紀末から) – 合唱団のアカペラのためのポリフォニー作品で、パーティの歌唱の分野に関連しています。 そのような結晶の「作成」の理論は、NP Diletskyによって開発されました。 ロシア。 作曲家は、教会の鐘のポリフォニック技法を大幅に発展させました (4、6、8、12 声以上、最大 24 声まで)。 モスクワのシノダル合唱団の図書館には、V. チトフ、F. レドリコフ、N. バヴィキンなどによって書かれた 500 ～ 17 世紀の 18 K. までありました。 教会コンサートの発展は18世紀の終わりまで続きました。 MS ベレゾフスキーと DS ボルトニャンスキーの作品では、旋律的でアリオスなスタイルが優勢です。

17世紀、イタリア発祥の「コンペティション」の原理、複数の独奏（「コンサート」）声の「コンペティション」がインストに浸透。 音楽 – スイートと教会で。 ソナタ、楽器映画のジャンルの登場を準備します（バレットコンチェルタータP.メリ、1616年;ソナタコンチェルタータD.カステッロ、1629年）。 オーケストラ (tutti) とソリスト (solo) の対照的な並置 (「競争」)、または独奏楽器のグループとオーケストラ (協奏曲グロッソ) は、17 世紀末に登場したものの基礎となっています。 インストルメンタルKの最初の例（Concerti da camera a 3 con il cembalo G. Bononcini, 1685; Concerto da camera a 2 Violini e Basso continuo G. Torelli, 1686）。 しかし、ボノンキーニとトレッリの協奏曲は、ソナタからK.への過渡的な形式にすぎず、実際には1階に発展しました。 A.ヴィヴァルディの作品で18世紀。 今回のK.は、速い極部2部と遅い中間部の1部構成でした。 速い部分は通常、18 つのテーマに基づいていました (めったに 1 つのトピックに基づいていませんでした)。 このテーマは、リフレイン・リトルネロ（ロンダル・タイプのモノテミック・アレグロ）として変更されずにオーケストラで演奏されました。 ヴィヴァルディは、ヴァイオリン、チェロ、ヴィオル・ダムール、さまざまなスピリッツのための合奏協奏曲と独奏協奏曲の両方を作成しました。 ツール。 ソロ協奏曲のソロ楽器の部分は、最初は主に拘束力のある機能を果たしていましたが、ジャンルが進化するにつれて、ますます顕著なコンサートとテーマの特徴を獲得しました。 独立。 音楽の発展は、トゥッティとソロの対立に基づいており、そのコントラストはダイナミクスによって強調されていました。 意味。 純粋にホモフォニックまたはポリフォニックな倉庫の滑らかな動きの比喩的な質感が優勢でした。 ソリストのコンサートは、原則として、装飾的な妙技の特徴を持っていました。 中盤はアリオス風に書かれている（通常、オーケストラの和音伴奏に対するソリストの哀れなアリア）。 このタイプのK.は2階で受け取りました。 4世紀の一般流通。 JS バッハが作成したクラヴィーア協奏曲も彼のものです (一部は、彼自身のヴァイオリン協奏曲やヴィヴァルディのヴァイオリン協奏曲の XNUMX、XNUMX、XNUMX クラヴィーアのための編曲です)。 JSバッハのこれらの作品と、GFヘンデルのクラヴィーアとオーケストラのためのK.は、ピアノの発展の始まりを示しました。 コンサート。 ヘンデルはオルガンKの祖先でもあります。 独奏楽器としては、ヴァイオリンやクラヴィーアの他に、チェロ、ヴィオル・ダムール、オーボエ（ヴァイオリンの代わりになることが多い）、トランペット、ファゴット、横笛などが使われた。

2階にあります。 18世紀は、ウィーンの古典に明確に結晶化された、古典的なタイプのソロインストルメンタルk.を形成しました。

K.では、ソナタ交響曲の形式が確立されました。 サイクルですが、独特の屈折です。 コンサートサイクルは、原則として、3部のみで構成されていました。 完全な 3 楽章のサイクルの 1 番目の部分、つまり、メヌエットまたは (後の) スケルツォが欠けていました (後に、スケルツォは K に含まれることがあります。たとえば、プロコフィエフによるヴァイオリンと管弦楽のための第 1 K.、または完全な 1 楽章のサイクルの一部として、たとえば、A. リトルフ、I. ブラームスによるピアノと管弦楽のための協奏曲、ヴァイオリンと管弦楽のための第 2 K.ショスタコーヴィチ）。 Kの個々の部分の構造にも特定の機能が確立されました。最初の部分では、二重露光の原則が適用されました. キー、そしてその後初めて、XNUMX回目の博覧会で、同じメインのメインテーマであるソリストの主役が提示されました。 ソナタアレグロスキームに対応する別の調性、およびサイドXNUMX。 比較、ソリストとオーケストラの間の競争は主に開発で行われました。 プレクラシックのサンプルと比較すると、コンサート パフォーマンスの原則そのものが大幅に変更され、カットはテーマとより密接に関連するようになりました。 発達。 K.は、いわゆる作曲のテーマに関するソリストの即興演奏を提供しました。 コードへの移行にあったカデンツァ。 モーツァルトでは、主に比喩的なままであるK.のテクスチャーは、旋律的で、透明で、可塑的であり、ベートーベンでは、スタイルの一般的な脚色に従って緊張感に満ちています。 モーツァルトもベートーベンも、絵画の構成においてクリシェを避け、上記の二重露光の原則から逸脱することがよくあります。 モーツァルトとベートーベンの協奏曲は、このジャンルの発展における最高峰を構成しています。

ロマン主義の時代には、古典からの逸脱があります。 k の部分の比率。 ロマン派は一部のkを作成しました. 1 つのタイプの: 小さなフォーム - いわゆる。 コンサート ピース (後にコンサーティーノとも呼ばれる) と、19 部構成のソナタ交響曲サイクルの特徴を部分的に翻訳した交響詩に構造が対応する大き​​な形式。 古典的なK.のイントネーションと主題。 パーツ間の接続は、原則として、ロマンチックではありませんでした。 K. モノセマティズム、ライトモチーフのつながり、「開発を通じて」の原則が最も重要な意味を獲得しました。 ロマン主義の鮮やかな例。 詩的な一部のK.は、F.リストによって作成されました。 ロマンチック。 XNUMX階で請求してください。 XNUMX世紀には、特別な種類のカラフルで装飾的な妙技が発達し、ロマン主義の傾向全体の文体的特徴となった（N. パガニーニ、F. リストなど）。

ベートーベン以降、K. には「ヴィルトゥオーゾ」と「交響曲」の 1 つの変種 (1 つのタイプ) がありました。 巨匠K. instr。 妙技とコンサートのパフォーマンスは、音楽の発展の基礎を形成します。 最初の計画ではテーマではありません。 発達、およびカンチレナと運動性の対照の原則、分解。 テクスチャの種類、音色など。多くの巨匠 K. テーマ。 展開は完全に欠如している (ヴィオッティのヴァイオリン協奏曲、ロンベルクのチェロ協奏曲) か、下位の位置を占める (パガニーニのヴァイオリンとオーケストラのための協奏曲第 1 番の第 5 部)。 交響曲K.では、音楽の展開は交響曲に基づいています。 ドラマツルギー、テーマの原則。 比喩的に主題的な反対の開発。 球。 K. でのシンボル ドラマツルギーの導入は、比喩的、芸術的、イデオロギー的な意味での交響曲との収束によるものでした (I. ブラームスのコンサート)。 両方のタイプの K. はドラマツルギーが異なります。 主な機能の構成要素：名人K.は、ソリストの完全な覇権とオーケストラの従属（付随する）役割によって特徴付けられます。 交響曲K.のための – ドラマツルギー. オーケストラの活動（主題の素材の開発は、ソリストとオーケストラによって共同で行われます）、ソリストとオーケストラの部分の相対的な平等につながります。 交響的K.では、妙技がドラマの手段になっています。 発達。 交響曲には、カデンツァのようなジャンルの特定の名手要素さえも含まれていました。 名人Kの場合、カデンツァは技術的なものを示すことを目的としていました。 ソリストのスキル、交響曲では、彼女は音楽の全体的な発展に参加しました。 ベートーベンの時代から、作曲家自身がカデンツァを書き始めました。 XNUMX番目のfpで。 ベートーベンの協奏曲の旋律が有機的になる。 作品の形の一部。

名人技と交響曲の明確な違い。 常に可能であるとは限りません。 コンサートと交響曲の性質が密接に調和しているK.タイプが広く普及しています。 たとえば、F.リスト、PIチャイコフスキー、AKグラズノフ、SVラフマニノフシンフォニックのコンサート。 ドラマツルギーは、ソロパートの華麗な名手と組み合わされています。 20 世紀には、交響曲の優勢である SS プロコフィエフ、B. バルトークの協奏曲に典型的なヴィルトゥオーゾ コンサート パフォーマンスの優勢が見られます。 たとえば、ショスタコーヴィチのヴァイオリン協奏曲第 1 番では、このような性質が見られます。

交響曲に大きな影響を与えた後、交響曲は交響曲の影響を受けました。 19世紀の終わりに。 作品によって提示された、特別な「コンサート」のさまざまな交響曲が生まれました。 R. シュトラウス (「ドン・キホーテ」)、NA リムスキー＝コルサコフ (「スペインの奇想曲」)。 20世紀には、オーケストラのためのかなりの数の協奏曲も、コンサート演奏の原則に基づいて登場しました（たとえば、ソビエト音楽では、アゼルバイジャンの作曲家S. Gadzhibekov、エストニアの作曲家J. Ryaetsなどによる）。

実際には、K. はすべてのヨーロッパ向けに作成されています。 楽器 – ピアノ、バイオリン、チェロ、ビオラ、コントラバス、木管楽器、金管。 RM Gliere は、声楽とオーケストラのための非常に人気のある K. を所有しています。 フクロウ。 作曲家は nar の K. を書きました。 楽器–バラライカ、ドムラ（KP Barchunovaなど）、アルメニアのタール（G. Mirzoyan）、ラトビアのコクレ（J. Medin）など。 典型的な形式であり、多くの作曲家 (SS プロコフィエフ、DD ショスタコーヴィチ、AI ハチャトゥリアン、DB カバレフスキー、N. Ya. ミャスコフスキー、TN フレニコフ、SF ツィンツァゼなど) の作品に広く表現されています。

参照： オルロフ GA、ソビエト ピアノ協奏曲、L.、1954 年。 Khokhlov Yu.、ソビエト ヴァイオリン協奏曲、M.、1956 年。 Alekseev A.、インストゥルメンタル音楽の協奏曲と室内楽のジャンル、本：ロシアのソビエト音楽の歴史、vol。 1, M., 1956, pp. 267-97; Raaben L.、Soviet Instrumental Concerto、L.、1967年。

LH ラーベン