専門分野による楽曲の分析

この記事では、音楽学校での専門レッスンの準備方法と、曲の分析を宿題として出すときに教師が生徒に何を期待するかについて説明します。

では、音楽を分解するとはどういう意味でしょうか?ためらうことなく、音符に従って落ち着いて演奏し始めることを意味します。もちろん、これを行うには、演劇を一度読んだだけでは十分ではなく、視覚的に読み、何かを行う必要があります。すべてはどこから始まるのでしょうか?

ステップ 1. 事前の知り合い

まず第一に、これから演奏しようとしている曲の一般的な内容に慣れる必要があります。通常、学生はまずページ数を数えます。これは面白いことですが、一方で、これは仕事に対するビジネス アプローチでもあります。したがって、ページを数えるのに慣れている場合は数えてください。ただし、最初の知り合いはこれに限定されません。

音符をめくりながら、その曲に繰り返しがあるかどうかを確認することもできます (音楽のグラフィックは最初のものと似ています)。原則として、ほとんどの劇には繰り返しがありますが、必ずしもすぐに気づくわけではありません。劇の中に繰り返しがあることがわかれば、私たちの生活は楽になり、気分は目に見えて良くなります。もちろんこれは冗談です！いつもご機嫌でいられるはずですよ！

ステップ2. 雰囲気、イメージ、ジャンルを決める

次に、タイトルと著者の姓に特に注意を払う必要があります。そして、今笑う必要はありません！残念ながら、自分が演奏する曲の名前を尋ねると、唖然としてしまう若いミュージシャンが多すぎます。いや、これは練習曲だ、ソナタだ、あるいは戯曲だ、と言われます。ただし、ソナタ、練習曲、劇は一部の作曲家によって書かれており、これらのソナタ、練習曲と劇にはタイトルが付いている場合があります。

そして、タイトルは、音楽家である私たちに、楽譜の裏にどのような音楽が隠されているかを教えてくれます。たとえば、名前によって、主な雰囲気、そのテーマ、比喩的および芸術的な内容を判断できます。たとえば、「秋の雨」や「草原の花」というタイトルから、自然を題材にした作品であることがわかります。しかし、この劇が「騎士」または「雪の乙女」と呼ばれている場合、ここには明らかにある種の音楽的肖像が存在します。

場合によっては、タイトルに何らかの音楽ジャンルを示すものが含まれることがよくあります。ジャンルについては「主な音楽ジャンル」の記事で詳しく読むことができますが、答えは次のとおりです。兵士の行進と叙情的なワルツは同じ音楽ではありませんよね。

マーチやワルツはジャンルの一例にすぎません（ちなみに、ソナタやエチュードもジャンルです）。おそらく、マーチ音楽がワルツ音楽とどのように異なるかについてよく理解しているでしょう。つまり、一音も弾かなくても、タイトルをきちんと読むだけで、これから演奏する曲についてすでに何かを言うことができます。

音楽作品の性質と雰囲気をより正確に判断し、ジャンルの特徴を感じるために、その音楽の録音を見つけて、音符を持っているかどうかにかかわらずそれを聴くことをお勧めします。同時に、特定の曲がどのように聞こえるべきかを学びます。

ステップ 3. 音楽テキストの基本的な分析

ここではすべてがシンプルです。常に行うべき 3 つの基本的なことは次のとおりです。キーを見てください。調性を調号によって決定します。テンポと拍子記号を見てください。

ただ、経験豊富なプロの中にも、すべてを視覚的に読み取り、落書きするものの、鍵盤や記号には注意を払わず、メモ自体だけを見ているアマチュアがいます...そして、彼らはなぜ持っていないのかと疑問に思います。指から出てくるのは美しいメロディーではなく、ある種の継続的な不協和音です。そんなことしないでね？

ちなみに、第一に、あなた自身の音楽理論の知識とソルフェージュの経験は、調号によって調性を判断するのに役立ちます。第二に、4 度圏や調性温度計などの便利なカンニングペーパーが役立ちます。次へ移りましょう。

ステップ 4. できる限り視覚的に曲を演奏します

繰り返しますが、（あなたがピアニストの場合）楽譜から両手でまっすぐに、できる限り最善を尽くして演奏してください。重要なのは、何も見逃さずに最後まで到達することです。間違い、一時停止、繰り返し、その他の滞りがあったとしても、あなたの目標はただ愚かにもすべての音を演奏することです。

これはとても魔法の儀式です！この事件は間違いなく成功しますが、成功は、たとえそれが醜いものになったとしても、最初から最後までプレイした後にのみ始まります。大丈夫、二回目はもっと良くなりますよ！

最初から最後まで負ける必要はありますが、ほとんどの学生がそうであるように、そこで止まる必要はありません。これらの「生徒」たちは、演劇を一通り見て、それで終わり、ある種のことは理解したと考えています。こんなことは何もない！たとえ 1 人の患者の再生でも役に立ちますが、ここから主な作業が始まることを理解する必要があります。

ステップ 5. テクスチャのタイプを決定し、バッチでピースを学習します

テクスチャは作品を表現する方法です。この質問は純粋に技術的なものです。作品を手で触ってみると、質感にはこんな難しさがあることが分かります。

一般的なテクスチャのタイプ: ポリフォニック (ポリフォニーは非常に困難です。別々の手で演奏するだけでなく、それぞれの声を個別に学習する必要があります)。和音（特に速いペースで進む場合は、和音も学ぶ必要があります）。パッセージ（たとえば、練習曲には速いスケールやアルペジオがあります。また、各パッセージを個別に調べます）。メロディー + 伴奏（言うまでもなく、メロディーは別々に学び、伴奏も、それが何であれ、別々に見ます）。

個々のハンドでのプレイを決して怠ってはいけません。右手で別々に演奏することと、左手で別々に演奏すること（これもピアニストの場合）は非常に重要です。細部を詰めて初めて良い結果が得られます。

ステップ 6. 運指と技術練習

専門分野における音楽作品の通常の「平均的な」分析には運指分析が欠かせません。すぐに親指を立てます（誘惑に負けないでください）。正しい運指は、テキストをより早く暗記し、より少ないストップで演奏するのに役立ちます。

私たちはあらゆる難しい箇所、特に音階やアルペジオのような進行がある箇所に適した指を決定します。ここでは、特定のパッセージがどのように構成されているか（どのスケールの音、またはどのコードの音によって、たとえばトライアドの音によって）という原理を単純に理解することが重要です。次に、パッセージ全体をセグメント (各セグメント – ピアノの場合、最初の指を動かす前) に分割し、これらのセグメント (キーボード上の位置) を確認することを学ぶ必要があります。ちなみに、こうすることで文章が覚えやすくなります！

はい、ピアニストとは何でしょうか？そして他のミュージシャンも同様のことをする必要がある。たとえば、金管奏者はレッスンで演奏をシミュレートするテクニックをよく使用します。運指を学び、適切なタイミングで適切なバルブを押しますが、楽器のマウスピースに空気を吹き込むことはありません。これは、技術的な問題に対処するのに非常に役立ちます。それでも、速くてきれいなプレーを練習する必要があります。

ステップ 7. リズムに取り組む

そうですね、間違ったリズムで曲を演奏することは不可能です。好むと好まざるにかかわらず、先生はそれでも、正しく演奏することを学ぶ必要があると誓うでしょう。私たちはあなたに次のことをアドバイスできます: 古典 - 声を出してカウントを演奏します (1 年生のように - それは常に役に立ちます)。メトロノームを使って遊びます（リズミカルなグリッドを設定し、そこから逸脱しないようにします）。自分で小さなリズミカルなパルス（たとえば、8 分音符 – タタ、または 16 分音符 – タタタタ）を選択し、このパルスがどのように浸透するか、すべての音楽をどのように満たすかを感じながら曲全体を演奏します。この選択された単位よりも長い持続時間の音符。強いビートを強調して演奏します。ゴムバンドのように少し伸ばして最後のビートを演奏します。あらゆる種類の 3 連符、付点リズム、シンコペーションを計算するのを怠けないでください。

ステップ 8. メロディーとフレージングに取り組む

メロディーは表情豊かに演奏されなければなりません。 (20 世紀の作曲家の作品の中で) メロディーが奇妙に思えたとしても、大丈夫です。それを愛し、キャンディーを作る必要があります。彼女は美しいです、ただ珍しいだけです。

メロディーを音の集合としてではなく、メロディー、つまり意味のあるフレーズの連続として演奏することが重要です。テキスト内にフレーズの行があるかどうかを確認します。多くの場合、フレーズの始まりと終わりはそこから検出できますが、聴覚が正常であれば、自分の聴覚で簡単に識別できます。

ここで言えることは他にもたくさんありますが、音楽のフレーズが人々の会話に似ていることは、あなた自身がよく知っています。質疑応答、質問と質問の繰り返し、答えのない質問、一人の人物の物語、勧告と正当化、短い「ノー」と長々とした「はい」、これらすべては多くの音楽作品に見られます。メロディーがあれば）。あなたの仕事は、作曲家が作品の音楽テキストに何を込めたのかを解明することです。

ステップ9. ピースを組み立てる

手順とタスクが多すぎました。実際、そしてもちろん、改善には限界がないことをご存知でしょう…しかし、ある時点でそれを終わらせる必要があります。クラスに持ち込む前に、少なくとも少しは劇に取り組んでいれば、それは良いことです。

音楽作品を分析する主な作業は、それを連続して演奏する方法を学ぶことなので、最後のステップは常に、曲を組み立てて最初から最後まで演奏することです。

それが理由です！曲全体を最初から最後まであと数回演奏します。プレイが著しく簡単になったことに気づきましたか?これはあなたの目標が達成されたことを意味します。授業に持っていけますよ！

ステップ 10. 曲技飛行

このタスクには曲技飛行のオプションが 2 つあります。1 つ目はテキストを暗記することです (これは本物であるため、これが本物ではないと考える必要はありません)。2 つ目は作品の形式を決定することです。形式とは作品の構造のことです。主な形式については、「音楽作品の最も一般的な形式」という別の記事で説明しています。

ソナタを演奏する場合、形式に取り組むと特に役立ちます。なぜ？ソナタ形式には主部と副部、つまり 1 つの作品の中に 2 つの比喩的な領域があるからです。あなたはそれらを見つけ、それらの始まりと終わりを決定し、展覧会と再演でのそれぞれの行為を相互に関連付ける方法を学ばなければなりません。

また、曲の展開部分や中間部分をいくつかの部分に分割することも常に役立ちます。たとえば、異なる原則に従って構築された 2 つまたは 3 つのセクションで構成されます。1 つは新しいメロディー、もう 1 つはすでに聞いたメロディーの展開、3 つ目は完全にスケールとアルペジオで構成されます。等

そこで、演奏の観点から楽曲を分析するというような問題を考えてみました。便宜上、プロセス全体を目標に向かう 10 のステップとして想像しました。次の記事では、音楽作品の分析のトピックについても触れますが、別の方法で、音楽文学に関するレッスンの準備として行います。