音楽|

ギリシャの moysikn、mousa – ミューズから

現実を反映し、主にトーン (特定の高さの音、ミュージカル サウンドを参照) で構成される、意味があり、高さと時間で特別に編成されたサウンド シーケンスを通じて人に影響を与える芸術の一種。 人の考えや感情を聞こえる形で表現するM.は、人々の間のコミュニケーションの手段として機能し、彼らの精神に影響を与えます。 これの可能性は、人 (および他の多くの生物) の音の現れと彼の精神との物理的および生物学的に条件付けられた接続から生じます。 生活（特に感情的）と、刺激物および行動への合図としての音の活動から。 多くの点で、M. はスピーチ、より正確にはスピーチのイントネーションに似ています。 人の状態と世界に対する彼の感情的な態度は、発話中の声の音のピッチやその他の特性の変化を通じて表現されます。 この類推により、M のイントネーションの性質について話すことができます (イントネーションを参照)。 同時に、M. は、主に芸術としての本質的な性質によって、スピーチとは大きく異なります。 その中には、現実の反映の調停、オプションの実用的な機能、美学の最も重要な役割があります。 機能、アート。 内容と形式の両方の価値（画像の個々の性質とその具体化、創造性の現れ、作者または演奏者の一般的な芸術的および特に音楽的な才能など）。 人間の音声コミュニケーションの普遍的な手段であるスピーチと比較して、Mの特異性は、特定の概念を明確に表現することが不可能であること、ピッチの厳密な順序付け、および音の時間的（リズミカルな）関係（ピッチが固定されているため）にも現れます。およびそれぞれの持続時間)、感情的および美的表現力が大幅に向上します。

「イントインされた意味の芸術」（BV Asafiev）である音楽は、ライブサウンド、パフォーマンスにおいてのみ、社会に実際に存在し、機能します。 多くの芸術において、M. は第一に非絵画的（抒情詩、建築など）、つまり特定の対象物の物質的構造を再現する必要のないものに隣接し、第二に一時的なものに隣接する。一つ目（ダンス、文学、演劇、映画）、つまりライ麦が時間とともに展開し、第三に、パフォーマンス（同じダンス、演劇、映画）、つまり創造性と知覚の間の仲介者が必要です。 同時に、芸術の内容と形式の両方が、他のタイプの芸術に関連して特定されています。

M. のコンテンツは、芸術的なイントネーションのイメージ、つまり意味のある音 (イントネーション) に取り込まれたものであり、反省、変容、美学の結果です。 音楽家（作曲家、演奏家）の心の客観的現実の評価。

M.のコンテンツにおける支配的な役割は、「芸術」によって演じられています。 感情」 - 主張の可能性と目標に従って選択され、ランダムな瞬間と意味のある感情状態とプロセスが取り除かれます。 音楽における彼らの主要な場所。 内容は、M. の音（イントネーション）と一時的な性質によって事前に決定されます。これにより、一方では、人々の感情を外部に明らかにし、社会の他のメンバーに伝達するという何千年もの経験に頼ることができます。 Ch。 到着一方で、経験を動き、すべての変化と色合いを伴うダイナミックなプロセスとして適切に表現すること。 浮き沈み、感情の相互遷移と衝突。

XNUMX月から感情の種類 M. 何よりも気分を体現する傾向があります。感情とは異なり、特定のものに向けられたものではなく、人の感情状態です。 主題（客観的な理由によって引き起こされますが）：楽しさ、悲しみ、陽気さ、落胆、優しさ、自信、不安など。 、決意、エネルギー、慣性、衝動性、拘束、忍耐力、意志の欠如、真面目さ、軽薄さなど。これにより、M.は心理的だけでなく明らかにすることができます。 人々の状態だけでなく、彼らの性格。 最も具体的な (しかし言葉の言語に翻訳されていない) 感情の非常に微妙で「伝染性の」表現において、M. は他に類を見ません。 「魂の言語」（AN Serov）として広く定義されているのは、この能力に基づいています。

楽曲には「アーツ」も収録。 感情のように選択され、後者と密接に関連する「感じた」。 同時に、言葉などの助けを借りずに、独自の手段で。 要因、M. はあらゆる種類の考えを表現することはできません。 彼女は、言葉で表現するのに簡単にアクセスでき、事実に関する情報を含み、非常に抽象的で、感情的および視覚的比喩的な関連を引き起こさない、非常に具体的な思考メッセージによって特徴付けられません。 しかし、M. は、ダイナミックに関連する概念で表現された、そのような一般化された考えに非常にアクセスしやすいです。 社会的および精神的な側面。 現象、道徳的資質、性格特性、および人および社会の感情状態。 純粋な楽器で。 さまざまな時代の偉大な作曲家の作品は、世界の調和または不調和、特定の社会における社会関係の安定または不安定、社会の完全性または断片化についての彼らの考えを深く鮮やかに具現化しました。 抽象的な思考の具体化における大きな役割-一般化は、音楽ドラマツルギー、つまり音楽イメージの比較、衝突、および開発によって演じられます。 適切なミューズの重要な一般化のアイデアを表現するための最大の機会。 弁証法的に交響曲を与えることを意味します。 新しい品質の形成につながる、イメージのシステムの開発。

哲学的および社会的アイデアの世界の範囲を広げるために、作曲家はしばしば、特定の概念的内容のキャリアとしての単語との音楽の統合に目を向けます (vok. および program instr. M.、Program music を参照)。舞台音楽も。 アクション。 言葉や行為など、音楽以外の要素との融合により、音楽の可能性が広がります。 その中で新しいタイプのミューズが形成されます。 イメージ、to-rye は社会の中で着実に関連付けられています。 統合の他の構成要素によって表現された概念とアイデアを持つ意識は、同じ概念とアイデアのキャリアとして「純粋な」M.に渡されます。 さらに、作曲家は、社会で発生した音の記号 (従来の記号) を使用します。 練習（さまざまな種類の信号など。これには、特定の社会環境に存在し、その中で安定した明確な意味を受け取った曲や曲も含まれます。これらは、あらゆる概念の「音楽的象徴」になっています）、または独自の作成、 新しい音楽。 兆候。 その結果、M. のコンテンツには、巨大で継続的に豊かなアイデアの輪が含まれています。

Mの比較的限られた場所は、音楽に具現化された特定の現実の現象の視覚的イメージによって占められています。 イメージ、つまり音の中で、これらの現象の官能的な兆候を再現します (サウンド ペインティングを参照)。 芸術における表現の小さな役割は、客観的には、視覚と比較して、オブジェクトの特定の物質的特徴について人に知らせる聴覚の能力がはるかに低いためです。 それにもかかわらず、自然のスケッチと「肖像画」はM. decによく見られます。 人々、そしてXNUMX月の生活からの写真や「シーン」。 特定の国と時代の社会の層。 自然の音（風や水の音、鳥のさえずりなど）、人物（言葉のイントネーションなど）、社会（音楽以外の音や日常生活の一部である日常の音楽ジャンル）、連想（鳥のさえずり - 森の絵）、アナロジー（幅広いメロディーで動く - uXNUMXbuXNUMXbspaceのアイデア）と共感覚 - 聴覚と視覚、触覚、重量感などの関係（高い音は軽く、鋭く、軽く、薄く、低い音は暗く、鈍く、重い） 、 厚い）。 連想、アナロジー、共感覚の存在による空間表現は、必然的に M の知覚に伴いますが、それらは常にこの製品の存在を意味するわけではありません。 特定のオブジェクトの一体的な視覚イメージとしてのイメージ。 画像が音楽で利用できる場合。 製品は、原則として、イデオロギー的および感情的な内容、つまり人々の思考と気分、性格と願望、理想と現実の評価を明らかにする追加の手段としてのみ機能します。 したがって、特定の。 音楽の反省の主題は、そのダイナミクスに取り入れられた、世界に対する人と社会の態度（ch。arr。感情的）です。

M. (階級社会における) の内容は、個人、階級、普遍の統一です。 M. は常に、著者の現実に対する個人的な態度だけでなく、彼の内線を表現しています。 世界だけでなく、最も重要で典型的なものもあります。 イデオロギーの特徴、特に特定の社会集団の心理学。 彼女の感情のシステム、一般的な「心理的トーン」、その固有の生活のペースと内面。 リズム。 同時に、時代全体の感情的な色、ペース、リズム、XNUMXつではなく複数に近い考えや感情を伝えることがよくあります。 クラス（たとえば、社会の民主的変革、国家解放などのアイデア）またはすべての人々（たとえば、自然、愛、およびその他の叙情的な経験によって目覚めた気分）でさえ、高い普遍的な理想を体現しています. しかし、人のイデオロギー的および感情的な世界の普遍性は彼の社会的存在から切り離されていないため、M. の普遍性は必然的に社会的指向を獲得します。

真実であり、さらに型付けされています。つまり、一般化と社会史的性質を組み合わせています。 個々の心理的具体性、定義されたメンバーとしての人々の気分と性格の反映。 社会は音楽におけるリアリズムの現れとして機能します。 生産のイデオロギー的および感情的な内容（人間の精神世界を含む）の完全な欠如、無意味な音の「遊び」、またはそれらの生理学的手段への変換のみ。 リスナーへの影響は、アートとしての M. の限界を超えた「サウンド構築」をもたらします。

M.利用可能なコンテンツXNUMX月。 ジャンル：叙事詩的、劇的、叙情的。 しかし同時に、その非絵画的な性質のために、それに最も近い歌詞は、外界のイメージよりも「自己表現」の優位性を提供し、他の特徴よりも心理的な「自画像」を提供します。人。 全体としてのM.の内容は、著者の倫理的および美的理想に対応するポジティブなイメージによって支配されています。 ネガティブなイメージ (そして皮肉、似顔絵、グロテスクなど) もかなり前に音楽の世界に登場しましたが、特にロマン主義の時代以降は、音楽の主要なトレンドであり続けました。 内容としては、否定や非難ではなく、肯定、つまり「唱える」傾向が残っています。 人の最高のものを明らかにし、強調するそのような有機的なM.の傾向は、ヒューマニズムのスポークスマンとしてのその重要性を高めます. 道徳的および教育的機能の始まりと担い手。

M.の内容の物質的な具体化、その存在の仕方は音楽です。 フォーム – 音楽のシステム。 作曲家の思考、感情、比喩的な表現が実現される音（音楽形式を参照）。 ミューズ。 形式は内容に次ぐものであり、通常は内容に従属します。 同時に関係を持っています。 芸術は、すべての非絵画的な種類の芸術と同様に、現実の現象の形式の使用が非常に限られているため、自然現象を繰り返さない大規模な独自の形式を必然的に生み出すため、独立性はさらに重要ですもの。 これらの特殊なフォームは、特定を表現するために作成されます。 次に、音楽コンテンツが積極的に影響を与え、「形成」します。 音楽的（およびあらゆる芸術的）形式は、安定性、安定性、構造の繰り返し、個々の要素に向かう傾向が特徴であり、ミューズの可変性、可動性、および独創性と矛盾します。 コンテンツ。 これは弁証法です。 相互接続と統一の枠組み内の矛盾は、特定のミューズを作成する過程で毎回独自の方法で解決されます。 一方では、伝統的な形式が新しいコンテンツの影響下で個別化および更新され、他方では、コンテンツが類型化され、コンテンツの安定した特徴に対応する瞬間が明らかになり、結晶化されます。使用されるフォーム。

音楽における比率。 音楽のさまざまな方法で安定したものと変化するものとの間の創造性とパフォーマンス。 さまざまなタイプの文化。 M. 口頭伝承 (すべての国の民間伝承、教授は即興の原則を (毎回特定の文体規範に基づいて) 主張している)、形式は開いたまま、「開いた」ままです。同時に、Nar の典型的な構造。 music pl. 人々は、プロの音楽の構造よりも安定している (民俗音楽を参照). M. 書かれた伝統 (ヨーロッパ) では、各製品は閉鎖的で、多かれ少なかれ安定した形をしていますが、ここでは、いくつかのスタイルでは、即興の要素があります提供されます（即興を参照）。

M.のフォルムは、内容の物質的な固定に加えて、社会への「メッセージ」を伝達する機能も果たします。 このコミュニケーション機能は、ミューズの特定の重要な側面も決定します。 フォーム、そして何よりも、特定の時代におけるリスナーの知覚の一般的なパターンと（一定の制限内で）そのタイプと機能への準拠。

別々にミューズを取っても。 サウンディングにはすでにプライマリ エクスプレスがあります。 機会。 それらのそれぞれは生理学的に引き起こすことができます。 喜びまたは不快感、興奮または静けさ、緊張または放電、および共感覚。 感覚（重さまたは軽さ、熱さまたは冷たさ、闇または光など）および最も単純な空間的連想。 これらの可能性は、あらゆる音楽で何らかの形で使用されます。 しかし、通常はそれらの心理的リソースに関連する側面としてのみです。 美的影響は、音楽形式のより深い層に含まれており、音がすでに統合された組織構造の要素として機能しています。

実生活の音、ミューズとの類似性を保ちます。 同時に、ミューズによって開発された歴史的に確立されたシステムに含まれているという点で、それらとは根本的に異なります。 特定の社会の慣行（サウンドシステムを参照）。 それぞれの音楽。 サウンドシステム（トリコード、テトラコード、ペンタトニック、ダイアトニック、XNUMX音平均律システムなど）は、水平方向と垂直方向に繰り返し再生できるさまざまな安定したトーンの組み合わせを出現させるための前提条件を提供します。 各文化で同様の方法が選択され、音の持続時間のシステムに追加されます。これにより、時間シーケンスの安定したタイプを形成できます。

M. では、トーンに加えて、不定音も使用されます。 高さ（ノイズ）など、高さは考慮されていません。 しかし、経験が示すように、固定されたピッチの存在のみが、人間の心が音を整理し、それらの間の関係を確立し、それらをシステムに持ち込み、論理的に組織化され、意味のある、 、さらに、十分に発達したサウンド構造。 したがって、ノイズのみからの構成 (たとえば、特定のピッチのない「非音楽的」スピーチまたは打楽器の音からの構成) は、「音楽以前」 (原始文化における) に属するか、音楽の範囲を超えます。 その意味での訴訟は、社会史に定着していました。 長年にわたってほとんどの人々の実践。 何世紀も。

与えられたそれぞれの音楽で。 作品では、トーンは水平方向のシーケンスと（ポリフォニーでは）垂直接続（子音）の独自のシステムを形成し、そのフォームを構成します（メロディー、ハーモニー、ポリフォニーを参照）。 この形式では、外部 (物理的) と内部 (「言語」) の側面を区別する必要があります。 外面には、音色の変化、旋律の方向性が含まれます。 動きとそのパターン（滑らか、けいれん）、ダイナミック。 カーブ（ラウドネスの変化、ダイナミクスを参照）、テンポ、リズムの一般的な特徴（リズムを参照）。 音楽形式のこちら側は、なじみのない言語でのスピーチと同様に知覚され、その内容を理解することなく、一般的な音でリスナーに感情的な影響を与える可能性があります (生理学的およびより低い精神レベルで)。 音楽の内側 (「言語」) 側。 フォームはイントネーションです。 構成、つまり、それに含まれる意味のある音の組み合わせ (旋律、ハーモニー、リズミカルなターン) は、社会によって以前に習得されています。 意識（または習得したものと同様）、その潜在的な意味は一般にリスナーに知られています。 音楽形式のこちら側は、聞き慣れた言語のスピーチと同じように認識され、その音だけでなくその意味にも影響を与えます。

各時代の各国の M. には、ある特徴があります。 安定した種類の音の組み合わせ (イントネーション) とそれらを使用するためのルール (規範) の複合体。 そのような複合体は（比喩的に）ミューズと呼ぶことができます。 この国と時代の「ことば」。 口頭（口頭）言語とは異なり、特定の生き物が欠けています。 第一に、その要素は特定の安定したフォーメーション（記号）ではなく、音の組み合わせのタイプのみであり、第二に、これらの要素のそれぞれに複数の定義があるためです。 値ですが、潜在的な値のセットであり、そのフィールドには正確に確立された境界がありません。第三に、各要素の形式はその値から切り離すことができず、別の要素に置き換えることも、値を変更せずに大幅に変更することもできません。 したがって、M. では、XNUMX つのミューズから転送することはできません。 言語を別のものに。

音楽言語要素の潜在的な価値の分野は、一方ではその物理的要素に依存します。 （音響）特性、そして一方で、音楽社会での使用の経験から。 この経験の結果として、他の現象との実践とそのつながり。 そのようなものはvnemuzです。 関連性（スピーチ、自然などの音、およびそれらを介して対応する人々や自然現象のイメージとの関連）および音楽内。これは、テキスト外関連（他の音楽作品との）に分割されますテキスト内（さまざまな種類のイントネーションのつながり、テーマの類似性などに基づいて、特定の作品内で発生します）。 セマンティックの形成において。 可能性の違い。 音楽要素。 言語は、日常の M. だけでなく、M. で言葉や舞台とともに繰り返し使用される経験において、大きな役割を果たします。 彼らの強い結びつきは、人生の状況や、ミューズの外で具現化されたコンテンツの要素と形成されます。 意味。

音楽の反復的な要素に。 フォーム、セマンティクス。 to-rykh の機会は、音楽社会での使用の伝統に依存します。 練習は、イントネーションの種類（音楽の「言葉」）だけでなく、音楽表現のそのような統一にも属します。 ジャンルは何ですか (マーチング、ダンス、歌など、ジャンル ミュージカルを参照)。 ポット。 各ジャンルの意味は、日常生活における主要な機能、つまり生活実践におけるその場所によって主に決定されます。

作曲家は自分の作品で使用できます。 音楽の一般的なパターンとして。 国や時代の「ことば」と、その固有の要素。 同時に、特定の要素は、特定のスタイル内で作品から作品へ、ある作者から別の作者へと、存在することなく受け継がれます。 変化（メロディーとハーモニーのターン、ケイデンス、日常のジャンルのリズミカルなフォーミュラの開発など）。 他のものは、新しい、それぞれの場合に、ミューズのオリジナルの要素を作成するためのプロトタイプとしてのみ機能します。 フォーム（テーマの主要なターン - それらの「粒子」、および頂点に達するイントネーション）。 音楽の要素をオンにしたとき。 言語が作品に組み込まれると、その意味の範囲が変化します。一方では、ミューズが具体化する役割のために範囲が狭まります。 文脈だけでなく、言葉や場面。 一方、アクション（合成ジャンル）は、テキスト内接続の出現により拡大しています。 既存のミューズの要素とルールを使用する。 言語を変更し、新しい言語を作成することで、作曲家は独自の音楽で独自の個人を形成します。 独自のコンテンツを具現化するために必要な言語。

ミューズ。 異なる言語。 時代、国、作曲家は非常に多様ですが、それらはすべて、音色を構成するための一般的な原則、つまりピッチと時間も持っています。 大部分の音楽文化とスタイルでは、トーンのピッチの関係はモードに基づいて編成され、時間的な関係は拍子に基づいて編成されます。 フレットとメーターは、以前のイントネーションリズム全体の一般化と同時に機能します。 作曲家の意識によって生成された音のペアリングの流れを特定のチャネルに沿って導く、さらなる創造性の実践と規制。 ミューズの高高度と時間的関係の首尾一貫した意味のある展開（モノフォニーで）。 フレットと拍子に基づく音はメロディーを形成し、それは表現の最も重要な部分です。 M.、彼女の魂の手段。

メインの BGM を組み合わせます。 表現力（イントネーション、ピッチ、リズミックおよびシンタックスの構成）、メロディーはそれらを集中的かつ個別化された形で実装します。 レリーフとオリジナリティのあるメロディック。 素材は、ミューズの価値にとって不可欠な基準となります。 動作し、その認識と記憶に大きく貢献します。

与えられたそれぞれの音楽で。 その形式の個々の要素の作品は、一連の私的な構造からなる一般的な構造を組み合わせて従属させる過程で形成されます。 後者には、メロディック、リズミカル、フレットハーモニック、テクスチャ、音色、ダイナミック、テンポなどの構造が含まれます。 特に重要なのはテーマです。 構造、その要素はミューズです。 差分と一緒のテーマ。 それらの変化と発達の種類と段階。 ほとんどの音楽スタイルでは、ミューズの主な素材キャリアはテーマです。 画像、そしてその結果、テーマ。 音楽構造。 手段で形成します。 程度は、コンテンツの比喩的な構造の外的表現として機能します。 両方が合併して、比喩的なテーマを構成します。 作品の構造。

ミューズのすべての私的な構造。 フォームは互いにリンクされ、構文的に調整されます。 構造（動機、フレーズ、文、期間の結合）および構成（部分、セクション、部分などの結合）。 最後の XNUMX つの構造はミューズを形成します。 狭義の形式（つまり、音楽作品の構成）。 非絵画形式の芸術としての芸術における形式の特に大きな相対的独立性のために、安定した、比較的耐久性のあるタイプの構成構造がその中で発展しました - 典型的なミューズ。 非常に幅広いイメージを具現化できるフォーム (狭義の意味で)。 これらはヨーロッパに存在するものです。 M. もう数年。 何世紀にもわたるXNUMX部構成およびXNUMX部構成のフォーム、バリエーション、ロンド、ソナタアレグロ、フーガなど。 音楽には典型的な形式があります。 東洋の文化。 それらのそれぞれは、一般に、自然、社会、および人間の意識における特徴的で最も一般的なタイプの動き（現象の形成、それらの繰り返し、変化、発展、比較、衝突など）を反映しています。 これは、さまざまな作品でさまざまな方法で指定されている潜在的な意味を決定します。 典型的なスキームは毎回新しい方法で実現され、この作品のユニークな構成に変わります.

内容、音楽のように。 フォームはプロセスであり、時間の経過とともに展開します。 各構造の各要素は、このプロセスで役割を果たし、特定の機能を果たします。 関数。 音楽における要素の機能。 形は複数（多機能性）と変化（機能の多様性）があります。 要素の付属品。 構造（および要素のトーン）は、ミューズに基づいて接続および機能します。 具体的なロジック。 人間の一般的なパターンの屈折。 活動。 すべての音楽スタイル (音楽スタイルを参照) で、独自のさまざまなミューズが形成されます。 この時代の創造的な実践を反映し、要約する論理、nat. 学校、その流れ、または個々の著者。

M. の内容とその形式の両方が徐々に発展しています。 彼らの内的機会はますます完全に明らかになり、外的要因、とりわけ社会生活の変化の影響下で徐々に豊かになります。 M. には、新しい形を生み出す新しいテーマ、イメージ、アイデア、感情が継続的に含まれています。 同時に、時代遅れになった内容や形式の要素が消えつつあります。 しかし、モスクワで作成された貴重なものはすべて、古典を構成する作品の形で生き続けています。 遺産、そしてその後の時代に採用された創造的な伝統として。

人間の音楽活動は、創造性（作曲を参照）、演奏（音楽演奏を参照）、知覚（音楽心理学を参照）の XNUMX つの主要な種類に分けられます。 それらは、ミューズの存在のXNUMXつの段階に対応しています。 作品：創作、複製、傾聴。 各段階で、作品の内容と形が特別な形で現れます。 創作の段階で、同時に作曲者の頭の中に。 作者の内容（理想）と作者の形（素材）が展開され、内容は現実の形で存在し、形は潜在的な形でしか存在しない。 作品が演奏で実現されると（書かれた音楽文化では、これは通常、楽譜の形で音楽形式の条件付きコーディングが先行します。音楽の執筆を参照）、形式は更新され、サウンド状態になります。 同時に内容も形も多少変化し、演奏者の世界観や美学に合わせて変容していく。 理想、個人的な経験、気質など。これは、作品に対する彼の個人的な認識と解釈を示しています。 内容と形式のバリエーションが実行されます。 最後に、リスナーは知覚された製品をスキップします。 彼らの見解、好み、人生、そしてミューズのプリズムを通して。 経験し、これを通して再びいくらかそれを変えます。 コンテンツとフォームのリスナーのバリエーションが生まれ、パフォーマンスのものから派生し、それらを介して、作者のコンテンツと作者のフォームから派生します。 したがって、音楽のすべての段階で。 活動は創造的です。 程度はさまざまですが、作者はMを作成し、パフォーマーは積極的にそれを再作成および再作成しますが、リスナーは多かれ少なかれ積極的にそれを認識します。

M. の知覚は、物理的なものを含む複雑なマルチレベルのプロセスです。 M.のヒアリング、その理解、経験、および評価。 物理的な聴覚は、ミューズの外部 (音) 側の直接的な知覚です。 生理学を伴うフォーム。 影響。 理解と経験とは、ミューズの意味を知覚することです。 その構造の理解を通して、形、すなわち M. の内容。 このレベルでの知覚の条件は、対応するものとの（少なくとも一般的な方法での）予備的な知り合いです。 音楽言語と音楽の論理の同化。 このスタイルに固有の思考は、リスナーがミューズの展開のあらゆる瞬間を比較するだけでなく、. 前のものと一緒に形成するだけでなく、さらなる動きの方向を予測（「予測」）します。 このレベルでは、リスナーに対するMのイデオロギー的および感情的な影響が実行されます。

音楽の知覚の追加段階。 時間内に実際の音の限界を超える作品は、一方では、知覚に対するリスナーの態度の形成です（今後の公聴会の状況、作品のジャンルに関する事前知識、作品の名前に基づく）著者など）、そして一方で、聞いたことのその後の理解、記憶（「アフターヒアリング」）または自分自身での再現。 パフォーマンス（たとえば、少なくとも個々のフラグメントと声を歌うことによる）と最終評価（一方、予備評価はM.の鳴動中にすでに形成されています）。

これまたはその音楽を有意義に知覚する（理解して体験する）リスナーの能力。 作品、その知覚と評価の内容は、オブジェクト（作品）と主題（リスナー）の両方、より正確には、精神的なニーズと興味、美学の関係に依存します。 理想、芸術の程度。 開発、音楽リスナーの経験、および作品の内部品質。 次に、リスナーのニーズやその他のパラメーターは、社会環境と彼の個人的な音楽によって形成されます。 経験は公共の一部です。 したがって、音楽の知覚は、創造性やパフォーマンスと同じように社会的に条件付けられています (これは、すべてのタイプの音楽活動にとって生来の能力と個々の心理的特性の特定の重要性を排除するものではありません)。 特に、社会的要因は、個人と大衆の両方の解釈（解釈）とミューズの評価の形成において主導的な役割を果たします。 動作します。 これらの解釈と評価は歴史的に変更可能であり、さまざまな時代や社会集団に対する同じ作品の客観的な意味と価値の違いを反映しています（当時の客観的な要件と社会のニーズへの準拠に応じて）。

音楽活動の XNUMX つの基本的なタイプは密接に相互に関連しており、XNUMX つのチェーンを形成しています。 後続の各リンクは、前のリンクから素材を受け取り、その影響を経験します。 それらの間にはフィードバックもあります。パフォーマンスは、そのニーズと能力に対する創造性を刺激します（ただし、ある程度制限します）。 社会。 知覚は演奏に直接影響を与え（演奏者との直接的な生の接触やその他の方法で大衆の反応を通じて）、創造性に間接的に影響を与えます（作曲家が自発的または非自発的に何らかのタイプの音楽的知覚に焦点を当て、音楽言語に依存しているため）ある社会で発展したもの）。

デコンプの助けを借りて、M.の配布や宣伝などの活動とともに。 メディア、科学的音楽研究（音楽学、音楽民族誌、音楽美学を参照）、批評（音楽批評を参照）、人材育成、組織的リーダーシップなど、およびそれらに対応する機関、この活動の主題および生成された価値それによって、創造性、パフォーマンス、知覚がシステム、つまりミューズを形成します。 社会の文化。 発達した音楽文化では、創造性は多くの交差する品種によって表されます。 兆候。

1) コンテンツのタイプ別: M. 叙情的、叙事詩的、劇的、英雄的、悲劇的、ユーモラスなど。 別の側面では、真面目な音楽と軽い音楽です。

2) 演奏目的: 声楽と器楽; 別の側面で – ソロ、アンサンブル、オーケストラ、合唱、混合 (たとえば、シンフォニー オーケストラ、室内オーケストラ、ジャズなどの構成をさらに明確にすることができます)。

3) 他のタイプの芸術や言葉との統合による: M. 演劇 (演劇音楽を参照)、振り付け (ダンス音楽を参照)、プログラム インストゥルメンタル、メロドラマ (音楽への朗読)、言葉によるボーカル。 M. 合成の外 – 発声 (言葉なしで歌う) と「純粋な」器楽 (プログラムなし)。

4) 重要な機能によると、応用音楽 (その後、生産音楽、軍事音楽、信号音楽、娯楽音楽などに区別される) と非応用音楽。

5) サウンド条件によると: M. 特別なリスニング用。 リスナーがパフォーマーから分離された環境（G.ベッセラーによると「提示された」M.）、およびM.は大規模なパフォーマンスと通常の生活状況でのリスニング（「日常の」M.）。 次に、最初のものは壮観とコンサートに分けられ、XNUMX番目は大衆的で儀式的なものに分けられます。 これら XNUMX つの品種 (ジャンル グループ) のそれぞれは、さらに区別することができます。 劇場、ドラマ劇場、映画 (映画音楽を参照)、コンサート – 交響曲、室内楽、ポップ ミュージック。 音楽、ミサ - 毎日 - 歌と動きのための M. で、儀式 - M. カルトの儀式 (教会音楽を参照) と世俗。 最後に、大規模な日常音楽の両方の領域内で、同じ基準で、重要な機能、歌のジャンル（国歌、子守唄、セレナーデ、バルカロールなど）、ダンスのジャンル（ホパック、ワルツ、ポロネーズなど）. ）および行進（戦闘行進、葬式行進など）。

6) 作曲と音楽の種類別。 言語（実行手段と一緒に）：さまざまな一部または循環。 音の状態によって識別される品種（ジャンル群）内のジャンル。 たとえば、壮観な M. – オペラ、バレエ、オペレッタなど、コンサート – オラトリオ、カンタータ、ロマンス、交響曲、組曲、序曲、詩、インストなど。 協奏曲、ソロソナタ、トリオ、カルテットなど、儀式用の賛美歌、コラール、ミサ曲、レクイエムなど。順番に、これらのジャンル内で、より部分的なジャンルユニットを同じ基準に従って区別できますが、異なる基準で区別できます。レベル: たとえば、アリア、アンサンブル、オペラの合唱、オペレッタ、オラトリオ、カンタータ、バレエのアダージョとソロのバリエーション、交響曲のアンダンテとスケルツォ、ソナタ、室内楽。 アンサンブルなど。重要な機能、パフォーマンスの状況、構造のタイプなどの安定した非音楽的および音楽内の要因との関係により、ジャンル（およびジャンルグループ）も優れた安定性、耐久性を持ち、時には数年間持続します。 エポック。 同時に、特定のコンテンツ領域とミューズの特定の機能がそれぞれに割り当てられます。 フォーム。 しかし、一般的な歴史的環境の変化と社会におけるM.の機能の条件に伴い、ジャンルも進化します。 それらのいくつかは変化し、他のものは消えて新しいものに道を譲ります。 （特に、20世紀には、ラジオ、映画、テレビ、およびその他のメディア普及の技術的手段の開発が、新しいジャンルの形成に貢献しました。） その結果、各時代とナット。 音楽文化の特徴は、その「ジャンルファンド」にあります。

7) スタイル別 (歴史的、国家的、グループ的、個人的)。 ジャンルと同様に、スタイルは多数のミューズを網羅する一般的な概念です。 特定の点で類似している現象（それらに具現化された音楽的思考のタイプに応じてch。arr。）。 同時に、スタイルは、原則として、ジャンルよりもはるかにモバイルであり、変更可能です。 ジャンル カテゴリがミューズの共通性を反映している場合。 異なるスタイルと時代に属する同じタイプの作品、次にスタイルのカテゴリ – 同じ時代に属する異なるジャンルの作品のコミュニティ。 言い換えれば、このジャンルは音楽史の一般化をもたらします。 プロセスは順番に、ダイアクロニーに、そしてスタイルに - 同時に、シンクロニーに。

演奏は、創造性と同様に、声楽と器楽に分けられ、さらに楽器とアンサンブルやオーケストラの構成に応じて分けられます。 ジャンル別（音楽劇、コンサートなど）、時にはサブグループ別（交響曲、室内楽、ポップス）やOTD別。 ジャンル（オペラ、バレエ、歌など）; スタイル別。

知覚は、集中の程度に応じてさまざまな種類に分類されます（「自己知覚」—自分自身のパフォーマンスに含まれる、「集中」知覚—完全に知覚媒体に集中し、他の活動を伴わない「随行」—CL 活動を伴う）。 ); XNUMX つまたは別のタイプの M. コンテンツ (深刻な M. またはライト)、特定のジャンル グループ、または別のグループに対するリスナーの方向性に応じて。 特定のスタイルのジャンル (曲など)。 特定のジャンルとスタイル（熟練、アマチュア、無能）のMを理解し、適切に評価する能力によって。 これに応じて、リスナーのレイヤーとグループへの分割があり、最終的には社会的要因である音楽によって決定されます。 特定の社会での育成。 環境、彼女の要求と好みの同化、M に対する彼女の通常の認識状況など (音楽教育、音楽教育を参照)。 心理学的に応じた知覚の差別化によっても、特定の役割が果たされます。 兆候（分析性または合成性、合理的または感情的な始まりの優位性、XNUMXつまたは別の態度、M.および芸術全般に関する期待のシステム）。

M. は重要な社会的機能を果たします。 社会の多様なニーズに応え、XNUMX月に接触。 人々のタイプ。 活動 – 物質的（労働プロセスおよび関連する儀式への参加）、認知的および評価的（個人と社会集団の両方の心理学の反映、彼らのイデオロギーの表現）、精神的および変革的（イデオロギー的、倫理的、美的影響）、コミュニケーション的（コミュニケーション人の間）。 特に大きな社会。 人の精神的教育、信念の形成、道徳の手段としてのM.の役割。 資質、美的嗜好と理想、感情の発達。 敏感さ、優しさ、美意識、創造力の刺激。 人生のあらゆる分野での能力。 M. のこれらすべての社会的機能は、社会的歴史に応じて変化するシステムを形成します。 条件。

音楽史。 19世紀のM.の起源について。 そして 20 世紀初頭には、M. の起源が感情的に興奮したスピーチのイントネーション (G. スペンサー)、鳥のさえずり、動物の愛情深い鳴き声 (C. ダーウィン) であるという仮説が提唱されました。原始人の作品（K. Bucher）、彼らの音の合図（K. Stumpf）、魔法。 呪文（J. Combarier）。 考古学に基づく現代唯物科学によると。 民俗学的データによると、原始社会では、実際の内部でMが徐々に「成熟」する長いプロセスがありました。 人々の活動とそこからまだ出現していない原始的なシンクレティック。 複合体 - M.、ダンス、詩、その他の種類の芸術の胚を宿し、コミュニケーション、共同作業の組織化、儀式プロセス、および精神的な資質を教育するための参加者への感情的な影響の目的に役立つプレアート。チームに必要。 最初は混沌とした、まとまりのない、無数の高さの多数の音（鳥の鳴き声の模倣、動物の遠吠えなど）の幅広い連続をカバーしていましたが、ほんの数曲からなる曲や曲に置き換えられました。 論理的に区別されたトーン。 値を参照 (安定) と側面 (不安定) に入れます。 旋律とリズムの複数回の反復。 社会に定着した公式。 練習は、論理の可能性の段階的な認識と同化につながりました。 音の編成。 最も単純な音楽サウンドシステムが形成されました（楽器はそれらの統合において重要な役割を果たしました）、メーターとモードの基本的なタイプ。 これは、潜在的な表現の最初の認識に貢献しました。 トーンとその組み合わせの可能性。

アートのとき、原始共同体（部族）システムの分解の期間中。 活動は徐々に実用的なものから分離され、融合します。 プレアートコンプレックスは徐々に崩壊し、アートも独立した存在として誕生しています。 主張の種類。 この時代に関連するさまざまな人々の神話では、M. 自然に影響を与え、野生動物を飼いならし、病気から人を癒すことができる強力な力として記録されています. 分業の拡大と階級の出現により、最初は単一で均質な音楽でした。 社会全体に属する文化は、支配階級の文化と抑圧された人々（人々）の文化、そしてプロと非プロ（アマチュア）の文化に分けられます。 この頃から独立を始める。 音楽の存在。 民俗専門外訴訟としての民間伝承。 ミューズ。 大衆の創造性は、将来、ミューズたちの基盤となるでしょう。 社会全体の文化であり、イメージと表現の最も豊かな源です。 教授のための資金。 作曲家。

ミューズ。 奴隷制と初期の確執の文化。 古代世界の州（エジプト、シュメール、アッシリア、バビロン、シリア、パレスチナ、インド、中国、ギリシャ、ローマ、トランスコーカシアと中央アジアの州）は、教授の広範な活動によってすでに特徴付けられています。 ミュージシャン（通常は作曲家とパフォーマーを組み合わせたもの）は、寺院、支配者や貴族の裁判所で奉仕し、大規模な儀式や社会に参加しました。 お祭りなど。M.はChを保持しています。 到着原始社会から継承され、それに直接関連する実用的な物質的および精神的機能。 仕事、日常生活、軍事生活、市民的および宗教的儀式、若者の教育などへの参加。しかし、初めて、美学の分離が概説されています。 関数を使用すると、リスニングのみを目的とした音楽の最初のサンプルが表示されます (たとえば、ミュージシャンのコンクールでギリシャで演奏されたチャントやインストゥルメントプレイ)。 色々展開中。 歌（叙事詩と歌詞）とダンス。 多くのジャンルでは、詩、歌、踊りが元の統一性を保っています。 M. は劇場で大きな役割を果たしています。 特にギリシャ語での表現。 悲劇（アイスキュロス、ソフォクレス、エウリピデスは劇作家であるだけでなく、ミュージシャンでもありました）。 さまざまなミューズが改良され、安定したフォームとビルドを獲得しています。 楽器（ハープ、竪琴、古い管楽器、打楽器を含む）。 M. の最初の書記体系 (楔形文字、象形文字、またはアルファベット) が出現しますが、支配的です。 その保存と普及の形式は口頭のままです。 最初の音楽美学が登場。 そして理論的な教えとシステム。 古代の多くの哲学者がMについて書いています（中国では孔子、ギリシャではピタゴラス、ヘラクレイトス、デモクリトス、プラトン、アリストテレス、アリストクセヌス、ローマではルクレティウス・カルス）。 M. は、実際にも理論的にも、科学、工芸、宗教に近い活動と見なされています。 世界の「モデル」として、その法則の知識に貢献し、自然（魔法）と人間に影響を与える最強の手段（市民的資質の形成、道徳教育、癒しなど）としてのカルト。 この点で、さまざまなタイプの M の使用に関する厳格な公的な (国によっては州でさえも) 規制が確立されています (個々のモードまで)。

ヨーロッパの中世の時代には、ミューズがいます。 新しいタイプの文化 – 封建的、団結する教授。 アート、アマチュア音楽、フォークロア。 教会は霊的生活のすべての分野で支配的であるため、教授の基礎。 音楽芸術は、寺院や修道院での音楽家の活動です。 世俗的な教授。 芸術は、最初は叙事詩を作成して実行する歌手によってのみ表されます。 裁判所、貴族の家、戦士などの間の伝説（吟遊詩人、スカルドなど）。 時間が経つにつれて、騎士道音楽制作のアマチュアとセミプロの形式が発展しました。 -13 世紀) だけでなく、山。 職人。 確執で。 城や都市は、あらゆる種類のジャンル、ジャンル、歌の形式（叙事詩、「夜明け」、ロンド、ル、ヴィルレ、バラード、カンツォーネ、ラウダなど）を育成しました。 新しいミューズが生まれます。 ツール、税込。 東から来た人々（ヴィオラ、リュートなど）、アンサンブル（不安定な構成）が発生します。 民俗学は農民の間で栄えます。 「民間の専門家」もいます：ストーリーテラー、放浪する合成物。 アーティスト（ジャグラー、パントマイム、ミンストレル、シュピルマン、バフーン）。 M. は再び Ch. を実行します。 到着適用され、精神的に実践的です。 機能。 創造性は、パフォーマンス（原則として、一人で）および知覚と一致して機能します。 集団性は、質量の内容とその形の両方で支配的です。 個人の始まりは、目立たずに一般に服従します（ミュージシャンマスターはコミュニティの最良の代表です）。 厳格な伝統主義と正統性が全体を支配しています。 伝統と標準の統合、保存、普及（そしてそれらの漸進的な更新も）は、旋律の性質を大まかに示しただけのネウマからの移行によって促進されました。 音のピッチと持続時間を正確に修正することを可能にしました。

音楽の内容、ジャンル、形式、表現手段は、ゆっくりではありますが、少しずつ豊かになっていきます。 ザップで。 6～7世紀のヨーロッパ。 厳密に規制されたモノフォニック（モノディック、モノフォニック、モノディを参照）教会のシステムが形になりつつあります。 M.ダイアトニックに基づいています。 フレット (グレゴリオ聖歌)、朗読 (詩篇) と歌唱 (賛美歌) の組み合わせ。 1千年紀と2千年紀の変わり目に、ポリフォニーが生まれます。 新しいウォックが形成されています。 (合唱) と wok.-instr. (聖歌隊とオルガン) ジャンル: オルガナム、モテット、指揮、そしてミサ。 12世紀のフランス。 最初の作曲家（創造的）学校は、ノートルダム大聖堂（レオニン、ペロティン）で結成されました。 教授のルネッサンス（フランスとイタリアのアルスノバスタイル、14世紀）の変わり目に。 M.モノフォニーはポリフォニーに取って代わられ、M.は純粋に実用的なものから徐々に解放され始めます。 機能（教会の儀式に役立つ）、それは世俗的なジャンルの重要性を高めます。 歌（ギヨーム・ド・マショー）。

ボストで。 ヨーロッパとトランスコーカシア（アルメニア、ジョージア）は独自のミューズを開発しています。 モード、ジャンル、フォームの独立したシステムを持つ文化。 ビザンチウム、ブルガリア、キエフ大公国、後のノヴゴロドでは、カルトのズナメニーの歌が盛んです (ズナメニーの聖歌を参照)、osn. ダイアトニックシステムについて。 声、純粋な中華なべにのみ限定。 ジャンル（トロパリア、スティケラ、賛美歌など）と特別な記譜法（フック）を使用しています。

同時に、東部（アラブのカリフ、中央アジアの国々、イラン、インド、中国、日本）では、封建的なミューズが形成されていました。 特殊な文化。 その兆候は、世俗的なプロフェッショナリズム（宮廷と民俗の両方）の広範な普及、名人の性格の獲得、口頭の伝統とモノディックへの制限です。 しかし、メロディーとリズムに関して非常に洗練された形に達し、非常に安定した国内および国際的なミューズのシステムが作成されました。 厳密に定義されたものを組み合わせて考えます。 モードの種類、ジャンル、イントネーション、および構成構造 (mugams、makams、ragi など)。

西洋のルネサンス期 (14 ～ 16 世紀)。 そしてセンター、ヨーロッパの封建音楽。 文化はブルジョア的なものに変わり始めます。 世俗芸術は、ヒューマニズムのイデオロギーに基づいて栄えます。 M. 手段で。 学位は必須の実技から免除されます。 行き先。 その美学がますます前面に出てきています。 知っている。 機能、人々の行動を管理するだけでなく、内部を反映する手段として機能する能力。 人間の世界とそれを取り巻く現実。 M. では、個々の始まりが割り当てられます。 彼女は伝統的なカノンの力からより大きな自由を手に入れます。 事業所。 知覚は創造性とパフォーマンスから徐々に分離され、聴衆は独立したものとして形成されます。 音楽コンポーネント。 文化。 ブルーミングインストゥルメントアマチュアらしさ（リュート）。 家庭用中華なべは、最も幅広い開発を受けています。 音楽を演奏する（市民の家、音楽愛好家のサークルで）。 彼のために単純な多角形が作成されます。 歌 – villanella と frottola (イタリア)、chansons (フランス)、さらに演奏するのがより難しく、スタイルが洗練されていることが多い (半音階の特徴がある) 4 または 5 ゴール. マドリガル (ルカ・マレンツィオ、カルロ・ジェズアルド・ディ・ヴェノーザ) ペトラルカ、アリオスト、タッソの詩に。 ドイツではセミプロのミュージシャンが活躍しています。 町民と職人の協会 – マスターシンガーのワークショップが数多くあります。 歌（ハンス・ザックス）。 大衆社会のアンセム、nat. および宗教運動: フス派の賛美歌 (チェコ共和国)、ルター派の聖歌 (ドイツにおける 16 世紀の宗教改革と農民戦争)、ユグノーの詩篇 (フランス)。

教授で。 M. は最高のコーラスに達します。 アカペラのポリフォニー (「厳密なスタイル」のポリフォニー) は、純粋に全音階です。 マス、モテット、または世俗的なポリゴンのジャンルの倉庫。 複雑な模倣を巧みに使用した曲。 フォーム（カノン）。 主な作曲家学校: フランコ フランドル派またはオランダ派 (ギヨーム デュファイ、ヨハヤネス オケゲム、ヤコブ オブレヒト、ジョスカン デプレ、オーランド ディ ラッソ)、ローマ派 (パレストリーナ)、ヴェネツィア派 (アンドレアとジョヴァンニ ガブリエリ)。 合唱団の主要なマスターは前進しています。 ポーランド（ShamotulのVaclav、Mikolaj Gomulka）、チェコ共和国での創造性。 同時に、初めて独立インストルメントを取得します。 M.、群れでも模倣を開発します。 ポリフォニー (オルガン前奏曲、リサーカー、ベネチアン A. と G. ガブリエリによるカンツォーネ、スペインの作曲家アントニオ カベソンによる変奏曲)。 科学が復活。 M. について考えると、新しい手段が作成されます。 音楽理論。 論文 (スイスの Glarean、イタリアの G. Tsarlino と V. Galilei など)。

ロシアでは、モンタットから解放された後。 くびきの花 M.、教授。 M. はズナメニーの歌の高度な発達に達し、創造性を発揮します。 傑出した作曲家たちの活動―「歌手」（フョードル・クレスチャニン）、独自のポリフォニー（「三線」）が生まれ、主要なミューズが活躍。 集団（「ソブリンの歌の店員」の合唱団、16世紀）。

ミューズからヨーロッパへの移行のプロセス。 ブルジョアへの封建型の文化は17世紀に続いています。 そして1階。 18世紀世俗的なM.の一般的な支配が最終的に決定されました（ただし、ドイツや他のいくつかの国では、教会M.は非常に重要なままです）。 そのコンテンツは、幅広いトピックと画像をカバーしています。 哲学的、歴史的、現代的、市民的。 貴族で音楽を演奏するとともに。 サロンや貴族の邸宅、「第1709の不動産」の代表者の家、およびアカウント。 機関（大学）は集中的に公開されています。 ミュージックライフ。 その囲炉裏は永遠のミューズです。 オープンな性質の機関：オペラハウス、フィルハーモニー。 (コンサート) about-va. ビオラはモダンに置き換えられています。 最初のピアノフォルテが作成された (15 年、B. クリストフォリ、イタリアのクレモナ出身)。 ）。 楽譜の印刷 (18 世紀の終わりに始まった) が発展しています。 音楽が広がります。 教育（イタリアの音楽院）。 ミューズから。 科学は批判を際立たせる (I. マテソン、ドイツ、XNUMX 世紀初頭)。

作曲家の創造性の発展において、この時期はそのような芸術の交差する影響によって特徴づけられました。 バロック (イタリアとドイツの楽器とコーラス M.)、古典主義 (イタリアとフランスのオペラ)、ロココ (フランスの楽器 M.) などのスタイル、および以前に確立されたジャンル、スタイル、形式から新しいものへの段階的な移行、支配を維持する. 現在に至るまで、ヨーロッパMでの地位。 記念碑的なジャンルの中で、次に宗教に対する「パッション」（情熱）が存在し続けています。 テーマとミサ、オペラとオラトリオがすぐに前面に出てきます。 カンタータ（ソロと合唱）、インストルメント。 コンサート（ソロとオーケストラ）、室内楽。 アンサンブル（トリオなど）、インストゥルメント付きのソロ曲。 護衛; スイートは、毎日のダンスを組み合わせた新しい外観（その多様性はパルティータです）を採用しています。 時代の終わりに、近代の形成。 交響曲とソナタ、そして独立したバレエ。 ジャンル。 同じモード（メジャーとマイナー）に基づいて、クロマティズムを広く使用して、ピークに達する「フリースタイル」の模倣ポリフォニーと並行して、ポリフォニーの内部と毎日のダンス、肯定されます。 M.、ホモフォニックハーモニック。 倉庫（上の声が主声で、残りはコード伴奏です。ホモフォニーを参照）、ハーモニーが結晶化します。 機能とそれらに基づく新しいタイプのメロディー、デジタルベース、または一般的なベースの練習が広く普及しています（オルガン、ハープシコードまたはリュートの演奏者によるハーモニー伴奏のハーモニー伴奏または書かれた低い声に基づくレチタティーボ）作曲家によるアウト – ハーモニーの条件付きデジタル記譜法によるベース) . ポリフォニックな形式 (パッサカリア、シャコンヌ、フーガ) と同時に、いくつかのホモフォニックな形式 (ロンド、古いソナタ) を追加します。

現時点で国際連合（イタリア、フランス、イギリス、一部ドイツ）の形成プロセスが行われている（または終了している）国では、高度に発達した国民。 音楽文化。 その中には支配者がいます。 役割はイタリア人によって保持されます。 オペラが生まれたのはイタリアであり（フィレンツェ、16 世紀から 17 世紀にかけて）、最初のクラシック オペラが作成されました。 この新しいジャンルの例（1世紀前半、ベネチアンスクール、C.モンテヴェルディ）、その安定した品種が形成され、ヨーロッパ全体に広がりました：深刻なオペラ、またはオペラセリア、英雄。 そして悲劇的。 キャラクター、神話について。 歴史的な筋書き (17 世紀後半、ナポリ派、A. スカルラッティ)、日常的な題材を題材にした喜劇、またはオペラ ブッファ (2 世紀前半、ナポリ派、G. ペルゴレージ)。 同じ国で、オラトリオ（17）とカンタータが登場しました（両方のジャンルの優れた例は、G.カリシミとA.ストラデッラによるものです）。 ついに全盛期の愛の根底に。 と濃度。 パフォーマンス (最大のヴァイオリンの巨匠 – J. ヴィタリ、A. コレッリ、J. タルティーニ) は、集中的に楽器を開発および更新しています。 M .: オルガン (1 世紀前半、G. フレスコバルディ)、オーケストラ、アンサンブル、弦楽器のソロ。 ツール。 18階にあります。 1600 - お願いします。 1世紀の協奏曲（コレッリ、ヴィヴァルディ）と独奏楽器のジャンル。 協奏曲（ヴィヴァルディ、タルティーニ）、変奏曲（「教会」と「室内楽」）、トリオ・ソナタ（17本の弦楽器または管楽器とクラヴィーアまたはオルガンのための – ヴィターリによる）、ソロ・ソナタ（ヴァイオリンのための、または独奏ヴァイオリンとクラヴィーアのための – コレッリによる）、 D.スカルラッティのクラヴィーアのためのタルティーニ）。

フランスには、特別な国民性があります。 ジャンル op. 音楽t-raの場合：「歌詞。 悲劇」（記念碑的なタイプのオペラ）とオペラ・バレエ（J. B. Lully、J。 F. Rameau)、コメディ・バレエ (Lully と Moliere のコラボレーション)。 傑出したハープシコード奏者 - 作曲家と演奏家 (17 世紀後半 - 18 世紀初頭、F. Couperin、Rameau)—ロンド形式 (しばしばプログラム的な性質の演劇) とバリエーションを開発した人物が前面に出ました。 16 世紀から 17 世紀にかけてのイギリスでは、シェイクスピアの時代に、ヨーロッパで最初のピアノ音楽の作曲家グループ、処女主義者 (W. バードと J. ブル）。 M. シェイクスピア劇場で大きな位置を占めています。 2階にあります。 nat の 17 世紀の傑出した例。 オペラ、合唱、オルガン、室内楽 そしてクラビエM. (G. パーセル）。 1階にあります。 18 世紀の創造性が英国で展開されています。 Gの活動。 F. ヘンデル（オラトリオ、オペラ・セリア）も同時に。 国民的コミックジャンルの誕生。 オペラ – バラードオペラ。 17世紀のドイツでは、オリジナルのオラトリオ作品（「情熱」など）と祖国の最初の例が登場します。 オペラとバレエ（G. Schutz)、繁栄する組織。 アート（D. ブクステフーデ、I. フロバーガー、I. パッヘルベル）。 1階にあります。 18世紀という意味。 製品。 多くのジャンル（「パッション」、他のオラトリオのジャンル、カンタータ、ファンタジー、プレリュード、フーガ、オルガンとクラヴィーアのためのソナタ、クラヴィーアのための組曲、オーケストラと別の楽器のための協奏曲など）で、J. S. バッハ 、その作品はヨーロッパのすべての以前の開発の結果であり頂点でした。 ポリフォニーとすべての M. バロック。 スペインでは、独自の音楽劇場が生まれています。 口語的な対話を伴うオペラ タイプのジャンル: zarzuela (劇的なコンテンツ)、tonadilla (コミック)。 ロシアでは、カルト音楽のポリフォニーが増加している (17 世紀後半から 18 世紀前半のパートの歌唱 - V. チトフとN. カラチニコフ）。 同時に、ピョートル XNUMX 世の改革の時代に、世俗的なプロの音楽が生まれ（パネジリック カンテ）、都市の日常音楽の発展が活性化されました（叙情的なカンテ、詩篇）。 ヨーロッパのM. 2階。 18 世紀から 19 世紀初頭にかけて、啓蒙思想、そして偉大なフランスの思想の影響を受けて進みます。 革命は、新しい大衆の日常音楽（行進、マルセイエーズを含む英雄的な歌、大衆の祭り、革命的な儀式）を生み出しただけでなく、他の音楽にも直接的または間接的な反応を見出しました。 ジャンル。 バロック、「勇敢なスタイル」（ロココ）、高貴な古典主義は、ブルジョアの支配的な場所に取って代わります。 (啓蒙) 理性の考え方、人々の平等、社会への奉仕、高い倫理的理想を肯定する古典主義。 フランスでは、これらの願望の最高の表現は、Kのオペラ作品でした. Gluck、オーストリア・ドイツ語 - ウィーンの古典派J. ハイドン、W. A. モーツァルトとL.

起こることを意味します。 すべての分野で進歩しています。 M. グラックとモーツァルトは、それぞれ独自の方法でオペラのジャンルを改革し、貴族の硬直した慣習を克服しようとしています。 「真面目な」オペラ。 さまざまな国で、互いに近い民主主義が急速に発展しています。 ジャンル: オペラ ブッファ (イタリア – D. Cimarosa)、コミック。 オペラ (フランス – JJ Rousseau、P. Monsigny、A. Gretry; ロシア – VA Pashkevich、EI Fomin)、Singspiel (オーストリア – ハイドン、モーツァルト、K. Dittersdorf)。 フランス大革命の間、英雄的な「救いのオペラ」が登場します。 そしてメロドラマ。 プロット (フランス – L. ケルビーニ、JF Lesueur; オーストリア – ベートーベンのフィデリオ)。 独立して独立。 バレエのジャンル (グルック、ベートーベン)。 ハイドン、モーツァルト、ベートーベンの作品に定着し、クラシックを受けています。 現代における交響曲のジャンルの具現化。 理解（4部サイクル）。 それ以前は、交響曲の作成（および現代型の交響楽団の最終的な形成）において、チェコ語（J. Stamitz）とドイツ語が重要な役割を果たしていました。 マンハイム（ドイツ）で活躍したミュージシャン。 並行して、古典的な大きなソナタ タイプと室内管楽器。 アンサンブル（トリオ、カルテット、クインテット）。 ソナタ・アレグロの形式が開発されており、新しい弁証法的形式が形成されています。 音楽的思考の方法は交響曲であり、ベートーベンの作品でピークに達しました。

M.スラブ人（ロシア、ポーランド、チェコ共和国）では、中華鍋の開発が続いています。 ジャンル (聖歌隊。ロシアでのコンサート – MS ベレゾフスキー、DS ボルトニャンスキー、日常のロマンス)、最初の祖国が登場します。 オペラ、ナットの作成のための地面が準備されています。 音楽の古典。 ヨーロッパ全土。 教授M.ポリフォニック。 スタイルはほとんどホモフォニックハーモニックのものに置き換えられます。 調和の機能システムが最終的に形成され、統合されます。

19 世紀、ほとんどのヨーロッパ諸国と北部で。 アメリカはミューズの教育を完了します。 文化「古典」。 ブルジョアタイプ。 このプロセスは、すべての社会の積極的な民主化を背景に、またその影響下で行われます。 そして音楽。 封建制から継承された階級の壁を克服し、生活を守ります。 貴族のサロン、裁判所の劇場、礼拝堂から、小さなコンク。 特権的な大衆の閉ざされたサークルを対象としたホールであるM.は、民主的なアクセスに開かれた広大な敷地（さらには広場）に入ります。 リスナー。 多くの新しいミューズがいます。 劇場、コンク。 機関、啓発します。 組織、音楽出版社、音楽。 うーん。 機関（プラハ、ワルシャワ、ウィーン、ロンドン、マドリッド、ブダペスト、ライプツィヒ、サンクトペテルブルク、モスクワなどの音楽院を含む。18世紀の終わりにはパリに音楽院が設立された）。 ミューズ登場。 雑誌と新聞。 パフォーマンスのプロセスは、独立したものとして最終的に創造性から切り離されます。 膨大な数のアンサンブルとソリストに代表されるタイプの音楽活動 (19 世紀と 20 世紀初頭の最も優れた演奏者: ピアニスト – F. リスト、X. ビューロー、AG および NG ルビンシュタイン、SV ラフマニノフ; バイオリニスト) – N. パガニーニ、A. ヴィートン、J. ヨアヒム、F. クライスラー; 歌手 – G. ルビーニ、E. カルーソ、FI シャリアピン; チェロ奏者 P. カザルス、指揮者 – A. ニキシュ、A. トスカニーニ)。 区切りの教授。 パフォーマンスを備えた創造性と大勢の聴衆へのアピールが、彼らの急速な発展に貢献しています。 同時に、各ナットの成層化。 適切なブルジョアと民主主義への文化。 音楽の商品化が進んでいます。 プログレッシブミュージシャンが戦っている人生。 M. は、社会的および政治的にますます重要な位置を占めています。 生活。 一般民主主義、そして労働者革命が発展する。 歌。 その最高のサンプル (「国際」、「赤い旗」、「Varshavyanka」) は国際によって取得されます。 意味。 以前に形成された nat の隣。 ロシア語 (MI グリンカによって設立された)、ポーランド語 (F. ショパン、S. モニウスツコ)、チェコ語 (B. スメタナ、A. ドヴォルザーク)、ハンガリー語 (F. エルケル、F. リスト) など、新しいタイプの若い作曲家学校が栄えています。 、ノルウェー語（E. グリーグ）、スペイン語（I. アルベニス、E. グラナドス）。

ヨーロッパの多くの作曲家の作品で。 前半の国。 1 世紀のロマン主義が肯定される (ドイツ語とオーストリア語の M. – ETA Hoffmann、KM Weber、F. Schubert、F. Mendelssohn、R. Schumann、フランス語 – G. Berlioz、ハンガリー語 – リスト、ポーランド語 – ショパン、ロシア語 – AA Alyabiev、ANヴェルストフスキー）。 M.の特徴（古典主義と比較して）：個人の感情世界への関心の高まり、歌詞の個性化と脚色化、個人と社会の間の不和、理想と現実の間の不和のテーマの促進、および魅力歴史へ。 (ミッドセンチュリー)、民俗伝説と民俗日常のシーンと自然の写真、国家、歴史への関心。 反映された現実の地理的オリジナリティ、さまざまな民族の歌に基づく国民性のより具体的な具現化、ボーカルの役割の強化、歌の始まり、カラフルさ（ハーモニーとオーケストレーション）、より自由な解釈伝統の。 ジャンルと形式、そして新しいもの（交響詩）の作成、M. と他の芸術との多様な統合への欲求。 プログラムされた音楽が開発されています（民話、文学、絵画などの筋書きとテーマに基づいて）、instr。 ミニチュア（プレリュード、音楽の瞬間、即興など）と、プログラムによるミニチュア、ロマンス、チャンバーウォックのサイクル。 伝説的で歴史的な装飾的なタイプのサイクル、「グランドオペラ」。 テーマ（フランス – J. Meyerbeer）。 イタリアでは、オペラ ブッファ (G. ロッシーニ) が頂点に達します。 さまざまなロマンチックなオペラ (叙情的 – V. ベッリーニ、G. ドニゼッティ; 英雄的 – 初期の G. ヴェルディ)。 ロシアは独自の国民的音楽の古典を形成し、世界的な重要性を獲得し、独自のタイプの民俗歴史が形成されています。 そして叙事詩。 交響曲だけでなくオペラも。 二段ベッドのM。 テーマ（グリンカ）、ロマンスのジャンルは高度な開発レベルに達し、心理的特徴が徐々に成熟します。 そして日常のリアリズム（AS Dargomyzhsky）。

すべての R. と 2 階。 19 世紀の一部の西ヨーロッパの作曲家はロマン派を続けています。 オペラ（R. ワーグナー）、交響曲（A. ブルックナー、ドヴォルザーク）、ソフトウェア指導者。 M. (リスト、グリーグ)、歌 (X. ヴォルフ)、またはロマン主義と古典主義 (I. ブラームス) の文体の原則を組み合わせようとする。 ロマンチックな伝統に触れ続ける、オリジナルの方法はイタリア語です。 オペラ（その頂点はヴェルディの作品）、フランス語。 オペラ (Ch. グノー、J. ヴィーゼ、J. マスネ) とバレエ (L. ドリーベス)、ポーランドとチェコのオペラ (モニウスコ、スメタナ)。 西ヨーロッパの多くの作品で。 作曲家（ヴェルディ、ビゼー、ヴォルフなど）、リアリズムの傾向が強まっています。 それらは、イデオロギー的に民主主義と結びついているこの時期のロシアのM. に特に明確かつ広く現れています。 社会。 運動と高度な文学（故ダルゴミシュスキー。マイティ・ハンドフルの作曲者は、MA バラキレフ、AP ボロディン、MP ムソルグスキー、NA リムスキー＝コルサコフ、Ts. A. Cui、PI チャイコフスキー）。 ロシアのナールに基づいています。 歌だけでなく、M. East rus。 作曲家（ムソルグスキー、ボロディン、リムスキー=コルサコフ）は、新しいメロディックでリズミカルなものを開発しています。 そしてハーモニー。 ヨーロッパを大幅に豊かにする資金。 フレットシステム。

Serから。 ザップの19世紀。 ヨーロッパでは、新しいミュージカル劇場が形成されています。 ジャンル – オペレッタ (フランス – F. Herve、J. Offenbach、Ch. Lecoq、R. Plunket; オーストリア – F. Suppe、K. Millöker、J. Strauss-son、後に Hung. 作曲家、「新ウィーンの代表者」 」 F.レガーとI.カルマンの学校）。 教授で。 創造性はそれ自体で際立っています。 「光」（毎日のダンス）M.（I. Strauss-son、E. Waldteuffelによるワルツ、ポルカ、ギャロップ）のライン。 エンターテインメントシーンが誕生。 M. は独立しています。 音楽業界。 生活。

コンで。 ヨーロッパの19世紀と20世紀初頭 資本主義の最高で最後の段階としての帝国主義の始まりに対応して、移行期がモスクワで始まります。 この期間は、多くの前任者の危機によって特徴付けられます。 イデオロギーと文体の傾向。

確立された伝統は大幅に改訂され、頻繁に更新されます。 一般的な「精神的気候」の変化に関連して、新しい方法とスタイルが出現しています。 音楽リソースは拡大しています。 表現力、鋭く洗練された現実の認識を伝えることができる手段の集中的な検索があります。 同時に、個人主義や美学の傾向が強まり、多くの場合、大きな社会的テーマ（モダニズム）が失われる危険性があります。 ドイツとオーストリアでは、ロマンチックな線が終わります。 交響曲（G.マーラー、R.シュトラウス）と音楽が生まれる。 表現主義（A.シェーンベルク）。 フランスでは印象派 (C. ドビュッシー、M. ラヴェル)、イタリアではヴェリズモ (P. マスカーニ、R. レオンカヴァッロ、そしてある程度は G. プッチーニによるオペラ) など、他の新しい傾向も生まれました。 ロシアでは、「クチキスト」とチャイコフスキー (SI タネーエフ、AK グラズノフ、AK リャドフ、SV ラフマニノフ) からの路線が継続し、同時に部分的に発展しています。 新しい現象も発生します。一種の音楽です。 象徴主義（AN Skryabin）、narの近代化。 素晴らしさと「野蛮な」古代（初期のIF StravinskyとSS Prokofiev）。 ウクライナ（NV Lysenko、ND Leontovich）、グルジア（ZP Paliashvili）、アルメニア（Komitas、AA Spendiarov）、アゼルバイジャン（U. Gadzhibekov）、エストニア（A. Kapp）、ラトビア（J. Vitol)、リトアニア (M. Čiurlionis)、フィンランド (J. Sibelius)。

古典的なヨーロッパの音楽システム。 メジャーとマイナーの機能的調和に基づく思考は、多くの作曲家の作品で大きな変化を遂げています。 出発地著者は、調性の原則を維持し、自然（ダイアトニック）および人工モード（ドビュッシー、ストラヴィンスキー）を使用してベースを拡張し、豊富な変更（スクリャービン）で飽和させます。 他の人は一般的にこの原則を放棄し、無調音楽に移行します (Schoenberg, American C. Ive)。 高調波接続の弱体化は、理論的な復活を刺激しました。 ポリフォニーへの創造的関心 (ロシア – タネーエフ、ドイツ – M. レーガー)。

1917年から18年にかけてのブルジョア音楽。 文化はその歴史の新しい時代に入りました。 その発展は、何百万人もの人々が政治に関与するなどの社会的要因に強く影響されます。 そして社会。 生命、大衆の強力な成長が解放されます。 運動、ブルジョア、新しい社会とは対照的に、多くの国での出現。 システム – 社会主義者。 意味。 現代におけるMの運命への影響。 ブルジョア社会も急速な科学技術を持っていました。 映画、ラジオ、テレビ、録音など、新しいマスメディアの出現につながりました。 その結果、形而上学は世界的に広がり、社会のすべての「穴」に浸透しました。 マスメディアの助けを借りて、何億もの人々の生活に根付いています。 リスナーの膨大な新しい派遣団がそれに加わりました。 社会の構成員の意識、すべての行動に影響を与えるその能力は大幅に向上しました。 ミューズ。 先進資本家での生活。 国々は外向きに嵐のような、しばしば熱狂的な性格を獲得しました。 その兆候は、広告の誇大宣伝、ファッションの急速な変化、人工的に引き起こされたセンセーションの万華鏡を伴う豊富なフェスティバルやコンテストでした.

資本主義国では、イデオロギー的に対立する 1920 つの文化がさらに際立っています。 お互いへの方向性：ブルジョアと民主主義（社会主義的要素を含む）。 ブルジ。 文化は、エリートと「大衆」の 40 つの形で現れます。 これらの最初のものは反民主的です。 多くの場合、それは資本家を否定します。 生き方とブルジョアを批判する。 ただし、道徳は小ブルジョアの立場からのみ。 個人主義。 ブルジ。 「大衆」文化は疑似民主主義的であり、実際には支配や階級の利益に奉仕し、大衆を権利のための闘争からそらします。 その発展は資本主義の法則に従う。 商品生産。 軽量の「産業」全体が作成され、その所有者に莫大な利益がもたらされました。 M. は、その新しい広告機能で広く使用されています。 民主的な音楽文化は、封じ込めのために戦う多くの進歩的なミュージシャンの活動によって表されます。 ヒューマニズムと国籍の考え方を支持する訴訟。 そのような文化の例は、ミュージカル劇場の作品に加えて. と濃度。 ジャンル、革命的な曲の数々。 XNUMX～XNUMX年代の運動と反ファシスト闘争。 (ドイツ -X. アイスラー)、モダン。 政治的抗議の歌。 その開発において、教授とともに。 幅広いセミプロとアマチュアがミュージシャンとして大きな役割を果たしてきました。

資本家の20世紀の作曲家の創造性。 国は、前例のない多様性と文体の傾向の多様性によって際立っています。 表現主義は頂点に達し、現実を鋭く拒絶し、主観性を高め、感情の激しさを特徴とします (新ウィーン学派 — シェーンベルクとその弟子の A. ベルクと A. ウェーベルン、イタリアの作曲家 L. ダラピッコラ — は、厳格に規制された無調旋律十二音のシステム）。 現代の相容れない矛盾から逃れたいという願望を特徴とする新古典主義が広く普及しています。 社会。 イメージとミューズの世界での生活。 16 ～ 18 世紀の形態であり、合理主義が強く主張されていました (20 ～ 50 年代のストラヴィンスキー、ドイツ – P. ヒンデミット、イタリア – O. レスピーギ、F. マリピエロ、A. カゼッラ)。 これらの傾向の影響は、他の主要な作曲家によってもある程度経験されましたが、全体として、民主主義とのつながりにより、流れの制限を克服することができました。 そしてリアル。 時代のトレンドとナールから。 創造性 (ハンガリー – B. Bartok, Z. Kodai; フランス – A. Honegger, F. Poulenc, D. Millau; ドイツ – K. Orff; ポーランド – K. Shimanovsky; チェコスロバキア – L. Janacek, B. Martinu; ルーマニア – J. Enescu、イギリス – B. Britten)。

50代。 音楽のさまざまな流れがあります。 アヴァンギャルド (ドイツ – K. Stockhausen; フランス – P. Boulez, J. Xenakis; 米国 – J. Cage; イタリア – L. Berio, 一部 L. Nono, 彼の高度な政治的立場のために際立っている), 完全に崩壊クラシックと共に。 伝統と特定の音楽（ノイズのモンタージュ）、電子音楽（芸術によって得られた音のモンタージュ）、ソノリズム（珍しい音色の異なる音楽音のモンタージュ）、偶然性（偶然の原則に基づく音楽形式の個別の音またはセクションの組み合わせ）の育成）。 前衛主義は、原則として、作品におけるささいなブルジョアの気分を表現しています。 個人主義、アナキズム、または洗練された美学。

世界M. 20世紀の特徴。 – 新しい人生への目覚めとミューズの集中的な成長。 アジア、アフリカ、ラテンの発展途上国の文化。 アメリカ、ヨーロッパの文化との相互作用と和解。 タイプ。 これらのプロセスには、一方では、西ヨーロッパの平準化の影響に対する進歩的なミュージシャンの激しい闘争が伴います。 そして北米。 コスモポリタニズムに感染し、反動派に反対するエリート主義者で疑似大衆のM。 自然保護の傾向。 文化を揺るぎない形で。 これらの文化にとって、社会主義諸国は、モルドバの国内および国際問題を解決する例として役立ちます。

大十月社会主義者の勝利の後。 ソビエト国での革命（2年から1939年の第二次世界大戦後、および社会主義の道に乗り出した他の多くの国で）、音楽音楽が形成されました。 根本的に新しいタイプの文化、社会主義。 それは、一貫して民主的で全国的な性格によって際立っています。 社会主義国では、公共音楽の広範かつ枝分かれしたネットワークが作成されました。 機関（劇場、フィルハーモニー協会、教育機関など）、オペラ、コンサートグループが音楽と美学を演奏します。 全国民の啓蒙と教育。 教授と協力して。 訴訟はマスミュージックを発展させます。 アマチュアパフォーマンスとフォークロアの形での創造性とパフォーマンス。 すべての国と国籍を含む。 以前に音楽を書いたことはありませんでした。 文化、彼らの人々の元の特徴を完全に明らかにし、開発する機会を得ました. M.と同時に、世界の教授の高みに加わります。 芸術、オペラ、バレエ、交響曲、オラトリオなどのジャンルをマスターする。 各国の音楽文化は活発に交流し、人員、​​創造的なアイデア、成果を交換し、緊密な結集につながります。

ワールドミュージックの主役。 20 世紀を主張します。 フクロウに属します。 M. 多くの優れた作曲家が前面に出てきました (ロシア人を含む – N. Ya. Myaskovsky、Yu. A. Shaporin、SS Prokofiev、DD Shostakovich、V. Ya. Shebalin、DB Kabalevsky、TN Khrennikov、GV Sviridov、RK Shchedrin; Tatar – N. ジガノフ; ダゲスタン – G. ガサノフ、Sh. Chalaev; ウクライナ語 – LN Revutsky、BN Lyatoshinsky; ベラルーシ語 – EK Tikotsky、AV Bogatyrev、グルジア語 – Sh. Harutyunyan、AA Babadzhanyan、EM Mirzoyan; アゼルバイジャン語 – K. Karaev, F . アミロフ; カザフ – EG ブルシロフスキー、M. ツレバエフ; ウズベク – M. ブルハノフ; トルクメン – V. ムハトフ; エストニア – E. カップ、G. エルネサクス、E. タンバーグ; ラトビア – J. イワノフ、M. ザリン; リトアニア – B. ドヴァリオナス、E. バルシス)、およびパフォーマー (EA ムラヴィンスキー、EP スヴェトラーノフ、GN ロジェストヴェンスキー、KN イグムノフ、VV ソフロニツキー、ST リヒター、EG ギレリス、DF オイストラフ、LB コーガン、LV ソビノフ、AV ネジダン オーヴァ、IS コズロフスキー) 、S. Ya. Lemeshev、ZA Dolukhanova)、音楽学者 (BV Asafiev) およびその他の音楽。 数字。

イデオロギーと美学。 フクロウの基本。 数学は、さまざまなジャンル、スタイル、および個々のマナーを提供する社会主義リアリズムの方法である、芸術における党派心と国籍の原則で構成されています。 フクロウで、M. は新しい命、多くの伝統を見つけました。 音楽のジャンル。 オペラ、バレエ、交響曲、クラシックを保持。 大きくて記念碑的な形（西側では大部分が失われています）は、革命と近代性のテーマの影響を受けて内部から更新されました. 歴史的革命に基づいて。 そして愛国心。 テーマ開花合唱団。 と wok.-symp。 M. (オラトリオ、カンタータ、詩)。 フクロウ。 詩は（古典と民間伝承とともに）ロマンスのジャンルの発展を刺激しました. 新ジャンル教授。 作曲の創造性は歌だった – ミサと日常 (AV Aleksandrov, AG Novikov, AA Davidenko, Dm. Ya. and Dan. Ya. Pokrassy, IO Dunaevsky, VG Zakharov, MI Blanter, VP Solovyov-Sedoy, VI Muradeli, BA Mokrousov、AI Ostrovsky、AN Pakhmutova、AP Petrov)。 フクロウ。 この歌は、ナルの人生と闘争において大きな役割を果たしました。 大衆であり、他のミューズに強い影響を与えました。 ジャンル。 すべてのミューズで。 ソ連の人々の文化は現代を受けました。 民間伝承の伝統の屈折と発展、そして同時に社会主義に基づいています。 コンテンツが強化され、nat に変換されました。 多くの新しいイントネーションやその他の表現手段を取り入れたスタイル。

意味。 音楽の構築に成功。 文化は他の社会主義国でも達成されており、そこでは多くの優れた作曲家が活動し、現在も活動を続けています (東ドイツ—H. アイスラーと P. デッサウ、ポーランド—V. ルトスワフスキ、ブルガリア—P. ウラジゲロフと L. ピプコフ、ハンガリー—Z . Kodály, F. Sabo, チェコスロバキア – V. Dobiash, E. Shouldon).

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