映画音楽 | 映画音楽
映画音楽は映画作品の構成要素であり、重要な表現手段の一つです。 art-vaミューズの開発中。 映画のデザインは、サイレントシネマの期間とサウンドシネマの期間を区別しています。
無声映画では、音楽はまだ映画の一部ではありませんでした。 彼女は映画の制作過程ではなく、デモンストレーション中に登場しました。映画の上映には、ピアニスト、イラストレーター、トリオ、時にはオーケストラが同行しました。 それにもかかわらず、音楽の絶対的な必要性。 映画撮影の発展のこの初期段階ですでに伴奏は、その音と視覚の性質を明らかにしました。 音楽は無声映画に欠かせないものになっています。 映画の伴奏として推奨される音楽のアルバムがリリースされました。 動作します。 ミュージシャン - イラストレーターの仕事を容易にすると同時に、彼らは標準化の危険性、さまざまな芸術の従属を引き起こしました。 アイデアは、直接的な説明の単一の原則に基づいています。 たとえば、メロドラマにはヒステリックなロマンス音楽、コミックが伴いました。 映画 – ユーモレスク、スケルツォ、冒険映画 – ギャロップなど。映画のオリジナル音楽を作成する試みは、映画が存在した最初の年にまでさかのぼります。 1908 年、C. サン=サーンスは映画「ギーズ公の暗殺」の初演のために音楽 (弦楽器、楽器、ピアノ、ハーモニウムの 5 つの部分からなる組曲) を作曲しました。 同様の実験がドイツ、アメリカで行われました。
Sovで。 新しい革新的な映画芸術の出現と結びついて、映画撮影への別のアプローチが生まれました。オリジナルのクラビエと楽譜が作成され始めました。 特定の映画の伴奏。 最も有名なのは、DD ショスタコーヴィチの映画「ニュー バビロン」(1929 年) の音楽です。 1928年にそれ。 作曲家 E. Meisel は、フクロウを実演するために音楽を書きました。 映画「戦艦ポチョムキン」ベルリンにて。 作曲家は、映画撮影のドラマツルギーによって決定される、ユニークで独立した具体的な音楽的解決策を見つけようとしました。 生産、その内部組織。
録音機器の発明により、各映画は独自のサウンドトラックを受け取りました。 彼の音域には、響きのある言葉と騒音が含まれていました。
サウンドシネマの誕生以来、すでに1930年代。 映画撮影は、フレーム内に描かれた楽器の音、ラジオスピーカー、キャラクターの歌などによって正当化される具体的で動機付けられたイントラフレームと、オフスクリーンの「作者の」、「条件付き」に分割されました。 オフスクリーンの音楽は、いわばアクションから削除され、同時に映画のイベントを特徴付け、陰謀の隠された流れを表現します。
陰謀の鋭い脚色で注目された30年代の映画では、響きのあるテキストが非常に重要になりました。 言葉と行動は、キャラクターを特徴付ける最も重要な方法になっています。 このようなシネマティックな構造には、アクションの時間と場所を直接具体化する大量のフレーム内音楽が必要でした。 作曲家は、ミューズの独自の解釈を与えようとしました。 画像; フレーム内の音楽が画面外になりました。 30代前半。 意味のある重要なシネマティックスとして、映画に音楽をセマンティックに含めることの探求が特徴です。 成分。 映画の登場人物や出来事を音楽的に特徴付ける最も人気のある形式の XNUMX つは、歌です。 この時期、音楽は広く普及します。 ポピュラーソングを基にしたコメディ映画。
この種のK.の古典的なサンプルは、IO Dunaevskyによって作成されました。 彼の音楽、映画の歌 (「メリー フェローズ」、1934 年、「サーカス」、1936 年、「ヴォルガ ヴォルガ」、1938 年、GA アレクサンドロフ監督、「金持ちの花嫁」、1938 年、「クバン コサック」、1950 年、IA 監督)ピリエフ）、陽気な態度が染み込んでおり、特徴のライトモチーフ、テーマが特徴です。 シンプルさ、誠実さ、絶大な人気を博しました。
Dunayevskyとともに、映画デザインの歌の伝統は作曲家によって開発されました。 Pokrass、TN Khrennikov など、後に 50 年代から始まります。 NV Bogoslovsky、A. Ya。 Eshpay、A.Ya。 Lepin、AN Pakhmutova、AP Petrov、VE Basner、MG Fradkin など 映画「Chapaev」（70、監督の兄弟 Vasiliev、comp. GN Popov）は、フレーム内音楽の選択の一貫性と正確さによって際立っています。 映画の歌とイントネーションの構造（劇的な展開の基礎はフォークソングです）は、単一のライトイントネーションを持ち、チャパエフのイメージを直接特徴付けています。
30年代の映画で。 画像と音楽の関係は、Ch。 到着並列性の原則に基づいています。音楽は、これまたはその感情を強め、映画の作者によって作成されたムード、キャラクターに対する態度、状況などがそれを深めます。 この点で最も興味深いのは、映画『孤独』（1931年、GMコジンツェフ監督）、『黄金の山』（1931年、SIユトケヴィッチ監督）、『カウンター』（1932年、FMエルムラー監督、SIユトケヴィッチ監督）のためのDDショスタコーヴィチの革新的な音楽であった。 ショスタコーヴィチと並んで、主要なフクロウが映画館にやってくる。 交響曲の作曲家 – SS プロコフィエフ、Yu. A. Shaporin、AI Khachaturian、DB Kabalevsky など。 彼らの多くは、創造的な人生全体を通して映画で協力しています。 多くの場合、K. で生まれたイメージは、独立した交響曲の基礎となりました。 またはボーカルシンフォニー。 製品。 （プロコフィエフによるカンタータ「アレクサンダー・ネフスキー」など）。 舞台演出家とともに、作曲家たちは根源的なミューズを探しています。 映画の決定、映画における音楽の場所と目的の問題を理解するよう努めます。 真にクリエイティブなコミュニティがコンピューターに接続されました。 SSプロコフィエフと監督。 映画の音と視覚の構造の問題に取り組んだ SM Eisenstein。 エイゼンシュテインとプロコフィエフは、音楽と視覚芸術の間の独自の相互作用の形を発見しました。 エイゼンシュタインの映画「アレクサンダー・ネフスキー」（1938年）と「イヴァン雷帝」（第1シリーズ – 1945年、スクリーン第2弾 – 1958年）のためのプロコフィエフの音楽は、簡潔さ、ミューズの彫刻的な凸状によって際立っています。 イメージ、リズムとダイナミクスとの正確な一致が描写されます。 ソリューション（革新的に開発された音響と視覚の対位法は、映画「アレクサンダー・ネフスキー」の氷上の戦いのシーンで特別な完成度に達します）。 映画における共同作業、エイゼンシュタインとプロコフィエフの創造的な探求は、芸術の重要な手段としての映画の形成に貢献しました。 表現力。 この伝統は、50 年代の初期の作曲家によって採用されました。 70年代 実験への欲求、音楽と画像を組み合わせる新しい可能性の発見は、EV Denisov、RK Shchedrin、ML Tariverdiev、NN Karetnikov、AG Schnittke、BA Tchaikovskyなどの作品を際立たせています。
芸術の偉大な尺度。 一般的な芸術としての音楽の特徴である一般性は、映画作品におけるその役割を決定しました。映画に対する考えやアイデア。 現代のサウンドビジュアルシネマは、映画の中にミューズを存在させます。 概念。 これは、画面外とフレーム内の両方の動機付けされた音楽の使用に基づいており、多くの場合、目立たない方法になりますが、人間のキャラクターの本質への深く微妙な洞察になります. 音楽と画像の直接的な並列処理の方法が広く使用されるとともに、音楽の「対抗的な」使用がますます重要な役割を果たし始めています（その意味は、サウンドシネマの出現前からSM Eisensteinによって分析されていました）。 音楽と画像の対照的な並置に基づいて構築されたこのテクニックは、示されているイベントのドラマを強化します (1943 年、1960 年のイタリア映画「長い夜」における人質の射殺は、ファシスト行進の陽気な音楽を伴っています。イタリア映画 Divorce in Italian, 1961 のエピソードは、葬送行進曲の音に移る)。 意味。 音楽は進化を遂げました。 映画の一般的で最も重要なアイデアをしばしば明らかにするライトモチーフ（たとえば、F. Fellini監督、コメディアンN. Rotaが監督した1954年のイタリア映画The RoadのGelsominaのテーマ）。 時々 現代 映画では、音楽は感情を高めるのではなく、感情を抑えるために使用されます。 たとえば、映画「400 Blows」（1959 年）では、監督の F. トリュフォーと作曲家の A. コンスタンティンが音楽の厳しさを追求しています。 画面上で何が起こっているかを合理的に評価するよう視聴者を促すテーマ。
ミューズ。 映画のコンセプトは、一般的な作者のコンセプトに直接従属しています。 たとえば、日本ではそうです。 映画「裸の島」（1960年、監督：新藤和明、作曲：X.林）は、自然との決闘と生存競争を繰り広げた人々の過酷で困難な、しかし意味深い人生を描いた作品で、必ず音楽が登場します。これらの人々の毎日の仕事を示すショットで、主要なイベントが彼らの生活に入るとすぐに消えます. 映画「兵士のバラード」（1959年、監督G.チュクライ、作曲M.ジフ）では、作詞家として上演されました。 ストーリー、音楽画像にアドバタイズあり。 基本; 作曲家が見つけた音楽のイントネーションは、シンプルで優しい人間関係の永遠で不変の美しさを肯定します。
映画の音楽は、オリジナル、この映画のために特別に書かれたもの、または有名なメロディー、歌、クラシック音楽で構成されたものです。 音楽作品。 現代の映画では、J. ハイドン、J. 人間性が高い世界。 伝統。
音楽は音楽の中で最も重要な位置を占めています。 映画、作曲家、歌手、ミュージシャンについての専用の物語。 彼女は特定のドラマツルギーを演じます。 （これが特定の音楽の作成についての物語である場合）、または挿入番号として映画に含まれています。 オペラやバレエのパフォーマンスの映画化、およびオペラやバレエに基づいて作成された独立したパフォーマンスにおける音楽の主な役割. 映画制作。 このタイプのシネマトグラフィーの価値は、主に古典の最高の作品を広く普及させることにあります。 そして現代音楽。 60年代。 フランスでは、オリジナルのフィルム オペラのジャンルを作成する試みが行われました (シェルブールの雨傘、1964 年、監督 J. デミー、コンプ M. ルグラン)。
音楽は、アニメーション、ドキュメンタリー、人気のある科学映画に含まれています。 アニメ映画では、独自の音楽方法が開発されました。 デザイン。 それらの中で最も一般的なのは、音楽と画像の正確な並行性のテクニックです。メロディーは、画面上の動きを文字通り繰り返したり模倣したりします（さらに、結果として得られる効果は、パロディで叙情的なものになる可能性があります）。 意味。 この点で興味深いのは、アメールの映画です。 dir。 W. ディズニー、特に「Funny Symphonies」シリーズの彼の絵画は、有名なミューズを視覚的なイメージで具現化しています。 製品。 （例えば、C.サン=サーンスの交響詩「死の舞踏」の音楽に合わせた「骸骨の舞踏」など）。
現代音楽の発展段階。 映画のデザインは、映画作品の他の要素の中で音楽が同等に重要であることを特徴としています。 映画音楽は、映画撮影の最も重要な声の XNUMX つです。 映画の内容を明らかにする鍵となるポリフォニー。
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IMシロバ
